[港版]似与不似--中国绘画/白巍/汤一介/三联书店(香港)/绘画艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 三联书店(香港)

ISBN：9789620435157

商品编码：1696099658

《似與不似--中國繪畫》

作者：白巍

出版社：三聯書店(香港)有限公司

ISBN：9789620435157

分類：藝術及音樂 > 繪畫 > 中國繪畫

出版日期：2014年10月

語言版本：中文(繁)

頁數：172 頁

版次：第 1 版

裝幀：平裝

叢書/系列：中華文化基本叢書

内容简介

蘸日月光輝，染虹霞紛彩。中國繪畫擺盪在似與不似之間，寫畫與繪書並存。皴、擦、點、染懷凝鍊中華文化追索自然的精神本質，揭示混沌宇宙真諦。本書借傳統畫科分類，從龍馬、仕女、山水、花鳥、風俗五項切入，突破尋常時間軸遞進論述的方式，歸結中國繪畫隱含的意象，引領讀者從中國畫的畫論體系來鑑賞國粹經典。

編委會

名譽主編

湯一介

叢書主編

白巍、戴和冰

編委

丁孟、方銘、田莉、白巍、朱天曙、朱怡芳、朱聞宇、杜道明、李印東、祝亞平、徐倩、張廣文、崔錫章、葉倬瑋、董光璧、臧迎春、劉小龍、劉雪春、謝君、戴和冰、蕭默

著者簡介

白巍，1963年生。北京大學藝術學院美術學系副教授，從事中國古代繪畫史、古代畫論教學和研究工作，主要著作有《張大千傳》、《齊白石傳》、《宋遼金西夏繪畫史》、《中國藝術史繪畫卷之宋遼金西夏繪畫史》、《人間詞畫》（主編）等。

