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仲崇鑫 著

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• 绘画技巧
• 素描
• 色彩
• 构图

店铺： 诗书雅韵图书专营店

出版社： 新世界出版社

ISBN：9787510461774

商品编码：29478836483

包装：平装-胶订

出版时间：2017-06-01

基本信息

书名：绘画技法

定价：39.80元

作者：仲崇鑫

出版社：新世界出版社

出版日期：2017-06-01

ISBN：9787510461774

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。

内容提要

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色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。

目录

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作者介绍

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仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。

画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！

文摘

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序言

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《墨韵与光影：解析国画的东方美学》 本书并非一本关于西方传统绘画技法的教程，而是深入探讨中国传统水墨画的独特魅力与哲学意境。它将带领读者穿越时空，追溯水墨画数千年的发展脉络，理解其在东方文化语境中的独特地位。我们不关注油画的色彩叠加、素描的明暗关系，亦不涉及水彩的透明晕染或丙烯的厚重覆盖。本书的核心在于“墨”的运用，以及如何通过墨的浓淡干湿、线条的起伏顿挫，来表现物象的神韵与内在生命力。 第一章：墨的生命——中国水墨的千年传承 中国水墨画，以其独特的笔墨语言，承载了中华民族深邃的思想与情感。本章将从“墨”的本质出发，探讨墨的构成、研磨方式及其在不同时代、不同流派中的变化。我们将追溯从魏晋名士的写意山水，到宋元文人画的诗意表达，再到明清时期各大家族的笔墨风格演变。读者将了解到，墨在中国画中不仅仅是色彩，更是情感的载体，是画家心性的流露。我们不讨论颜料的化学成分，不分析色彩的冷暖对比，而是专注于墨的“五色”——焦、浓、重、淡、清，如何通过笔触的变化，表现出无穷无尽的层次与韵味。 墨的起源与发展： 从古代的漆烟、松烟，到现代的墨錠、墨汁，了解墨的物质基础及其艺术演变。 “五色”墨的奥秘： 深入解析焦、浓、重、淡、清这五种墨色如何通过提、按、顿、挫等笔法，创造出丰富的画面层次。 笔墨的哲学： 探讨“笔借墨，墨助笔”的辩证关系，以及笔墨在表现精神气质方面的作用。 历代名家的墨韵传承： 以顾恺之、王维、董源、巨然、赵孟頫、黄公望、吴镇、倪瓒、沈周、文徵明、唐寅、八大山人、石涛等为例，解析他们独特的用墨之道。 第二章：气的流动——中国水墨的写意精神 “写意”是中国水墨画的核心理念，它并非对形体的精准描摹，而是捕捉物象的神韵与内在的精神。本章将深入解读“写意”二字的含义，以及如何在笔墨间注入“气韵生动”的生命力。我们不教授素描中的比例、透视，不讲解人体解剖学，而是强调画家如何通过对自然万物的细致观察与深刻体悟，将自己的情感与哲学思考融入笔端。读者将了解到，一滴水的飞溅、一叶草的摇曳，在水墨画家的眼中，都蕴含着生命的气息，都可以通过简洁的笔触得到淋漓尽致的表现。 “气韵生动”的东方美学： 剖析谢赫“六法”中的“气韵生动”，理解其在中国画中的至高地位。 意境的营造： 探讨如何通过“虚实相生”、“以形写神”，营造出画面的深远意境与诗情画意。 写意的表现手法： 深入解析“白描”、“没骨”、“破墨”、“积墨”等写意技法，及其在表现不同物象时的独特效果。 “外师造化，中得心源”： 强调画家通过对自然的观察与内心的体悟，才能达到“点石成金”的写意境界。 