中国民间音乐概述修订版肖常纬西南师范大学出版社音乐考研9787562121619 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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肖常纬 著

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• 中国民间音乐
• 民间音乐学
• 音乐学
• 音乐文化
• 民族音乐
• 肖常纬
• 西南师范大学出版社
• 音乐考研
• 9787562121619
• 音乐史

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562121619

商品编码：29859847258

页数：357

图书基本信息
书名：	中国民间音乐概述修订版
丛书名：	21世界全国高师音乐系列教材
作者/主编：	肖常纬
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562121619
出版年份：	2011年4月

版次：	第3版
总页数：	357页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	640 g
新旧程度：	正版全新

《中国民间音乐概述(修订版)》分民间歌曲、民间歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐、民间器乐五大类。本教材以高等师范院校音乐学生为对象，以普及民族音乐基本知识为主，兼及部分民族音乐理论，即以“述”为，“论”较少；以期能激发学生对民族音乐的兴趣，并将之运用于表演、创和和教学实践。

绪言第*章 民歌第*节 概述一、民歌的起源二、汉族民歌历史发展概况三、民歌与人民生活的关系四、民歌的价值五、民歌的艺术特点六、民歌的分类第二节 汉族民歌的体裁一、劳动号子二、山歌三、小调第三节 少数民族民歌一、概况二、若干少数民族民歌简介三、少数民族多声部民歌 第二章 民间舞蹈音乐第*节 概述一、民间舞蹈与民间舞蹈音乐二、民间舞蹈艺术的历史发展概况三、民间舞蹈音乐和其他民间音乐体裁的关系四、民间舞蹈音乐的文化特征第二节 民间舞蹈音乐的类别一、声乐类舞蹈音乐二、器乐类舞蹈音乐三、综合类舞蹈音乐第三节 民间舞蹈音乐的音乐特征一、声乐部分二、器乐部分 第三章 说唱音乐第*节 概述一、说唱艺术和说唱音乐二、说唱音乐的艺术特征三、说唱音乐与民歌、戏曲的关系四、说唱艺术的历史发展概况五、说唱音乐的类别第二节 说唱音乐的类别一、鼓词类二、弹词类三、道情类(又称渔鼓道情类)四、牌子曲类、杂曲类五、琴书类六、走唱类七、板诵类第三节 说唱音乐的音乐特征一、音乐在说唱音乐中的作用二、说唱音乐的组成部分及其特征 第四章 戏曲音乐第*节 概述一、中国戏曲艺术发展概况二、色彩纷呈的戏曲剧种三、戏曲艺术的主要特点第二节 主要声腔及其代表剧种一、昆腔二、高腔三、梆子腔四、皮黄腔第三节 其他地方剧种一、越剧二、评剧三、黄梅戏四、湖南花鼓戏第四节 戏曲音乐的音乐特征一、戏曲音乐的组成二、戏曲音乐的唱腔结构 第五章 民族器乐第*节 概述一、民族乐器的产生与发展二、民族器乐发展概况第二节 民族乐器及独奏乐曲一、吹管乐器二、拉弦乐器三、弹弦乐器四、打击乐器第三节 传统乐种和民族管弦乐合奏一、传统乐种二、民族管弦乐合奏第四节 民族器乐的音乐特征一、传统民族器乐曲的类型二、传统民族器乐曲的标题三、传统民族器乐曲的曲式结构

20世纪50年代初我国高等师范院校音乐教学体系和高等音乐院校一样，是按西洋模式建立的。所设课程以西洋作曲理论、钢琴、声乐为主。在“音乐民族化”的呼声中，虽也曾开设二胡等民族乐器课作为“点缀”，实质上民族音乐在高师音乐系教学体系中是没有份额的。50年代中期，高等音乐教育改革以及音乐民族化的呼声渐高。沈阳音乐学院（原“鲁迅艺术学院”）民族音乐理论课程的开设，引起广泛的重视和仿效。1960年中国音乐研究所以极大魄力举办了“民族音乐研究班”，集中了全国各地60多位民族音乐学者、教师，在杨荫浏等老专家的带领下，历时一年，编写了《民族音乐概论》，该书于1964年正式出版，是我国高等音乐院校第*本民族音乐理论教材，奠定了民族音乐在高等音乐教育中的地位。同时“研究班”也培养了一批民族音乐师资。  

