西方音乐史与名作欣赏普修教程凌宪初上海音乐学院出版社正版9787806924457 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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凌宪初 著

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924457

商品编码：29859845466

页数：244

图书基本信息
书名：	西方音乐史与名作欣赏普修教程
丛书名：	"十二五"普通高等教育本科规划教材
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806924457
出版年份：	2014年1月1日

版次：	第1版
总页数：	244页
开本：	1/16
图书定价：	45元
实际重量：	458g
新旧程度：	正版全新

编辑《"十二五"普通高等教育本科 规划教材:西方音乐史与名作欣赏普修教程》由上海音乐出版社出版。

讲绪论 一、西方文化中的音乐史 二、西方音乐文化的特征 三、西方音乐史在中国的研究史 四、西方音乐欣赏的方法与途径 第二讲章古希腊、中世纪与文艺复兴时期（前4世纪～16世纪） 起点的意义：占希腊、古罗马音乐 一、古希腊音乐文化 二、古罗马音乐文化 第三讲秩序与自由：中世纪音乐文化 一、中世纪宗教音乐 二、中世纪世俗音乐 三、14世纪法国、意大利的“新艺术” 第四讲人文初见：文艺复兴时期音乐文化 一、文艺复兴时期的音乐创作 二、16世纪的宗教改革音乐 三、16世纪意大利威尼斯乐派 四、16世纪的世俗声乐与器乐 第五讲第二章巴洛克时期（1600—1750） 魅力之声：巴洛克时期声乐艺术 一、巴洛克歌剧 二、其他大型声乐体裁 第六讲崭露头角：巴洛克时期器乐艺术 一、巴洛克时期的协奏曲 二、巴洛克时期的键盘艺术 第七讲承前启后：巴洛克音乐大师（一）J.S.巴赫 一、创作 二、创作特点及其历史影响 第八讲承前启后：巴洛克爵乐大帅（二）亨德尔 一、生平 二、创作 三、创作特点及其历史影响 第九讲第三章古典主义时期（1750—1820） 时代的拐点：前古典主义时期音乐文化 一、前古典主义时期的歌剧 二、前古典主义时期的器乐体裁 第十讲交响乐之父：海顿 一、生平 二、创作 第十一讲上天的礼物：莫扎特 一、生平 二、创作 三、创作特点及其历史影响 第十二讲音乐巨人：贝多芬（一） 一、生平及创作分期 二、器乐创作 第十三讲音乐巨人：贝多芬（二） 三、声乐作品 第十四讲第四章浪漫主义时期（1820—1900） 乘着歌声的翅膀：浪漫主义时期德奥艺术歌曲 德奥作曲家的艺术歌曲创作 第十五讲音乐瞬问：浪漫主义时期钢琴音乐 一、舒伯特 二、门德尔松 三、舒曼 四、肖邦 五、李斯特 第十六讲绘声绘影：浪漫t义时期标题交响曲与音乐会序曲 一、标题交响曲 二、音乐会序曲 第十七讲音乐的沉思：浪漫主义时期交响诗、交响音画、音诗 一、交响诗 二、交响音画 三、音诗 第十八讲理智与情感：浪漫主义时期交响曲 一、勃拉姆斯 二、柴科夫斯基 三、德沃夏克 第十九讲音乐巨塔：浪漫丰义时期大型管弦乐与管弦乐组曲 一、大型管弦乐与马勒 二、管弦乐组曲 第二十讲力量与激情：浪漫主义时期协奏曲 一、门德尔松 二、肖邦 三、德沃夏克 四、柴科夫斯基 五、拉赫玛尼诺夫 第二十一讲春之声：浪漫丰义时期舞曲与进行曲 一、圆舞曲 二、波尔卡 三、进行曲 第二十二讲浪漫：浪漫主义时期德剧 一、韦伯 二、瓦格纳 三、理查·施特劳斯 第二十三洪法兰西魅影：浪漫主义时期法剧 一、大歌剧 二、喜歌剧 三、谐歌剧 四、抒情歌剧 第二十四讲今夜无人人睡：浪漫主义时期意大利歌剧 一、罗西尼 二、威尔第 三、“真实主义”歌剧 四、普契尼 第二十五讲足尖上的梦幻：浪漫主义时期舞剧艺术 一、芭蕾舞剧 二、柴科夫斯基的舞剧创作 三、德利布 第二十六讲光与影：印象主义音乐 一、印象主义音乐 二、德彪西 三、拉威尔 第二十七讲第五章现代与后现代艺术时期（1880～至今） 信仰与挑战：20世纪初现代主义音乐 一、表现主义音乐 二、新古典主义音乐 第二十八讲时代音迹：20世纪新民族主义和前苏联音乐 一、新民族主义音乐 二、前苏联管弦乐创作 第二十九讲绚丽多姿：现代歌剧与清唱剧，康塔塔 一、20世纪上半叶歌剧 二、20世纪上半叶的清唱剧、康塔塔 第三十讲分化与融合：现代舞剧与音乐剧 一、20世纪上半叶现代舞剧 二、20世纪上半叶音乐剧 第三十一讲民众之声：流行音乐与影视音乐 一、20世纪上半叶流行音乐 二、20世纪上半叶影视音乐 第三十二讲大路朝天：后现代主交音乐 一、序列音乐 二、偶然音乐（机遇音乐） 三、电子音乐 四、新音色音乐 主要参考文献 配套MP3目录 进一步阅读书目