文人画的写意情怀： 解析竹、兰、梅、菊“四君子”的绘画传统，及其所蕴含的君子品格与人格精神。 第三章：山的魂魄，水的灵魂——山水画的写意之道 山水画是中国水墨画中最具代表性的画种之一，它不仅是对自然景观的描绘，更是画家对宇宙人生感悟的表达。本章将聚焦于山水画，解析其独特的审美特征与表现手法。我们不讨论地质构造、地理测绘，而是探究如何在宣纸上“点染皴擦”，勾勒出山峦的巍峨、流水的灵动、云雾的变幻。读者将了解到，山水画的“山”与“水”，并非简单的自然元素，而是画家心灵的投射，是寄托情怀的载体。 山水的精神象征： 探讨山水在中国哲学中的意义，以及为何它成为文人寄托情怀的重要题材。 “皴法”的演变与运用： 深入解析披麻皴、斧劈皴、解索皴、雨点皴、苔点皴等经典皴法，理解它们如何塑造山石的肌理与质感。 水的表现： 探讨如何用笔墨表现水的形态、动态与气韵，如瀑布的飞流、溪流的潺潺、湖面的静谧。 云雾的处理： 解析“云烟出没”的艺术处理手法，如何营造画面的神秘感与空间感。 点景人物与建筑： 探讨如何在宏大的山水中点缀人物与建筑，以增强画面的故事性与生活气息。 构图的学问： 分析中国山水画独特的构图原则，如“高远”、“深远”、“平远”，以及如何通过“留白”来拓展画面空间。 历代山水名作赏析： 以范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、马远的《山水十二景》、夏圭的《溪山清远图》、董其昌的《关山行旅图》等为例，解析其构图、笔墨与意境。 第四章：鸟语花香，鱼戏莲叶——花鸟画的生机盎然 花鸟画是中国水墨画中充满生活情趣的画种，它以自然界的动植物为描绘对象，展现生命的活力与和谐。本章将带领读者走进花鸟画的世界，理解其如何通过对花、鸟、鱼、虫等细微之处的刻画，传达出生机勃勃的生命气息。我们不进行植物学、动物学的严谨分类，而是关注画家如何捕捉不同花卉的姿态、鸟儿的灵动、鱼儿的游弋，并通过笔墨的巧妙运用，赋予它们独特的生命力。 花鸟画的传统与发展： 从唐宋的花鸟名家，到明清的写意花鸟，梳理其发展脉络。 “工笔”与“写意”的并存： 探讨两种不同风格在花鸟画中的运用与融合。 花卉的姿态与神韵： 解析牡丹的雍容、梅花的清傲、荷花的圣洁、竹子的坚韧，以及画家如何捕捉它们的个性特征。 鸟类的灵动与情态： 探讨如何描绘飞鸟的展翅、栖息、鸣叫，以及不同鸟类所代表的寓意。 鱼虾的动态与意趣： 解析如何表现鱼儿的游动、虾的摆动，以及它们在水中的生动姿态。 “寓意”的表达： 探讨花鸟画中常见的吉祥图案与象征意义，如“年年有余”、“喜上眉梢”。 写意花鸟的笔墨技巧： 深入解析点、线、面的结合，如何表现花瓣的柔软、叶片的舒展、羽毛的细腻。 名家花鸟画品鉴： 以徐渭、陈淳、朱耷、虚谷、齐白石、吴昌硕等为例，赏析其花鸟画的独特风格与艺术成就。 第五章：人物的精气神——中国人物画的灵魂刻画 中国人物画，以人物为主要描绘对象，侧重于表现人物的精神气质与内心世界。本章将探讨中国人物画的独特之处，它并非对人物外貌的机械复制，而是通过对人物神情、姿态、服饰的描绘，来揭示人物的性格、情感与命运。我们不讨论人体比例的精准计算，不研究解剖学的结构，而是聚焦于画家如何通过“以形写神”，捕捉人物的“精气神”。 人物画的历史演变： 从古代壁画、卷轴画，到现代的人物画创作，展现其发展历程。 “写意”人物画的追求： 探讨如何在寥寥数笔中勾勒出人物的性格与神韵。 “传神”的艺术： 深入解析“传神”的艺术内涵，以及如何通过眼神、表情、手势来表现人物的内心活动。 不同题材的人物画： 如历史人物、宗教人物、仕女、隐士、劳动人民等，探讨其各自的艺术特点。 “白描”人物的魅力： 解析白描作为一种重要的表现手法，如何以简洁的线条展现人物的姿态与神韵。 色彩在人物画中的运用： 探讨中国人物画的传统设色观念，以及如何运用色彩来烘托人物的情感与氛围。 名家人物画赏析： 以顾恺之、阎立本、张萱、周昉、李公麟、陈洪绶、任伯年、蒋兆和等为例，解析他们的人物画创作特色。 结语：东方水墨的永恒魅力 本书旨在为读者打开一扇了解中国传统水墨画的窗口，我们没有提供任何关于色彩混合、光影塑造、几何透视的技巧指导，因为这些并非水墨画的核心。水墨画的魅力在于它的“简”，在于它的“韵”，在于它那“笔墨所至，意境无穷”的哲学境界。通过对墨的理解，对“气”的把握，对“意”的追求，读者将逐渐领略到中国水墨画那深邃而隽永的东方美学。这是一种超越形迹的艺术，是一种与自然、与心灵深度对话的艺术，它将在喧嚣的现代社会中，为您带来一份宁静与启迪。

