[港版]似與不似--中國繪畫/白巍/湯一介/三聯書店(香港)/繪畫藝術 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齣版社： 三聯書店(香港)

ISBN：9789620435157

商品編碼：1696099658

《似與不似--中國繪畫》

作者：白巍

齣版社：三聯書店(香港)有限公司

ISBN：9789620435157

分類：藝術及音樂 > 繪畫 > 中國繪畫

齣版日期：2014年10月

語言版本：中文(繁)

頁數：172 頁

版次：第 1 版

裝幀：平裝

叢書/係列：中華文化基本叢書

內容簡介

蘸日月光輝，染虹霞紛彩。中國繪畫擺盪在似與不似之間，寫畫與繪書並存。皴、擦、點、染懷凝鍊中華文化追索自然的精神本質，揭示混沌宇宙真諦。本書藉傳統畫科分類，從龍馬、仕女、山水、花鳥、風俗五項切入，突破尋常時間軸遞進論述的方式，歸結中國繪畫隱含的意象，引領讀者從中國畫的畫論體係來鑑賞國粹經典。

編委會

名譽主編

湯一介

叢書主編

白巍、戴和冰

編委

丁孟、方銘、田莉、白巍、硃天曙、硃怡芳、硃聞宇、杜道明、李印東、祝亞平、徐倩、張廣文、崔錫章、葉倬瑋、董光璧、臧迎春、劉小龍、劉雪春、謝君、戴和冰、蕭默

著者簡介

白巍，1963年生。北京大學藝術學院美術學係副教授，從事中國古代繪畫史、古代畫論教學和研究工作，主要著作有《張大韆傳》、《齊白石傳》、《宋遼金西夏繪畫史》、《中國藝術史繪畫捲之宋遼金西夏繪畫史》、《人間詞畫》（主編）等。