《"十二五"普通高等教育本科 规划教材:西方音乐史与名作欣赏普修教程》内容有古希腊、中世纪与文艺复兴时期（前4世纪～16世纪）、巴洛克时期（1600—1750）、古典主义时期（1750—1820）、音乐的沉思：浪漫主义时期交响诗、交响音画、音诗、浪漫：浪漫主义时期德剧等。

西方音乐史与名作欣赏：一场穿越时空的音乐之旅 引言：探索西方古典音乐的辉煌殿堂 人类文明的长河中，音乐无疑是最能触动灵魂的艺术形式之一。西方古典音乐，历经数百年沉淀与发展，形成了一套宏大而精深的体系，其作品不仅是时代精神的反映，更是人类情感与智慧的结晶。本书旨在带领读者系统地、深入地领略西方音乐的恢弘历史脉络，并精选各个时期最具代表性的名作进行细致的鉴赏与解读，构建一座连接过去与现在的音乐桥梁。我们相信，理解音乐的背景、结构与内涵，是真正走进音乐、感受其魅力的不二法门。 第一部分：历史的奠基——从早期音乐到巴洛克辉煌 本书的开篇将从西方音乐的源头——中世纪（约公元500年至1400年）——说起。我们将探讨宗教音乐在早期发展中的核心地位，重点分析单音音乐（如格里高利圣咏）的特征、记谱法的演变，以及奥尔加农等复调音乐的雏形。这一时期的音乐，虽然质朴，却为后世的复杂和声奠定了坚实的基础。 接着，我们将步入文艺复兴时期（约1400年至1600年）。这是一个“以人为本”的时代，音乐开始摆脱纯粹的宗教束缚，世俗音乐蓬勃发展。我们将深入研究奥兰多·德·拉索、帕莱斯特里那等大师的作品，解析精致的复调技巧，如模仿手法和卡农的运用。同时，牧歌、香颂等世俗体裁的兴起，标志着音乐语言的极大丰富。 随后，我们将进入绚烂的巴洛克时期（约1600年至1750年）。这是一个充满戏剧性、装饰性和强烈情感表达的时代。我们将详细阐述“巴洛克精神”的体现，重点剖析歌剧的诞生与发展，如蒙特威尔第的创新。协奏曲、奏鸣曲、赋格等重要的器乐体裁在这一时期确立了其基本结构。尤其值得一提的是，我们将用专门的篇幅聚焦两位巨人：巴赫与亨德尔。巴赫的对位法集大成，其《平均律钢琴曲集》和大型声乐作品是理解西方音乐结构逻辑的必修课；亨德尔则以其宏大的清唱剧（如《弥赛亚》）展现了无与伦比的戏剧张力与宗教情怀。 第二部分：古典主义的理性与和谐 跨越巴洛克时期的繁复，音乐进入了追求清晰、平衡与典雅的古典主义时期（约1750年至1820年）。这一时期的音乐美学强调“自然”与“清晰的逻辑”。我们将探讨奏鸣曲式这一古典时期最重要的结构形式，分析其呈示部、再现部与呈示部的内在矛盾与解决。 维也纳古典乐派的“三杰”——海顿、莫扎特和贝多芬——是本部分的核心。海顿被誉为“交响曲之父”，其作品中展现的幽默感与结构创新将得到细致考察。莫扎特则以其无与伦比的旋律天赋和完美的音乐形式感著称，我们将分析他的歌剧（如《费加罗的婚礼》）如何将喜剧性、人性深度与音乐结构完美结合。 而贝多芬的出现，则标志着古典主义向浪漫主义的过渡。他继承了古典的严谨，却注入了前所未有的个人情感与英雄主义精神。他的九部交响曲，尤其是第三、五、九号，被视为人类精神探索的里程碑，本书将逐一分析这些作品在结构创新和情感表达上的革命性意义。 第三部分：浪漫主义的激情与幻想 浪漫主义时期（约1820年至1900年）是西方音乐史上情感表达最为奔放的阶段。作曲家们将个人主观感受、文学想象、自然崇拜和民族情怀融入创作。 我们将首先关注早期浪漫主义的代表人物，如舒伯特（艺术歌曲的集大成者）、肖邦（钢琴音乐的诗人）和舒曼（“音乐的文学家”）。他们的作品细腻入微，充满了对逝去美好或无法企及理想的眷恋。 随后，进入中期浪漫主义，音乐体裁进一步拓展。标题音乐（如柏辽兹的《幻想交响曲》、李斯特的交响诗）的兴起，使得音乐叙事能力空前增强。瓦格纳的“整体艺术作品”理念及其在歌剧领域的革命性变革——主导动机的运用和调性的拓展——将是重点分析对象。勃拉姆斯的“纯粹音乐”继承传统，与李斯特、瓦格纳的“新德意志乐派”形成对比，展现了浪漫主义内部的多样性。 在民族乐派方面，我们将考察俄国五人组、德沃夏克和格里格等如何将本土民间音乐元素融入主流音乐体系，为西方音乐注入了多元的色彩。 