评分☆☆☆☆☆

我是一名热爱数字绘画的爱好者，一直想在数字绘画的色彩运用和笔触表现上有所突破。我特别想知道，数字绘画在模仿传统绘画的质感方面有哪些独到的技巧，比如如何通过笔刷的设置来模拟油画的厚重感，或者水彩的晕染效果。我买这本书，就是希望它能在这方面提供一些实用的指导和案例。然而，这本书的内容让我感到非常意外。它似乎是一本关于基础透视和构图的纸质书，详细讲解了单点透视、双点透视等原理，并且用大量的图例来展示如何绘制建筑和场景。虽然透视学是绘画的基础，但这本书的讲解过于偏重于建筑和几何体，对于如何将这些理论应用到人物或者更自由的画面构图上，显得有些不足。更重要的是，它完全没有涉及到数字绘画的任何工具和技巧。书中的例子都是手绘的，我很难将这些内容直接迁移到我的数位板上。我期待的是一些关于笔刷设置、图层运用，或者色彩混合模式的讲解，但这本书在这方面完全是空白。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对水墨画的意境和写意精神充满向往的学习者，一直希望能通过这本书来学习如何用笔墨去传达中国的传统文化和审美情趣。我期待的是一些关于如何运用墨色的浓淡变化来表现山水的层次感，如何通过线条的粗细、刚柔来勾勒出不同的物象，以及如何通过留白来营造意境的教程。然而，这本书的内容，却让我感到非常困惑。它似乎是一本关于西方现代艺术的介绍，详细讲解了印象派、后印象派、立体派、超现实主义等各种艺术流派的特点和代表人物。书中充满了各种不规则的色块、扭曲的线条，以及充满象征意义的图像。虽然我并不排斥现代艺术，但它与我一直追求的水墨画意境几乎是背道而驰。我试图从中找到一些关于如何打破传统束缚，去探索新的绘画语言的思路，或者一些关于如何运用色彩来表达强烈情感的案例。但书中提供的都是关于西方现代艺术的理论和发展历程，这对我想要学习的水墨画来说，基本上是“风马牛不相及”。

评分☆☆☆☆☆

我一直对卡通和动漫风格的绘画很感兴趣，希望能学习如何绘制出Q版的角色，以及如何运用鲜艳的色彩和夸张的表情来吸引观众。我期待这本书能提供一些关于人物比例、线条勾勒，以及色彩搭配的实用技巧，或者是一些关于如何创造有趣故事情节的指导。然而，这本书的内容，却与我的兴趣点大相径庭。它似乎是一本关于古典油画人物肖像的教程，详细讲解了如何绘制人物的面部结构、身体比例，以及如何通过细致的笔触来刻画人物的肤色和神态。书中提供了很多关于古典肖像画的案例，并且深入剖析了不同时期、不同画家的肖像风格。虽然这些画作具有很高的艺术价值，但我很难从中找到适合我的卡通和动漫风格的借鉴之处。我试图从中找到一些关于如何运用夸张变形来增强画面表现力的技巧，或者如何通过简洁的线条来塑造角色的个性，但书中提供的都是关于如何精确再现人物真实形态的教学，这对我想要绘制的卡通形象来说，帮助很有限。

