钢琴乐谱 莫扎特钢琴奏鸣曲集（I） 湖南文艺出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540424701

商品编码：29867157447

丛书名： 莫扎特钢琴奏鸣曲集(I)(新)

出版时间：2008-06-01

 

目录：

1、奏鸣曲

2、奏鸣曲

3、奏鸣曲

4、奏鸣曲

5、奏鸣曲

6、奏鸣曲

7、奏鸣曲

8、奏鸣曲

9、奏鸣曲

10、奏鸣曲

 

内容介绍：

《莫扎特钢琴奏鸣曲集》是根据布赖特科普夫与黑泰尔公司（Breitkopf&Hartel;）应柏林艺术学院要求出版的净版《莫扎特钢琴奏鸣曲与幻想曲集》编订面成的。但有两处例外，前者出自《莫扎特作品全集》，后者出自布赖特科普夫与黑泰尔公司1828年的老版本。

编订者在本征本中加入了指法，并对书中表情、分句、速度、演奏风格及技巧等标记作了清楚的说明。

相同类型的装饰音的演奏方法，在同一首奏鸣曲中只标注一闪，标注的位置为：装饰音在乐曲中出现的地方。

在净版中以十六分音符或三十二分音符形式出现的短倚音，《莫扎特钢琴奏鸣曲集本》将介绍它们现在的弹法。

维也纳的金色和声：18世纪欧洲键盘音乐的辉煌之旅 图书名称：《18世纪欧洲键盘音乐的精粹与传承：巴赫、海顿与斯卡拉蒂的键盘艺术》 出版社： 东方艺术文库 作者/编者： 音乐史学研究小组 --- 卷首语：触键，穿越时空的对话 当我们沉浸于键盘乐器的历史长河中时，18世纪无疑是一座光辉的里程碑。这是一个艺术思想蓬勃发展、音乐风格深刻变革的时代。在这个世纪里，键盘音乐——无论是羽管键琴（Harpsichord）、大键琴（Clavichord）还是新兴的古钢琴（Fortepiano）——都达到了技艺与情感表达的巅峰。本书并非仅仅是乐谱的简单汇编，而是一部深入剖析18世纪欧洲键盘音乐精神内核的深度导读与精选乐章赏析。我们力求带领读者穿越巴洛克晚期的严谨对位，领略古典主义的清晰结构与优雅气质，感受那个时代键盘乐器所承载的全部情感光谱。 第一章：巴赫的遗嘱——精巧的结构与无尽的深度 18世纪的开端，依然沐浴在约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的宏伟光芒之下。他的音乐是巴洛克艺术的集大成者，是数学般的精确与神圣的灵性完美结合的典范。 1.1 《平均律键盘曲集》的体系构建： 我们将详细解析巴赫如何通过这部里程碑式的作品，系统地探索了大小调体系的潜力与限制。书中选取了数首最具代表性的前奏曲与赋格，不仅仅展示了指法上的挑战，更重要的是揭示了赋格曲中“主题”如何像DNA一样自我复制、发展、交织，最终构建出一个复杂而和谐的宇宙。例如，C大调第一号前奏曲的简约与D小调雨滴前奏曲的沉思，将分别展示其在“自由即兴”与“严格结构”之间的张力。 1.2 键盘的“百科全书”——《哥德堡变奏曲》的艺术： 本章聚焦于这部被誉为“键盘音乐的奥林匹斯山”的作品。我们将分析其变奏的内在逻辑——每三首变奏中就有一首卡农，以及其所体现的对位法登峰造极的成就。读者将了解，巴赫是如何在看似固定的主题框架下，运用节奏、织体、音色的变化，将这部作品拓展成为一部涵盖了当时所有键盘演奏技法的“百科全书”。 