Decorative Art 50s 20世纪50年代的装饰艺术风格 设计书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Charlotte Fiell 著

图书标签:

• 装饰艺术
• 50年代
• 设计
• 复古
• 室内设计
• 家居装饰
• 艺术风格
• 20世纪
• 设计书籍
• 视觉艺术

店铺： 善本图书专营店

出版社： Taschen

ISBN：9783836544580

商品编码：1391287429

包装：精装

开本：16 x 3.9 x 19.9 cm

出版时间：2013-04-05

页数：576

正文语种：英文

• 出版社: Taschen GmbH (2013年5月15日)
• 精装: 576页
• ISBN: 9783836544580
• 商品尺寸: 19.9 x 16 x 3.9 cm
• 商品重量: 1.2 Kg

This is the authentic experience of a decade's design trends and styles. Published annually from 1906 until 1980, "Decorative Art, The Studio Yearbook" was dedicated to the latest currents in architecture, interiors, furniture, lighting, glassware, textiles, metalware, and ceramics. Since the publications went out of print, the now hard-to-find yearbooks have become highly prized by collectors and dealers. TASCHEN's "Decorative Art 50s" explores the spirit of optimism and the fervent consumerism of the decade. Technology and construction had been enervated by research during the war and these discoveries could now be applied in peacetime. The popularization of plastics, fiberglass, and latex literally shaped the decade. Rising incomes and postwar rebuilding on bother sides of the Atlantic led to a massive housing boom in both the suburbs and inner cities, and these new homes reflected the new style. While European design was extraordinarily inventive, American design was looking to an idealized vision of the future - between them a modern idiom was developed that can be seen vividly on these pages. This overview of the decade includes the work of such famous innovators as Charles and Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner, and Gio Ponti.

Charlotte & Peter Fiell have written numerous TASCHEN books, including 1000 Chairs, Design of the 20th Century, Industrial Design A–Z, Scandinavian Design, Designing the 21st Century, Graphic Design for the 21st Century, 1000 Lights and Contemporary Graphic Design. They also edited TASCHEN’s Decorative Art series and the 12-volume domus 1928–1999.

 