西方音乐史纲：从古希腊到20世纪 本书旨在为音乐学、音乐教育学以及对西方音乐发展脉络感兴趣的读者，提供一部全面而深入的音乐史综述。我们立足于宏大的历史视野，细致梳理了西方音乐自古希腊文明萌芽至20世纪末的演变历程，力求在知识的广度与深度的平衡中，展现西方音乐美学观念、风格流派、技术革新以及社会文化背景的相互作用。 第一部分：古典时代的奠基与中世纪的信仰之声（约公元前5世纪—1400年） 本部分首先追溯西方音乐的源头，探讨古希腊的“慕西克”（Mousikē）概念及其在哲学、数学、伦理学中的地位，重点解析毕达哥拉斯音律学说和古希腊悲剧音乐的残留片段，理解早期音乐理论的构建基础。 随后，我们将进入中世纪的漫长历史时期。重点关注早期基督教音乐的形成，特别是格里高利圣咏的规范化过程。详细分析单音音乐的结构特征、调式系统（八调式）以及记谱法（纽姆记谱法）的演变，揭示音乐如何服务于宗教礼仪，成为教会权威的载体。 中世纪的后半段，叙事性与世俗性开始抬头。我们将深入研究早期复调音乐的起源，从“奥尔加农”（Organum）的平行式发展，过渡到12、13世纪巴黎圣母院乐派的精妙对位（如列奥宁和佩罗坦的作品），探讨节奏的符号化和早期和声概念的萌芽。同时，不忽视法国游吟诗人（Trouvères）和德意志吟游歌者（Minnesänger）对世俗歌曲和叙事音乐的贡献，为后世的歌剧和艺术歌曲奠定基础。 第二部分：文艺复兴的“人文之光”与巴洛克的辉煌（约1400年—1750年） 文艺复兴时期标志着对人本身价值的重新肯定，音乐开始从单纯的神圣服务者转向表达人类情感的媒介。本章详细考察佛兰德学派（如雅各布斯·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）对人声复调技巧的精湛运用，特别是模仿手法和均衡结构的构建。重点分析弥撒曲和经文歌的风格演变。 世俗音乐的复兴同样重要，包括法国香颂、意大利假面舞曲的欢快风格，以及牧歌（Madrigal）对文字与音乐紧密结合的追求。随着印刷术的普及，音乐的传播范围空前扩大。 进入巴洛克时代，音乐语言发生了革命性的变化。本部分详尽解析“巴洛克风格”的核心特征：力度对比、装饰技巧、情感的戏剧性表达，以及最重要的——数字低音（Basso Continuo）的出现，它成为整个时期音乐织体的骨架。我们将系统梳理歌剧的诞生（弗洛伦齐亚的尝试到蒙特威尔第的成熟），对早期歌剧体裁（咏叹调与宣叙调）的区分进行剖析。 巴洛克中期，器乐的地位显著提升。协奏曲（尤其是维瓦尔第的协奏曲结构）、奏鸣曲（如Corelli）以及赋格曲的成熟（巴赫的集大成），成为理解这一时期音乐技术的关键。最后，我们将以巴赫和亨德尔的创作高峰为标志，总结巴洛克音乐的对位艺术、调性体系的确立，以及宏大清唱剧的社会影响。 第三部分：古典主义的清晰与浪漫主义的激情（约1750年—1900年） 古典主义时期，音乐追求“自然”、“平衡”与“清晰”的理想，这一时期的风格转变，与启蒙运动的思潮密不可分。本章着重分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构精化，以及奏鸣曲、四重奏、交响曲这三大器乐体裁的规范化。维也纳古典乐派三杰——海顿（“交响曲之父”）、莫扎特（歌剧与协奏曲的完美结合）和贝多芬（从古典向浪漫的桥梁性人物）——的创作特色与贡献将得到细致的描绘。 浪漫主义是个人情感的狂欢。本部分探讨音乐如何从为贵族服务转变为面向中产阶级的艺术，作曲家追求极致的个人表达和对异域、神秘、大自然的向往。重点分析艺术歌曲（Lied）的发展（舒伯特、舒曼）、标题音乐（如柏辽兹的《幻想交响曲》）、民族乐派的兴起（如德沃夏克、斯美塔那对民间音乐元素的运用），以及钢琴技巧的空前发展（肖邦、李斯特）。 