1.3 对位法的艺术解读： 对于巴赫的作品，理解“对位”至关重要。我们不再停留在枯燥的理论层面，而是通过图示和具体乐段分析，展示巴赫如何让两条或多条独立的旋律线同时歌唱，它们彼此追逐、呼应，却又保持着独立的生命力。这是一种对上帝秩序的音乐化表达。 第二章：键盘的革命——从羽管键琴到古钢琴的过渡 18世纪中叶，音乐的审美趣味发生了剧变。人们开始厌倦巴洛克时期的繁复装饰和对位密集，转而追求“情感的自然流露”与“清晰的旋律线条”。这直接催生了新的乐器和新的音乐语言。 2.1 斯卡拉蒂的“阳光”： 多梅尼科·斯卡拉蒂（D. Scarlatti）是这场转变中的先驱者。他的五十多首键盘奏鸣曲（Sonata）是连接巴洛克末期与古典主义的桥梁。本章将深入探讨斯卡拉蒂作品的独特性：它们通常是单乐章的，充满西班牙式的炽热节奏、出人意料的和声转调，以及对羽管键琴独特音色（如跳音、快速的交替指法）的极致运用。阅读这些奏鸣曲，仿佛在聆听一场充满异域风情的即兴表演。 2.2 敏感的“感性风格”（Empfindsamer Stil）： 这种新兴风格追求细腻的、个人化的情感表达，需要更具动态范围的乐器。这为古钢琴（Fortepiano）的崛起铺平了道路。本章将探讨这种风格在键盘音乐中体现出的特点：旋律的歌唱性增强，节奏的自由度提高，以及对渐强（Crescendo）和渐弱（Diminuendo）这些力度记号的依赖性加深。 第三章：古典主义的基石——海顿的幽默与结构之美 弗朗茨·约瑟夫·海顿（F.J. Haydn）被誉为“交响乐之父”，但他在键盘音乐领域的贡献同样不容忽视。他的作品标志着古典主义（Classical Style）的全面确立。 3.1 古典奏鸣曲式的解析： 海顿的奏鸣曲是理解古典主义音乐结构的绝佳范本。本章将细致拆解奏鸣曲式的三个主要部分——呈示部、发展部和再现部，并以海顿最具代表性的奏鸣曲（如Hob. XVI系列）为例，展示作曲家如何通过对比性主题（如有力的主题与抒情的主题）、调性冲突（呈示部的属调关系）以及发展部的戏剧性探索，来构建一种平衡、清晰而又充满逻辑性的音乐叙事。 3.2 幽默与机智的表达： 海顿的音乐中常常蕴含着令人会心一笑的幽默感——突然的休止、滑稽的模进、或不协和的“玩笑”和弦。我们将分析这些技巧，揭示海顿是如何在恪守古典形式的严谨性的同时，注入他独特的“维也纳式”的乐观与机智。对于演奏者而言，掌握这种“弹性”的节奏感和恰到好处的幽默停顿，是进入海顿音乐世界的关键。 3.3 键盘音色的演变： 随着古钢琴逐渐取代羽管键琴成为主流，海顿的作品开始展现出对乐器新特性的适应。本章探讨海顿如何利用古钢琴的延音（Sustain）和力度变化，来增加音乐的戏剧张力和情感深度，这与早期巴赫作品对音色持续均匀的要求形成了鲜明对比。 结语：键盘的未来与时代的烙印 18世纪是键盘音乐的“黄金时代”，它不仅确立了奏鸣曲这一核心体裁，也完成了从巴洛克复调到古典主义单线条旋律的伟大跨越。本书通过对三位巨匠——巴赫的结构神性、斯卡拉蒂的异域激情、海顿的古典清晰度——的系统梳理，旨在让学习者和爱好者能够更深入地理解这些作品诞生的历史土壤、演奏所需要的技术准备，以及它们在西方音乐美学史上的不朽地位。阅读本书，即是亲手触摸18世纪欧洲文化与艺术思想碰撞出的绚烂火花。