现代设计风潮的时代回响：20世纪中叶的视觉革命 一本关于装饰艺术风格在20世纪50年代演变与影响的深度探索之作。 本书旨在详尽梳理20世纪50年代，那个充满变革与乐观主义的年代，装饰艺术（Art Deco）风格如何经历一次深刻的转型，并最终融入到战后现代主义的浪潮中，形成一种既继承经典又展望未来的独特视觉语言。我们摒弃对传统装饰艺术的刻板印象，转而聚焦于这个十年中，材料、技术进步与社会需求如何共同塑造了全新的美学标准。 第一章：黄金时代的余晖与战后的胎动 (1945-1952) 二战结束为全球设计界带来了前所未有的机遇与挑战。旧世界的优雅与新世界的效率在此刻激烈碰撞。本章首先回顾了1930年代装饰艺术的鼎盛时期，分析了其几何化、奢华感与对机器美学的早期拥抱。随后，我们将笔锋转向战后初期，探讨“功能至上”的现代主义思潮如何冲击了传统装饰的地位。 材料的解放： 战后，工业生产的恢复使得新型材料如塑料（特别是苯乙烯和早期的聚氯乙烯）、层压板和轻质合金得以大规模应用。这些材料的引入，不仅降低了生产成本，更重要的是，它们为设计师提供了前所未有的造型自由。我们深入分析了这些新材料如何被用于家具、灯具和室内陈设中，探讨它们如何赋予传统装饰母题以轻盈感和未来感。 对“新生活”的渴望： 经济复苏带来了消费升级和对家庭环境美化的迫切需求。社会心理学角度分析表明，人们渴望通过色彩鲜明、造型圆润的产品来驱散战争的阴霾。本章详述了如何从古典的、垂直的装饰线条转向更强调水平延展、有机曲线和温暖色调的过渡性设计。 第二章：中世纪现代主义的崛起与装饰的“去符号化” 20世纪50年代是中世纪现代主义（Mid-Century Modern）大放异彩的时期，但我们认为，这种风格并非对装饰艺术的简单抛弃，而是一种“去符号化”的继承。装饰元素被简化、抽象化，融入到结构和功能的本身。 几何的提炼： 装饰艺术标志性的对称性、图案化被保留，但其表达方式变得更为克制和内敛。本章展示了平面设计中如何运用简洁的网格系统和对比强烈的色彩块（如芥末黄、橄榄绿和蒂芙尼蓝），来构建具有节奏感的视觉效果，取代了早期装饰艺术中繁复的镶嵌或雕刻。 照明设计的革命： 灯具是衡量一个时代设计水平的绝佳标尺。本章重点剖析了如George Nelson和Isamu Noguchi等大师如何将功能性照明转化为雕塑般的艺术品。这些灯具往往采用半透明材料和可塑的结构，其装饰性体现在其光影的投射效果和结构本身的韵律感上，而非表面的纹理装饰。 家具造型的演变： 我们考察了那些标志性的“造型腿”和“漂浮式”设计，分析了这些设计语言如何巧妙地在视觉上减轻体量感，同时保持了室内环境的精致度。这些设计继承了装饰艺术对体量感的精妙处理，但用更轻盈的支撑结构取而代之。 第三章：全球化视角下的室内与建筑交融 50年代的设计不再局限于欧洲和美国，日本的结构主义美学、斯堪的纳维亚的朴素哲学开始深刻影响全球的装饰取向。 北欧的影响力： 斯堪的纳维亚风格强调的“素雅”与“自然”如何与50年代对“时髦”（Chic）的追求相结合？本章探讨了木材（尤其是柚木和胡桃木）在家具制作中的回归，以及其天然纹理如何被视为一种高级的、有机化的装饰元素，取代了金属或玻璃的冰冷感。 建筑的透明化与室内外边界的消融： 建筑设计中大面积玻璃幕墙的应用，使得室内装饰的视觉连续性成为关键。装饰性元素不再被局限在墙壁或家具上，而是延伸到空间布局和景观设计中。我们将通过分析一栋典型的50年代现代住宅，展示室内饰面材料（如水磨石、特定图案的壁纸）如何与外部环境进行对话。 色彩心理学与“太空时代”的预示： 尽管整体趋于内敛，但50年代也见证了一股对未来科技的浪漫想象。这种想象通过大胆的撞色、金属光泽的回归以及对圆形、螺旋等动态图形的偏爱得以体现，预示着即将到来的“太空时代”美学。 第四章：图形与产品的装饰性语言 本章聚焦于平面设计、包装和小型消费品中的装饰表现。这是装饰艺术“装饰性”精神得以最直接延续的领域。 字体设计的复兴： 战后，许多新的无衬线字体被开发出来，它们既追求现代主义的清晰度，又保留了装饰艺术时期对几何结构力量的偏爱。本章详细分析了特定字体家族（如Grotesque和Geometric Sans-Serif）在广告和产品标识中的应用，它们如何通过字体的粗细、间距和排版布局本身，创造出强烈的装饰节奏感。 纺织品与图案设计： 50年代的纺织品图案是这段历史中最生动的一面镜子。从抽象的星云图案到高度风格化的植物和动物剪影，这些图案如何在保持现代简洁性的同时，传递出乐观、幽默和适度的奢华感？我们将对比分析当时流行的窗帘面料、地毯设计以及服装印花，揭示图案设计从“描述性”向“表现性”的转变。 餐具与小物件的“可拥有性”： 装饰艺术最初是精英阶层的专属，而50年代的设计则致力于将美学普及化。本书研究了诸如韦奇伍德（Wedgwood）或瑞典的玻璃器皿等批量生产的餐具，它们如何通过精巧的造型和色彩搭配，将日常用品提升至具有装饰价值的层面，使“好的设计”成为大众可以触及的生活品质的象征。 --- 总结： 本书认为，20世纪50年代的“装饰艺术”并非一个独立的流派，而是贯穿于中世纪现代主义肌理中的一种“装饰精神的重构”。它学会了如何在功能、材料和经济现实的约束下，巧妙地运用线条、色彩和体量，创造出既服务于现代生活，又充满时代自信和视觉趣味的设计语言。这是一部关于适应、演变与优雅重生的设计史诗。

评分☆☆☆☆☆

我刚刚完成了一部关于二战期间美国军用物资设计与工业标准化的学术专著。这本书几乎完全是关于效率、成本控制和快速生产的冷酷逻辑。它详细记录了从军用吉普车的模块化零件到标准军官椅的设计规范，探讨了在资源极度受限的环境下，工业设计师如何被迫将美学降至最低，以确保后勤链条的顺畅运转。书中充满了图表、规格清单和材料科学的论述，很少涉及纯粹的“风格”或“品味”。与此形成鲜明对比的是，五十年代的设计往往被视为战后经济繁荣和消费主义回归的产物，充满了对未来的大胆想象。这本书则像是一部沉重的历史记录，它揭示了那些简洁线条和实用外形背后的政治和经济驱动力，而不是作为一种美学选择被颂扬。读完后你会意识到，许多“现代”的简洁设计，最初可能只是因为铝材配额限制的无奈结果，而非纯粹的艺术追求。