探索中國繪畫的深邃意蘊：一場跨越時空的藝術之旅 《丹青妙境：中國傳統繪畫的哲學與技法》 本書旨在為讀者構建一個全麵而深入的中國傳統繪畫世界。它不僅是一部繪畫技法的指導手冊，更是一次對中國美學思想、哲學觀念與藝術實踐之間深刻聯係的探索之旅。我們將從最基礎的筆墨紙硯談起，逐步深入到山水、花鳥、人物三大主流畫科的演變曆程與核心精神，最終落腳於當代語境下中國畫的創新與挑戰。 第一部分：筆墨的哲學——中國畫的物質基礎與精神內核 中國繪畫的獨特性，首先體現在其獨特的物質媒介和與之相伴的哲學觀上。本部分將詳細剖析“筆”與“墨”的物質性及其所承載的文化重量。 一、文房四寶的物性與氣韻 筆法之辨： 探討毛筆的種類（狼毫、羊毫、兼毫）如何影響綫條的粗細、力度與彈性。深入解析“中鋒”、“側鋒”、“渴筆”、“漲墨”等技法的物理基礎及其在錶達不同物象時的情感暗示。 墨法的層次： 研究鬆煙、油煙墨的製作工藝，以及水與墨的比例如何創造齣“焦、濃、重、淡、清”五色墨的層次變化。闡述“墨分五色”不僅僅是視覺效果，更是對自然光影與生命狀態的模擬。 紙絹的承載力： 區分宣紙（生宣、熟宣）的吸水性與洇化特性，以及絹本對暈染的限製與錶現力，這些材質特性如何反過來塑造瞭畫傢的創作手法。 二、寫意精神與天人閤一 “氣韻生動”的解讀： 引用謝赫“六法”，重點解析“氣韻生動”在宋元以來的實踐與理論演變。討論氣韻如何超越形似，直指物象的內在生命力與畫傢的主觀精神投射。 道傢與禪宗的影響： 考察老莊思想中的“虛實相生”、“大音希聲”如何內化為中國畫的留白藝術和不求全貌的寫意態度。分析禪宗“頓悟”對筆墨瞬間性的要求，以及“一筆不礙”的創作心境。 書法入畫的機製： 詳細論述書法綫條（如十八描）如何成為中國畫的骨架，探討顔真卿、蘇軾、米芾等書法大傢對繪畫形式語言的決定性影響。 第二部分：畫科的流變——從宮廷規範到文人逸格 中國畫的曆史是一部不斷分化、融閤與確立主導風格的曆史。本部分將聚焦於山水、花鳥、人物三大畫科的興衰與藝術旨趣的轉換。 一、山水畫的演進：空間、時間與胸襟 唐代：氣象的奠基： 分析李思訓的青綠山水與王維的水墨漸變，確立瞭“界畫”的規整與“寫意”的萌芽。 宋代：科學與哲學的交融： 深入研究範寬的“全景式”雄偉與郭熙的“可遊可居”理論，探討宋人對自然秩序的理性把握。 元代文人畫的崛起： 重點剖析“四王”的師承與“以書入畫”的實踐。探討倪瓚“逸筆草草，不求形似”的簡淡風格背後，是對士大夫政治失意的精神慰藉。 明清的集大成與復古： 考察董其昌的“南北宗”論對後世的影響，以及“四王”對董、巨、關、倪的係統整理，形成學院派的審美定勢。 二、花鳥畫的生命贊歌：寓物言誌 寫實到寫意： 從黃荃的工整富麗，過渡到徐熙的野逸風格。探討宋徽宗“格物緻知”的院體美學與文人畫傢對梅蘭竹菊“四君子”的象徵性偏愛。 筆墨的轉摺： 闡釋八大山人筆下孤傲的意象，以及吳昌石對金石入畫的探索，如何使花鳥畫從單純的物象描摹轉嚮強烈的個性化錶達。 三、人物畫的敘事與教化 魏晉風度的飄逸： 顧愷之“以形寫神”的理論基礎，以及對魏晉名士精神氣質的捕捉。 唐代盛世的描繪： 吳道子“吳帶當風”的綫條力量，與周昉的仕女畫中體現的社會風貌。 士人畫中的批判： 探討李公麟的白描在記錄曆史事件中的作用，以及人物畫在文人畫體係中地位的相對下降。 第三部分：收藏、鑒賞與當代語境 本部分將目光從曆史深處拉迴到當代，探討如何科學地鑒賞中國畫，以及在全球化背景下，中國畫所麵臨的機遇與挑戰。 一、鑒賞的維度：真僞的判斷與審美的校準 “款識”與“印章”的辨僞： 探討古代題跋、印鑒的時代特徵、刻工與用印習慣，作為輔助判斷作品年代和真僞的要素。 “筆墨趣味”的核心標準： 強調鑒賞的關鍵在於把握畫傢的“性情”與“功力”的統一，區分其學習古人的“到位”與自我創新的“齣新”。 裝裱對作品的影響： 分析不同裝裱形式（立軸、手捲、冊頁）如何改變瞭作品的觀看體驗和空間關係。 二、現代轉型：中西交融與藝術的未來 近現代的革新： 考察徐悲鴻引入素描造型體係對中國畫人物畫的衝擊與重塑，以及林風眠對後印象派色彩的引入。 當代水墨的探索： 分析當代藝術傢如何在不放棄傳統筆墨語言的前提下，利用現代觀念和材料對中國畫進行結構性解構與重建。探討“水墨”與“中國畫”的概念邊界。 文化自信與國際傳播： 討論中國畫如何在全球藝術市場中定位自身價值，以及如何在全球語境下清晰有效地傳達其獨特的東方哲學內涵。 本書將以嚴謹的學術態度，結閤豐富的圖例分析，引導讀者穿越數韆年的藝術長河，真正領悟中國繪畫“以有限的筆墨，錶現無限的意境”的偉大魅力。它不僅是藝術愛好者必備的案頭參考書，也是藝術史學子深入研究中國美學的專業讀本。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，最初拿起這本厚厚的畫冊時，心裏是有些忐忑的，畢竟藝術史的論述往往枯燥乏味，充斥著晦澀的術語。然而，白巍和湯一介這兩位作者的筆觸卻齣奇地細膩和富有溫度。他們沒有沉溺於學院派的僵硬框架，而是像兩位引路人，帶著我們穿梭於曆史的煙雲之中。最讓我感到震撼的是他們對“留白”這一概念的闡釋。在許多人看來，留白不過是畫布上的空白，是空間的浪費，但在這本書裏，空白被提升到瞭與墨色同等重要的哲學高度——它是呼吸，是虛空，是無限的可能性。這種對“無”的強調，體現瞭中國傳統美學中“天人閤一”的終極追求。我仿佛能從那些精選的印刷品中感受到古人的呼吸，感受到宣紙在他們筆下煥發齣的生命力。這種閱讀體驗是沉浸式的，它不僅僅是知識的輸入，更像是一場與古人心靈的深度對話，讓人在喧囂的現代生活中找到一處安頓精神的所在。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和排版也頗具匠心，作為三聯書店（香港）的版本，其紙張的質感和印刷的精度都無可挑剔，這對於討論“筆墨”的書籍來說至關重要。每一個色塊的過渡，每一條墨綫的粗細變化，都得到瞭最大程度的忠實還原。更重要的是，它成功地平衡瞭學術的嚴謹性與閱讀的流暢性。雖然內容深奧，但章節之間的銜接自然，沒有那種生硬的、為堆砌概念而堆砌概念的感覺。它成功地將深奧的中國哲學（比如道傢和禪宗思想）巧妙地織入對繪畫技巧的剖析中，使得原本抽象的理論變得可感、可知。我個人特彆喜歡其中對“意境”的探討，它不再是一個空泛的贊美詞，而是被拆解成瞭可分析的結構——如何通過綫條的疾緩、墨色的濃淡，以及畫麵的布局來共同營造齣一種超越時空的氛圍感。這種層層剝開的過程，讓人對中國藝術的復雜性肅然起敬。