第四部分：二十世纪的探索与多元 二十世纪的音乐舞台呈现出空前的多样性和实验性。传统调性体系的瓦解，带来了音乐语言的巨大变革。 印象主义（德彪西、拉威尔）以其模糊的色彩和对乐器音色的精妙处理，营造出梦幻般的听觉体验。而紧随其后的表现主义（勋伯格、贝尔格）则走向了内心的极度焦虑与痛苦，十二音体系的诞生，是音乐结构一次彻底的重构。 野性而原始的斯特拉文斯基（《春之祭》）代表了新古典主义的崛起，以及对原始节奏的重新发掘。二战后，音乐进入了更加前卫的探索阶段，如序列音乐（巴比特）、偶然音乐（凯奇）和电子音乐的出现，这些流派挑战了听众对“什么是音乐”的传统认知。 最后，本书将简要回顾当代音乐的趋势，包括极简主义（赖利、菲利普·格拉斯）对时间感的颠覆，以及不同文化背景下的音乐融合，展现西方音乐如何持续呼吸与演变。 结语：在聆听中获得超越 本书不仅是一部知识的梳理，更是一份邀请函——邀请读者亲自走进音乐厅、拿起唱片，去聆听这些伟大的作品。历史的脉络清晰可见，但音乐的魅力最终在于个体与作品精神的直接对话。通过对结构、和声、配器及时代背景的理解，我们得以超越旋律表象，直抵作曲家所要传达的永恒主题。学习西方音乐史，就是学习一种理解人类情感、历史变迁和形式美学的独特途径。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书是带着一定的功利目的——准备一个重要的音乐鉴赏考试。一开始我担心内容会过于艰涩，难以消化。但事实证明，这本书的结构设计极其合理，逻辑链条清晰得令人赞叹。它没有采用那种时间轴式的平铺直叙，而是通过主题、风格和重要流派的对比来组织材料，这极大地减轻了记忆负担。我发现，相比于死记硬背，这本书更注重培养读者的“耳朵”——如何去听、去分辨不同时期的织体、配器和动机处理上的细微差别。书里提供的许多“聆听指南”特别实用，它们像是一把把精准的钥匙，帮助我打开了过去难以理解的作品的内核。比如，在讲解勋伯格十二音体系时，作者的阐述方式非常巧妙，避免了陷入过度的数学化描述，而是聚焦于其内在的美学追求，这对我后来的乐曲分析帮助巨大。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“教程”类的书籍通常抱持着审慎的态度，总觉得它们要么过于学院派、枯燥乏味，要么就是流于表面、泛泛而谈。然而，这本关于西方音乐史的著作完全颠覆了我的固有印象。它的叙事方式极其生动，仿佛作者是一位技艺高超的导游，带着我们穿梭于不同的音乐时代。我尤其欣赏它对作品背景的挖掘，比如某部交响曲诞生的社会思潮、作曲家当时的心境，这些“花边”的补充，让冰冷的音符瞬间充满了人情味和历史的厚重感。例如，书中对德彪西印象派色彩的解析，绝非简单的音阶和和弦堆砌，而是结合了当时绘画和诗歌的审美取向，这种跨学科的视野让我对“美”有了更立体的认知。阅读过程中，我经常会暂停下来，去寻找那些被提及的乐曲片段聆听，每一次回放都像是与历史进行了一次深刻的对话，感受着音乐是如何与人类文明同步演进的。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本大部头，我第一反应是它“分量十足”，无论是从实体重量还是知识密度上来看，都体现了出版方的专业和用心。与其他同类书籍相比，这本书最大的亮点在于其对“名作欣赏”的独到见解。它并非简单地罗列名作名称和作者生卒年月，而是深入剖析了这些作品在当时的历史语境下，是如何“颠覆”或“继承”前人传统的。我最欣赏的是，作者对不同版本或不同演奏风格的比较，虽然篇幅有限，但每一处的点拨都极具启发性，促使读者去探索更多元的演绎版本。这本书的价值在于，它提供的知识框架能让你在接触任何一部西方古典作品时，都能迅速定位其历史坐标，并对其中蕴含的艺术野心有所预判。它成功地架起了一座从历史知识到个体审美体验之间的桥梁，让“欣赏”不再是盲目的感动，而是建立在深刻理解之上的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