评分☆☆☆☆☆

近期我沉迷于一本探讨20世纪初北欧现代主义家具的书籍，它关注的重点是功能、简约和人体的舒适度，这与我们想象中五十年代那种略带浮夸和装饰性的风格形成了鲜明的对比。这本书几乎没有提及任何花哨的装饰元素，而是将篇幅大量用于分析桦木、白蜡木等天然材料的结构特性，以及如何通过结构本身来实现美感。作者对于芬兰设计师阿尔瓦·阿尔托的木材弯曲技术进行了长篇累牍的分析，甚至配有详细的工程图纸，探讨了蒸汽弯曲如何让椅子产生优雅的弧度。整本书的排版非常干净、留白极多，文字的语气冷静而克制，充满了对“形式追随功能”这一信条的近乎宗教般的虔诚。如果你的《Decorative Art 50s》涉及的“装饰”指的是色彩或图案，那么这本北欧现代主义的书籍则完全是关于“去除装饰”，专注于建筑学思维在家具设计中的应用，阅读时仿佛能闻到松木和湿润的室内空气。

评分☆☆☆☆☆

我手边恰好有一本关于战后日本战后陶艺复兴的画册，这本画册的内容与五十年代的西方装饰艺术（如果你的书里有提到的话）简直是两个极端。这本关于日本陶艺的书，重点放在了战后艺术家们如何从传统“侘寂”（Wabi-Sabi）美学中汲取灵感，进行激进的抽象化表达。书中收录了大量未经上釉、粗糙质感、甚至带着明显烧制痕迹的作品照片，那些造型往往是不对称的、有机的，仿佛直接从大地中抽取出来一般。文字部分则充满了对禅宗哲学和民间手工艺的深刻讨论，探讨了如何在废墟之上重建文化身份的严肃议题。对比之下，如果你的书是关于五十年代的明亮塑料家具和流线型设计，那简直是天堂与泥土的对比。这本陶艺集子更像是一次深度的冥想，探讨的是材料的本质和不完美之美，阅读体验是沉静的、内省的，与可能充斥着“太空时代”乐观主义的主题相去甚远。

评分☆☆☆☆☆

这本名为《Decorative Art 50s 20世纪50年代的装饰艺术风格 设计书籍》的书籍，如果我没记错的话，似乎专注于那个充满乐观主义和新颖材料的黄金年代的设计美学。然而，我最近翻阅的另一本设计史著作，却是将焦点完全放在了19世纪末维多利亚时代的室内装饰与家具革新上。那本书的文字非常考究，用了很多生僻的词汇来描述复杂的木雕和繁复的织物纹理，几乎每一页都配有高质量的版画插图，细致到能看清橡木桌面上的每一道手工刨痕。它详细剖析了“工艺美术运动”是如何试图抵抗工业化对美感的侵蚀，以及实用性如何与哥特复兴、洛可可复兴等历史风格进行一场华丽的“混搭”。读起来感觉像是在一个堆满了天鹅绒和深色胡桃木的房间里，被那种沉甸甸的历史厚重感包裹着，完全没有五十年代那种轻盈和色彩冲击力，而是充满了对过去精致工艺的缅怀与执着。书中的章节结构也非常传统，从功能主义的早期萌芽，到对“包豪斯”影响力的回顾，每一步都走得非常扎实，可以说是对那个时代复杂美学冲突的百科全书式梳理。

评分☆☆☆☆☆

最近在研究一本关于20世纪60年代早期波普艺术对平面设计的影响的画册。这本书的能量是爆炸性的，充满了对商业符号、漫画图像以及霓虹灯色彩的挪用和戏仿。它探讨的是设计如何主动拥抱媚俗文化，挑战精英艺术的界限，其视觉语言是喧哗的、直接的、充满讽刺意味的。与五十年代那种追求家庭温馨、技术进步和“中产阶级品味”的设计（如果你的书是这个方向的话）相比，六十年代初期的波普设计更像是对那种秩序感和稳定性的猛烈冲击。这本画册里充斥着粗粝的胶印纹理和鲜艳的原色，作者的写作风格也极具煽动性，充满了对消费社会的反思和庆祝。阅读它更像是在参加一场狂欢派对，充满了对既有美学规范的打破和重塑，与任何关于“优雅家居”的讨论都相去甚远。