探索中国绘画的深邃意蕴：一场跨越时空的艺术之旅 《丹青妙境：中国传统绘画的哲学与技法》 本书旨在为读者构建一个全面而深入的中国传统绘画世界。它不仅是一部绘画技法的指导手册，更是一次对中国美学思想、哲学观念与艺术实践之间深刻联系的探索之旅。我们将从最基础的笔墨纸砚谈起，逐步深入到山水、花鸟、人物三大主流画科的演变历程与核心精神，最终落脚于当代语境下中国画的创新与挑战。 第一部分：笔墨的哲学——中国画的物质基础与精神内核 中国绘画的独特性，首先体现在其独特的物质媒介和与之相伴的哲学观上。本部分将详细剖析“笔”与“墨”的物质性及其所承载的文化重量。 一、文房四宝的物性与气韵 笔法之辨： 探讨毛笔的种类（狼毫、羊毫、兼毫）如何影响线条的粗细、力度与弹性。深入解析“中锋”、“侧锋”、“渴笔”、“涨墨”等技法的物理基础及其在表达不同物象时的情感暗示。 墨法的层次： 研究松烟、油烟墨的制作工艺，以及水与墨的比例如何创造出“焦、浓、重、淡、清”五色墨的层次变化。阐述“墨分五色”不仅仅是视觉效果，更是对自然光影与生命状态的模拟。 纸绢的承载力： 区分宣纸（生宣、熟宣）的吸水性与洇化特性，以及绢本对晕染的限制与表现力，这些材质特性如何反过来塑造了画家的创作手法。 二、写意精神与天人合一 “气韵生动”的解读： 引用谢赫“六法”，重点解析“气韵生动”在宋元以来的实践与理论演变。讨论气韵如何超越形似，直指物象的内在生命力与画家的主观精神投射。 道家与禅宗的影响： 考察老庄思想中的“虚实相生”、“大音希声”如何内化为中国画的留白艺术和不求全貌的写意态度。分析禅宗“顿悟”对笔墨瞬间性的要求，以及“一笔不碍”的创作心境。 书法入画的机制： 详细论述书法线条（如十八描）如何成为中国画的骨架，探讨颜真卿、苏轼、米芾等书法大家对绘画形式语言的决定性影响。 第二部分：画科的流变——从宫廷规范到文人逸格 中国画的历史是一部不断分化、融合与确立主导风格的历史。本部分将聚焦于山水、花鸟、人物三大画科的兴衰与艺术旨趣的转换。 一、山水画的演进：空间、时间与胸襟 唐代：气象的奠基： 分析李思训的青绿山水与王维的水墨渐变，确立了“界画”的规整与“写意”的萌芽。 宋代：科学与哲学的交融： 深入研究范宽的“全景式”雄伟与郭熙的“可游可居”理论，探讨宋人对自然秩序的理性把握。 元代文人画的崛起： 重点剖析“四王”的师承与“以书入画”的实践。探讨倪瓒“逸笔草草，不求形似”的简淡风格背后，是对士大夫政治失意的精神慰藉。 明清的集大成与复古： 考察董其昌的“南北宗”论对后世的影响，以及“四王”对董、巨、关、倪的系统整理，形成学院派的审美定势。 二、花鸟画的生命赞歌：寓物言志 写实到写意： 从黄荃的工整富丽，过渡到徐熙的野逸风格。探讨宋徽宗“格物致知”的院体美学与文人画家对梅兰竹菊“四君子”的象征性偏爱。 笔墨的转折： 阐释八大山人笔下孤傲的意象，以及吴昌石对金石入画的探索，如何使花鸟画从单纯的物象描摹转向强烈的个性化表达。 三、人物画的叙事与教化 魏晋风度的飘逸： 顾恺之“以形写神”的理论基础，以及对魏晋名士精神气质的捕捉。 唐代盛世的描绘： 吴道子“吴带当风”的线条力量，与周昉的仕女画中体现的社会风貌。 士人画中的批判： 探讨李公麟的白描在记录历史事件中的作用，以及人物画在文人画体系中地位的相对下降。 第三部分：收藏、鉴赏与当代语境 本部分将目光从历史深处拉回到当代，探讨如何科学地鉴赏中国画，以及在全球化背景下，中国画所面临的机遇与挑战。 一、鉴赏的维度：真伪的判断与审美的校准 “款识”与“印章”的辨伪： 探讨古代题跋、印鉴的时代特征、刻工与用印习惯，作为辅助判断作品年代和真伪的要素。 “笔墨趣味”的核心标准： 强调鉴赏的关键在于把握画家的“性情”与“功力”的统一，区分其学习古人的“到位”与自我创新的“出新”。 装裱对作品的影响： 分析不同装裱形式（立轴、手卷、册页）如何改变了作品的观看体验和空间关系。 二、现代转型：中西交融与艺术的未来 近现代的革新： 考察徐悲鸿引入素描造型体系对中国画人物画的冲击与重塑，以及林风眠对后印象派色彩的引入。 当代水墨的探索： 分析当代艺术家如何在不放弃传统笔墨语言的前提下，利用现代观念和材料对中国画进行结构性解构与重建。探讨“水墨”与“中国画”的概念边界。 文化自信与国际传播： 讨论中国画如何在全球艺术市场中定位自身价值，以及如何在全球语境下清晰有效地传达其独特的东方哲学内涵。 本书将以严谨的学术态度，结合丰富的图例分析，引导读者穿越数千年的艺术长河，真正领悟中国绘画“以有限的笔墨，表现无限的意境”的伟大魅力。它不仅是艺术爱好者必备的案头参考书，也是艺术史学子深入研究中国美学的专业读本。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读之后，我越来越感觉到，这本书的核心价值在于它打破了西方艺术理论的固有滤镜，以一种非常“中国式”的视角来重新审视我们自己的传统。它挑战了许多被简化了的流行观点，比如将中国画简单地归类为“写意”与“工笔”的二元对立。作者们更倾向于探讨，在“似与不似之间”，如何体现画家对自然秩序的理解和个体生命的投射。这是一种非常高阶的讨论，它要求读者不仅要了解绘画史，还要对中国传统的人文精神有基本的把握。我甚至觉得，这本书更像是一部关于中国知识分子精神世界的侧写，绘画只是他们观察和表达世界的载体。它并非旨在教你如何握笔，而是教你如何“看世界”，如何在你所处的时代背景下，找到一种与古人精神相通的审美立场。读完它，我感觉自己对“国画”这个词汇的理解，已经提升到了一个新的、更具批判性和思辨性的维度。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初拿起这本厚厚的画册时，心里是有些忐忑的，毕竟艺术史的论述往往枯燥乏味，充斥着晦涩的术语。然而，白巍和汤一介这两位作者的笔触却出奇地细腻和富有温度。他们没有沉溺于学院派的僵硬框架，而是像两位引路人，带着我们穿梭于历史的烟云之中。最让我感到震撼的是他们对“留白”这一概念的阐释。在许多人看来，留白不过是画布上的空白，是空间的浪费，但在这本书里，空白被提升到了与墨色同等重要的哲学高度——它是呼吸，是虚空，是无限的可能性。这种对“无”的强调，体现了中国传统美学中“天人合一”的终极追求。我仿佛能从那些精选的印刷品中感受到古人的呼吸，感受到宣纸在他们笔下焕发出的生命力。这种阅读体验是沉浸式的，它不仅仅是知识的输入，更像是一场与古人心灵的深度对话，让人在喧嚣的现代生活中找到一处安顿精神的所在。