晚期浪漫主义，音乐结构趋向宏大化与复杂化。瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念、主导动机的运用，以及德彪西为代表的印象主义对传统和声的挑战，为20世纪的音乐革命埋下了伏笔。 第四部分：20世纪的多元探索与风格的碎片化（约1900年至今） 20世纪是西方音乐史上最动荡、最多元的时期。本章将概述现代音乐发展的基本趋势：对传统调性体系的瓦解。详细介绍印象主义（德彪西、拉威尔）对音色和氛围的探索，以及表现主义（荀伯格）的无调性尝试，特别是十二音体系（Dodecaphony）的诞生与影响。 两次世界大战期间，作曲家们开始在不同方向上寻求出路：新古典主义（斯特拉文斯基）对前古典语汇的回归；对民间音乐的进一步挖掘和运用；以及序列主义的深入发展。 战后，音乐进入了更激进的探索期，包括点描音乐、电子音乐的兴起，以及对偶然性音乐（约翰·凯奇）的哲学思考。最后，本书将简要回顾极简主义、拼贴艺术等后现代思潮在音乐领域中的体现，为读者理解当代音乐的多样性提供理论框架。 总结与展望 全书最终将回归到音乐史研究的方法论讨论，探讨技术进步、社会变迁与审美取向之间的复杂关系，旨在引导读者不仅是“听”音乐，更是“理解”音乐在特定历史语境下的意义与价值。本书的结构力求逻辑清晰，内容详实，辅以必要的音乐术语解释和曲目分析，确保读者能够系统地掌握西方音乐的整体面貌。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，我第一个感觉就是“内容太充实了，我得慢慢消化”。你知道吗，我平时工作很忙，业余时间想找点能真正沉下心去读的东西不容易。很多工具书，读着读着就容易走神，因为它总是试图用一种宏大的叙事框架来覆盖一切，结果就是细节丢失，只剩下一个骨架。但这本书完全不是这样，它仿佛自带一种“慢镜头”的魔力，让你不得不放慢脚步。我记得我对着其中关于某些少数民族歌舞仪式的章节研究了整整一个下午。作者没有简单地用音乐学的术语去解构那些复杂的节奏和调式，而是很贴心地用大量的田野调查实例来佐证，让人能真切地感受到那种仪式感和集体记忆的重量。比如描述某一特定场合下的“酒歌”，它不仅仅是音符的排列，更是社会伦理和人际关系的体现。阅读过程中，我经常需要停下来，在脑海中构思那样的场景：在昏黄的灯光下，围着篝火，人们是如何随着那古老的旋律起舞、吟唱的。这种沉浸式的体验，是单纯听录音或者看图片资料所无法比拟的。它成功地架起了一座桥梁，让现代都市的读者能够跨越时空的界限，与那些遥远的、鲜活的民间艺术进行对话。这本书的价值，就在于它让我们记住了“音乐是人发出的声音，它服务于生活”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范。它清晰地划分了地域板块和体裁分类，这种结构清晰度对于初学者极其友好。我之前翻阅过一些更早期的民间音乐资料，结构上常常是东拉西扯，一会儿是地域，一会儿又是乐器，让人抓不住重点。而这部修订版，则显得井井有条。它似乎遵循着一种从宏观到微观的递进路线：先建立起对中国音乐地理和历史脉络的基本认知，然后才深入到具体的民歌、戏曲、器乐等分支的细致分析。这种由表及里的构建方式，极大地降低了理解门槛。更重要的是，它并非拘泥于单一的“汉族中心”视角，而是将大量笔墨放在了丰富多彩的少数民族音乐上，展现了中国音乐图景的广阔与多元。通过对比不同民族音乐的调性系统、记谱方式（虽然民间音乐记谱本身就是一大难题），读者可以清晰地看到文化交流与地域隔离共同塑造了今日中国音乐的复杂面貌。这种宏大叙事与微观案例相结合的叙事策略，让这本书既能满足严肃学者的参考需求，也能让普通爱好者建立起一个扎实的知识框架。