评分☆☆☆☆☆

我最近对写实风格的风景画很着迷，特别是那些能够捕捉自然光影变化，并且展现出宏大视野的画作。我一直希望能够学习如何用画笔去描绘出山川的壮丽、森林的幽深，以及天空的辽阔。我买这本书，就是希望它能提供一些关于写实风景画的实用技法，比如如何处理远近景的层次感，如何表现不同天气下的光线效果，以及如何用色彩去营造大自然的氛围。然而，这本书的内容，让我感到非常意外。它似乎是一本关于抽象绘画的理论书籍，详细探讨了色彩、线条、形状在画面中的构成关系，以及如何通过非具象的元素来表达情感和观念。书中充满了各种几何图形、色块和抽象的线条组合，并且用了很多哲学化的语言来阐述抽象艺术的意义。虽然我并不排斥抽象艺术，但它与我想要学习的写实风景画完全是两个不同的领域。我试图从中寻找一些关于色彩理论的通用原则，或者构图的普遍法则，但书中提供的都是关于如何打破具象束缚，去创造纯粹的视觉语言的探讨，这对我想要描绘真实的山川景色来说，帮助不大。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，说实话，让我有些摸不着头脑。我买这本书的初衷，是希望能学到一些能够让我的水彩画变得更生动、更有表现力的技巧，比如如何处理水痕，如何让颜色晕染得更自然，如何通过笔触来表达不同的质感。然而，这本书的重点却似乎完全放在了油画的某些特定技法上，比如厚涂法和薄涂法的区别，以及颜料的调和与叠加。它花了大量的篇幅去讲解各种油画颜料的特性，以及如何使用不同的画笔来创造不同的肌理效果。虽然这些信息对于学习油画的人来说可能很有价值，但对于我这个主要画水彩的人来说，基本上是“对牛弹琴”。我试图从中寻找一些可以借鉴的思路，比如关于色彩搭配的原则，或者如何构建画面的层次感。但书中的例子和讲解都集中在油画的语境下，很多技巧是无法直接迁移到水彩中的。比如，书中讲到如何用刮刀来处理颜料，这在水彩里是完全不可能实现的。我觉得这本书的内容更适合油画初学者，或者对油画材料有深入研究兴趣的人，但对于其他画种的学习者来说，它的实用性就大打折扣了，甚至会产生误导。

评分☆☆☆☆☆

我一直对国画的山水画法很感兴趣，尤其是那些能够勾勒出云雾缭绕、气势磅礴的山峦的技巧。我一直觉得，国画的意境和韵味是很多西方绘画技法难以企及的。所以，当我看到《绘画技法》这本书时，我满怀期待地认为它会介绍一些关于皴法、点法、染法的细腻之处，或者如何通过墨色的浓淡变化来表现山石的质感。然而，这本书的内容让我大失所望。它更像是西方古典绘画的入门教程，详细讲解了透视原理、解剖学基础，以及各种明暗交界线和反光的处理。书中提供了很多关于人物和静物的写实绘画的案例，但这些案例和我的学习方向几乎没有任何关联。我花了很长时间去理解书中关于素描的讲解，希望从中找到一些通用的绘画基础理论。但即使是素描，它也更多地强调了形体的准确和光影的写实，而我更希望了解如何用写意的手法来表达精神。这本书的内容，虽然也很“技法”，但完全不是我想要的“技法”，它就像一本详细的菜谱，但我想要的是中餐的烹饪精髓。