评分☆☆☆☆☆

说实话，对于那些期望从中找到大量高清线描图或者彩绘摹本的读者来说，这本书可能要稍微“扫兴”一些。它的重点显然不在于提供一个视觉百科全书式的展示，而在于构建一个严密的理论体系和美学坐标。我体会到，作者们更像是在构建一个解析中国绘画的“方法论”，而不是简单地罗列“作品集”。每一次对具体画作的引用，都紧密服务于他们想要论证的某个核心观点，比如“笔墨当随时代”的内在张力，或者“文人画”如何对抗世俗的审美标准。这种论述方式要求读者必须保持高度的专注力，甚至需要时常停下来，回溯前面的章节，以确保自己没有遗漏任何逻辑链条。对于严肃的艺术研究者来说，这无疑是一座宝库，它提供了批判性思考的工具；但对于只想放松地欣赏几幅山水画的人来说，可能需要做好“啃硬骨头”的心理准备。不过，一旦你适应了这种节奏，你会发现它所带来的认知提升是多么的扎实和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也颇具匠心，作为三联书店（香港）的版本，其纸张的质感和印刷的精度都无可挑剔，这对于讨论“笔墨”的书籍来说至关重要。每一个色块的过渡，每一条墨线的粗细变化，都得到了最大程度的忠实还原。更重要的是，它成功地平衡了学术的严谨性与阅读的流畅性。虽然内容深奥，但章节之间的衔接自然，没有那种生硬的、为堆砌概念而堆砌概念的感觉。它成功地将深奥的中国哲学（比如道家和禅宗思想）巧妙地织入对绘画技巧的剖析中，使得原本抽象的理论变得可感、可知。我个人特别喜欢其中对“意境”的探讨，它不再是一个空泛的赞美词，而是被拆解成了可分析的结构——如何通过线条的疾缓、墨色的浓淡，以及画面的布局来共同营造出一种超越时空的氛围感。这种层层剥开的过程，让人对中国艺术的复杂性肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

这套关于中国绘画的书籍，光是书名就带着一股子哲思的意味，仿佛在邀请我们进入一个关于“似”与“不似”的辩证世界。我记得当初在书店里翻到它的时候，是被它那种沉静而又富有张力的气质所吸引。它不像那些过于通俗的艺术普及读物，上来就罗列画家名录和朝代更迭，而是直接切入到中国艺术精神的核心命题中去。这本书似乎更注重的是一种观念的梳理和内在精神的挖掘，那种笔墨语言背后所蕴含的“气韵生动”的哲学基础，才是作者们真正想探讨的。我尤其欣赏那种将艺术实践与文化思潮紧密结合的叙事方式，它让我意识到，中国画的演变，从来都不是孤立的技法革新，而是整个士人阶层对世界、对自我、对“道”的理解不断深化的外在投射。读完之后，再看那些经典的画作，总觉得能多穿透一层表象，触碰到创作者那一刻的宇宙观。这对于一个想深入理解中国艺术的门外汉来说，无疑是一剂强效的“清醒剂”，它迫使你放下对“像不像”的执念，转而去追寻那种难以言喻的“神似”。