评分☆☆☆☆☆

我关注到，这本书在引用和注释方面做得非常严谨，这对于任何严肃的学术参考书都是生命线。作为一名业余爱好者，我经常会因为一个特殊的乐器名称或一个罕见的歌词出处而感到好奇。这本书在这方面给出了非常详实的支撑。它不是那种只言片语地提到一个概念，然后就戛然而止的“断头”式描述，而是能提供追溯的线索。比如，它在讨论某种地方小调的起源时，往往会提及早期的采集者和出版物，这为我们进一步深入研究提供了宝贵的“导航图”。这种对细节的尊重和对历史文献的认真梳理，体现了作者及出版社对待学术的严肃态度。在如今这个信息爆炸、真假难辨的时代，一本能提供坚实可靠信息来源的书显得尤为珍贵。它不仅仅是一本“读完就放下的书”，更是一本需要经常翻阅、对照和学习的“工具书”。它的修订版在保持核心价值的同时，想必也更新了最新的研究成果和文献索引，这种持续迭代的精神，正是民间音乐研究这种“活的学科”所需要的。总之，这是一次非常令人满意的阅读体验，它拓宽了我的视野，也深化了我的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国民间音乐概述修订版》简直是为我们这些对传统文化情有独钟的“老古董”量身定制的宝典！我初拿到手的时候，就被它厚重的分量和扎实的文字功底给震慑住了。说实话，现在市面上很多音乐史类的书籍，要么过于学术化，读起来晦涩难懂，像在啃一本枯燥的字典；要么就是泛泛而谈，蜻蜓点水，抓不住民间音乐那种最朴素、最真实的神韵。但这本书的作者，肖常纬先生，显然是下了大功夫的。他不仅仅是在罗列史实和曲谱，更像是在一位经验丰富的老者带领下，徒步走访了祖国的大江南北，将那些深藏于乡野阡陌间的旋律，用细腻的笔触一一描摹出来。尤其让我印象深刻的是，他对不同地域音乐风格的划分和比较，那种洞察力简直是穿透人心的。比如，他分析巴蜀地区音乐的婉约与豪放并存，与当地的地理环境和生活习俗有着千丝万缕的联系，绝不是简单的“A地听起来像A，B地听起来像B”的表层描述，而是深入挖掘了文化基因的层面。每一次翻阅，都像是一次精神的洗礼，让我这个非科班出身的爱好者，也能感受到民间音乐那股澎湃的生命力，它不是博物馆里的陈列品，而是活在老百姓口头传唱中的活历史。这本书的修订版，无疑是继承了经典的精髓，又注入了新的时代洞察力，绝对是音乐研究者和发烧友案头不可或缺的镇山之宝。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这会是一本偏向理论和文献梳理的教材，毕竟出版社是做考研辅导材料的，难免会带点那种“应试”的腔调。但出乎意料的是，它的文笔极其流畅自然，甚至带有一丝散文的韵味。这绝对不是那种为了凑字数而堆砌的“学术八股文”。比如，作者在讨论某些濒临失传的曲艺形式时，那种字里行间流露出的惋惜和抢救性的保护意识，非常有感染力。它不是冷冰冰地记录“某某曲种已消亡”，而是详细描述了它曾经的辉煌和它在特定人群中的意义。我特别喜欢它在章节衔接上的处理，过渡得非常巧妙，不会让人有突兀的跳跃感。阅读体验上，它更像是在听一位老先生娓娓道来他毕生的研究心得，而不是一份任务清单。这种人情味的处理，使得原本可能枯燥的音乐学分支变得生动可感。对于那些想深入了解中国民间音乐文化背景而非仅仅是学习考试知识的读者来说，这本书的文学性和思想深度绝对是超乎预期的加分项。它让我意识到，民间音乐的“研究”和“欣赏”是无法完全割裂的，两者必须相互滋养。