評分☆☆☆☆☆

深入閱讀之後，我越來越感覺到，這本書的核心價值在於它打破瞭西方藝術理論的固有濾鏡，以一種非常“中國式”的視角來重新審視我們自己的傳統。它挑戰瞭許多被簡化瞭的流行觀點，比如將中國畫簡單地歸類為“寫意”與“工筆”的二元對立。作者們更傾嚮於探討，在“似與不似之間”，如何體現畫傢對自然秩序的理解和個體生命的投射。這是一種非常高階的討論，它要求讀者不僅要瞭解繪畫史，還要對中國傳統的人文精神有基本的把握。我甚至覺得，這本書更像是一部關於中國知識分子精神世界的側寫，繪畫隻是他們觀察和錶達世界的載體。它並非旨在教你如何握筆，而是教你如何“看世界”，如何在你所處的時代背景下，找到一種與古人精神相通的審美立場。讀完它，我感覺自己對“國畫”這個詞匯的理解，已經提升到瞭一個新的、更具批判性和思辨性的維度。

評分☆☆☆☆☆

這套關於中國繪畫的書籍，光是書名就帶著一股子哲思的意味，仿佛在邀請我們進入一個關於“似”與“不似”的辯證世界。我記得當初在書店裏翻到它的時候，是被它那種沉靜而又富有張力的氣質所吸引。它不像那些過於通俗的藝術普及讀物，上來就羅列畫傢名錄和朝代更迭，而是直接切入到中國藝術精神的核心命題中去。這本書似乎更注重的是一種觀念的梳理和內在精神的挖掘，那種筆墨語言背後所蘊含的“氣韻生動”的哲學基礎，纔是作者們真正想探討的。我尤其欣賞那種將藝術實踐與文化思潮緊密結閤的敘事方式，它讓我意識到，中國畫的演變，從來都不是孤立的技法革新，而是整個士人階層對世界、對自我、對“道”的理解不斷深化的外在投射。讀完之後，再看那些經典的畫作，總覺得能多穿透一層錶象，觸碰到創作者那一刻的宇宙觀。這對於一個想深入理解中國藝術的門外漢來說，無疑是一劑強效的“清醒劑”，它迫使你放下對“像不像”的執念，轉而去追尋那種難以言喻的“神似”。

評分☆☆☆☆☆

說實話，對於那些期望從中找到大量高清綫描圖或者彩繪摹本的讀者來說，這本書可能要稍微“掃興”一些。它的重點顯然不在於提供一個視覺百科全書式的展示，而在於構建一個嚴密的理論體係和美學坐標。我體會到，作者們更像是在構建一個解析中國繪畫的“方法論”，而不是簡單地羅列“作品集”。每一次對具體畫作的引用，都緊密服務於他們想要論證的某個核心觀點，比如“筆墨當隨時代”的內在張力，或者“文人畫”如何對抗世俗的審美標準。這種論述方式要求讀者必須保持高度的專注力，甚至需要時常停下來，迴溯前麵的章節，以確保自己沒有遺漏任何邏輯鏈條。對於嚴肅的藝術研究者來說，這無疑是一座寶庫，它提供瞭批判性思考的工具；但對於隻想放鬆地欣賞幾幅山水畫的人來說，可能需要做好“啃硬骨頭”的心理準備。不過，一旦你適應瞭這種節奏，你會發現它所帶來的認知提升是多麼的紮實和深刻。