评分☆☆☆☆☆

天哪，最近为了准备一个室内乐的演出，我简直快把琴键磨穿了，尤其是巴赫的赋格，那和声线条的复杂程度简直是考验人类耐心的极限。我不得不承认，在沉浸于那些严谨的对位和精妙的织体中时，我偶尔会渴望一点点来自更古典、更纯粹的声音来调剂一下紧绷的神经。我正在寻找那种能让人瞬间回到维也纳金色大厅，空气中弥漫着精致与优雅的乐谱集。比如那些结构清晰、旋律线条优美到令人心碎的作品，它们像是数学公式般精确，却又饱含着人性的光辉，能让人在反复的练习中找到一种近乎冥想的宁静。我希望手头的这本乐谱，能提供那种清晰的指引，让我不必在繁复的注释和版本差异中迷失方向，而是能直奔作曲家最初的意图而去，让指尖下的每一个音符都带着一种毋庸置疑的清晰感和历史的厚重感。那种感觉，就像是穿越了时空，与那位伟大的萨尔茨堡天才进行了一场无声的对话。

评分☆☆☆☆☆

我最近在琢磨如何提升自己的演奏“颗粒感”，你知道的，就是那种能让每一个音符都清晰、独立，却又完美融合在整体织体中的技术。说实话，现在市面上很多版本的乐谱，排版和字体都让人头疼，看着密密麻麻的小字和模糊的指法标记，简直是在考验我的视力。我真正需要的是那种印刷质量极高、纸张触感温润，并且页边距处理得当的教材。这样在长时间练习时，我的眼睛和手腕都能得到最大限度的放松。我尤其看重出版社在版本校对上的严谨性，毕竟，在处理那些快速的音阶跑动或者复杂的琶音时，任何一个微小的记号错误都可能导致我花费数周时间去纠正错误的肌肉记忆。我期待的，是一本能让我专注于音乐本身，而不是与纸张本身较劲的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了一个非常冷门的课题：早期钢琴文献中踏板使用的考证。当然，我知道莫扎特时代的钢琴和我们现在的三角钢琴在机械结构上有天壤之别，但研究这些历史上的演奏习惯，能极大地帮助我理解乐句的连贯性和呼吸感。因此，我非常关注乐谱出版商是如何处理“延音”这个问题的。他们是严格遵循古典时期的演奏惯例，尽量不使用踏板，还是适当地加入了现代演奏中常用的踏板标记以增强效果？我倾向于后者，但前提是，任何添加的标记都必须清晰地与原谱区分开来，最好能用脚注或不同的符号加以说明，这样，无论是追求历史还原的演奏者，还是追求现代音响效果的乐手，都能找到自己想要的版本。我追求的是一种严谨的学术态度和灵活的实用性之间的完美平衡。

评分☆☆☆☆☆

我最近在为我的学生挑选教材，这是个非常头疼的过程，因为他们的年龄和技术水平参差不齐，但对音乐的敏感度却各有千秋。对于初学者来说，他们需要的不仅是音符，更是一种对音乐结构的基础认知。我希望那本乐谱能提供一种循序渐进的方式，而不是一上来就抛出那些让人望而生畏的快速乐章。比如，它是否能巧妙地将技术难点融入到旋律优美的片段中，让学生在不知不觉中掌握了技巧？对于那些已经有一定基础的学生，我则希望乐谱能引导他们去思考乐章的整体结构，比如奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部的内在逻辑，而不是仅仅把它们看作是一堆钢琴音符的堆砌。一本好的乐谱集，理应是老师手中的辅助工具，也是学生探索音乐世界的向导，它需要具备多层次的阅读价值。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对那些过度“浪漫化”的演奏版本有点审美疲劳了。我更偏爱那种强调古典主义时期演奏风格的乐谱，那种追求清晰的乐句划分、平衡的声部处理和精准的力度对比的风格。在练习中，我总是在想，当时的演奏家们是如何在没有现代钢琴的延音和力度变化下，仅凭触键的细微差别来表达情感的？所以，如果一本乐谱能提供一些关于历史演奏实践的背景注释，哪怕只是寥寥数语，都会让我受益匪浅。我希望能从这份乐谱中汲取到一种克制的美学，一种在形式完美之下涌动的情感暗流，而不是那种铺天盖地的、似乎要用尽所有音符来宣告情感的喧嚣。那种内敛的优雅，才是古典音乐的精髓所在，也是我目前在探索的重点。