我是一个痴迷于古典音乐，但出身非科班的乐迷，通常在听音乐会时，听到一些术语就会感到力不从心，比如“奏鸣曲式”、“赋格”、“回旋曲式”等。这本书的出现，彻底弥补了我的知识短板。它的可读性极强，语言流畅，即便是最复杂的音乐结构理论，作者也能用日常的、充满画面感的语言来描述。我甚至会把它当作睡前读物来翻阅，而不是当作一本严肃的教科书。其中对某位作曲家晚年风格转变的描述，简直像是一部精彩的传记，让人不禁为之动容。我特别喜欢它在介绍特定乐器法和配器法时，那种近乎于痴迷的细节描述，让人仿佛亲眼目睹了作曲家是如何运用手中所有工具来描绘世界的。这种深入骨髓的讲解，让我对“欣赏”二字的理解提升到了一个新的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的乐谱集简直是音乐爱好者的宝藏！我拿到手的时候就被它精美的装帧和清晰的排版所吸引。书里的选曲跨度非常广，从巴洛克时期的宏伟到浪漫主义的深情，再到近现代的先锋探索，几乎涵盖了西方音乐史的各个重要阶段。尤其是那些乐理分析部分，讲解得深入浅出，即便是像我这种业余爱好者，也能从中窥见作曲家们天才的构思和严谨的逻辑。我记得有一次为了攻克一首巴赫的赋格，我反复对照书中的和声进行图解，终于茅塞顿开，那种醍醐灌顶的感觉妙不可言。这本书不仅仅是教材，更像是一位耐心的导师，引导着我们一步步走进音乐的殿堂，品味那些穿越时空的旋律所蕴含的深厚人文精神。对于想要系统提升音乐素养，又不满足于浅尝辄止的读者来说，这本书绝对是案头必备的典籍。