评分☆☆☆☆☆

我原本是想通过这本书来学习如何在绘画中更好地表现人物的情绪和性格，特别是眼神的刻画和面部表情的细微变化。我一直觉得，人物的灵魂体现在细节之中，而眼神和表情就是最直接的沟通方式。我希望这本书能提供一些关于如何通过笔触和色彩来传达情感的技巧，或者是一些关于如何刻画人物内心世界的解析。然而，这本书的内容，却完全偏离了我的期待。它似乎是一本关于静物绘画的指南，详细介绍了如何摆放物体、如何选择光源，以及如何运用不同的绘画材料来表现物体的质感。书中提供了很多关于水果、花卉、器皿的绘画案例，并且详细讲解了如何捕捉它们的色彩、光泽和纹理。虽然这些案例的绘画技巧很扎实，画面也很精美，但它与人物的情感表达几乎没有关联。我试图从中寻找一些关于色彩情感的普遍规律，或者如何通过画面布局来烘托气氛的思路，但书中提供的都是关于如何精确复制眼前物体的技巧，这对我想要表达的人物情感来说，帮助甚微。

评分☆☆☆☆☆

我最近对速写和素描的基础训练非常感兴趣，希望能通过这本书学习如何更快速、更准确地捕捉对象的形态和动态，并且提升画面整体的概括能力。我一直觉得，扎实的素描基础是所有绘画的根基，而速写则是训练这种能力最有效的方式。我满心期待地翻开这本书，希望能看到一些关于不同速写技法的介绍，比如线条的运用、明暗的处理，以及如何在短时间内抓住对象的特征。然而，这本书的内容，似乎更专注于古典油画中对人体结构的精确描绘。它花了大量的篇幅去讲解肌肉纹理、骨骼结构，以及如何通过光影来塑造人体的体积感。书中提供了非常详细的人体解剖图，以及各种角度下的人体姿态分析。虽然这些内容对于学习古典写实绘画来说非常重要，但对于我这个更侧重于速写和表现性素描的学习者来说，显得过于学术和理论化了。我想要的是那种能够快速勾勒出动态和神韵的线条，而不是精确到每一块肌肉的描绘。

评分☆☆☆☆☆

我原本是想通过这本书来学习如何更有效地进行插画创作，特别是那种色彩鲜艳、富有想象力的风格。我期待的是一些关于角色设计、场景构图，以及如何运用色彩来营造氛围的技巧。这本书的内容，却给了我一个完全不同的方向。它花了很多篇幅来讲解版画的制作过程，包括木刻、铜版画、丝网版画等等。书中详细介绍了各种版画的工具、材料，以及具体的雕刻和印刷步骤。我虽然对版画有一定的好奇，但它并不是我目前主要的学习方向。我试图从中找到一些可以借鉴的色彩搭配原则，或者画面元素的组合方式。但是，版画的特性决定了它的色彩表现和构图方式与我所追求的插画风格有着本质的区别。比如，版画的色彩往往是有限的，而且印刷效果也会对最终画面产生影响。这本书更像是一本关于版画工艺的百科全书，它非常详实地介绍了各种版画的制作流程，但对于如何将这些技巧应用到我的插画创作中，它几乎没有提供任何指导。

评分☆☆☆☆☆

我最近刚入手一本叫《绘画技法》的书，本来想着能快速提升一下自己的绘画水平，尤其是对色彩的运用和光影的处理。但说实话，翻了几页后，我发现这本书的侧重点似乎完全不在我最期待的那些方面。它更多的是在讲一些非常基础的素描构图原则，像是三分法、黄金分割之类的，还有一些关于透视的讲解，虽然这些也很重要，但对我来说，现在迫切需要的是更进阶的色彩理论和技法，比如如何调出更丰富微妙的色彩，如何运用冷暖对比来增强画面的空间感和情绪。这本书对这些部分几乎是略过，或者说是点到为止，没有深入展开，也没有提供具体的练习方法和案例分析。我期待的是能看到一些大师是如何处理色彩的，或者是一些不同材质的绘画语言的探讨，但这本书似乎更偏向于“为什么”而不是“怎么做”，它的理论阐述也比较抽象，有时候读起来感觉云里雾里，没有太多实际操作的指导意义。总的来说，对于想要快速掌握色彩和光影的读者来说，这本书可能不是最直接的选择，它更像是一本理论基础的入门指南，但对于我这个急于求成的学习者来说，它提供的“养分”还有些不够“肥沃”。