作曲基础教程 作曲书籍 作曲的基础训练教材 编曲音乐理论书籍姚恒璐创作教程 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103038901

商品编码：29867166967

丛书名： 作曲的基础训练

开本：16开

出版时间：2011-04-01

 

 

 

目录

绪论 第I章 节奏与节拍——律动的奥秘 第I节 节奏的记谱 第二节 在节拍背景下的五种不同类型的节奏模式 第三节 节奏与其他因素的关系 第四节 在节奏形态中的变形能力 第五节 二声部以上复合节拍的种种形态 训练与思考 节奏的类型、模式与变形 训练1 节奏时值的记谱 训练2 节奏主题的展开练习 训练3 复合节奏、复合节拍的展开练习 第二章 旋律写作——韵律的升华 第I节 旋律写作的基本要求 第二节 旋律写作的记谱细节 第三节 对旋律主题四种思维特征的认识 第四节 旋律的展开手法 第五节 旋律写作中的现代思维 训练与思考 旋律写作中的基本类型及其展开手法 训练1 调式调性的辨识 训练2 音列与音阶的互通 训练3 以节奏节拍特征为主体的旋律 训练4 以音程的关联为特征的旋律 训练5 旋律写作中的展开手法 训练6 旋律的装饰性写作 旋律7 单旋律写作中的风格扩展 第三章 线形思维——纵横的交汇 第I节 建立对位化的声部感觉 第二节 二声部模仿式复调 第三节 二声部对比式复调 第四节 对位与和声的混合写作 第五节 从对位的学习到线形对位 训练与思考 对位趣探 训练1 与民歌为素材写作各种模仿式、对比式复调 训练2 模仿复调与主调结合的写法 训练3 续写二声部的复调音乐主题 训练4 根据制定的单旋律主题写作各类对位练习 第四章 品味和声——半音化设计 第I节 和弦的叠置方式及原位与转位的交替 第二节 和弦外音 第三节 低音线条 第四节 声部连接 第五节 离调、转调、换调等手法 第六节 和声的节奏 训练与思考 音乐创作中的和声实践 训练1 各种西洋传统调式的和声配置 训练2 多种叠置方式以及非同一调性系统和弦的连接 训练3 和弦外音的一题多做 训练4 低音线条引导下的半音化和声配置 训练5 离调模进 训练6 特殊音阶背景下的和声配置 训练7 多声部写作方式及其和声性质的变换 训练8 离调转调和声布局中的钢琴小品片段写作 训练9 为调性转换中的单旋律以及十二音调性思维下的旋律配置和声 第五章 织体形态——音响的布局 第I节 织体写作概述——四声部和声与织体写作的关系 第二节 织体中‘层的概念’ 第三节 织体的类型 训练与思考 织体的写作实践 训练1 以和声骨干为基础的织体变形写作 训练2 合唱式的织体写作 训练3 钢琴织体的变形 训练4 变形原有的钢琴小品片段(风格模仿) 训练5 根据一组和声进行钢琴独奏织体的写作 训练6 同一旋律配置不同的织体与和声 第六章 音乐结构——建筑的面貌 第I节 小型曲式的结构特征 第二节 小型曲式中主题材料间的对比关联及其贯穿发展 训练与思考 小型结构的辨析 训练1 曲式分析 训练2 主题对比程度的比较与写作 第七章 钢琴小品的写作——成品的积累 第I节 多声部钢琴曲的写作目的和意义 第二节 小型曲式钢琴小品的写作 第三节 钢琴小品写作中的风格扩展 训练与思维 多声部钢琴曲写作的预备练习 训练1 根据和声功能框架写作多声部钢琴小品 训练2 根据一个短小的原型写作多声部主题的变奏 训练3 根据一段短小的单旋律写作多声部钢琴独奏主题 训练4 在一部曲式结构中发展一个短小的多声部主题 训练5 单三部曲式的预备练习 训练6 根据多声部的主题写作钢琴小品 训练7 多样化调性形态音乐主题的发展 训练8 创作自己的音乐主题 第八章 艺术歌曲写作——词曲的辉映 第I节 歌词的主要特点概述 第二节 艺术歌曲歌词的三种主要类型 第三节 歌曲各个声部的旋律写作 第四节 声乐与钢琴的几种写作关系 训练与思考 艺术歌曲写作的预备练习 训练1 辨识歌词的风格定位与曲式结构 训练2 为一句歌词谱曲 训练3 为一句歌曲配置伴奏 第九章 乐器与音色——重奏的魅力 第I节 器乐化旋律线的装饰性写作 第二节 各种乐器组合的重奏曲写作 第三节 重奏曲写作的一般规律 训练与思考 音色与音响 训练1 为旋律主题设定乐器音色，并发展到曲式规模 训练2 为指定的乐器写作独奏小品 训练3 为一个单旋律声部添加另外的重奏声部 训练4 将重奏片段缩减为钢琴谱 训练5 将钢琴主题片段改编为重奏小品 训练6 为一个重奏主题续写  

 

 

附录一：常用西洋乐器名称中外文对照表 五线谱、简谱对照表 附录二：合唱音域表 独唱音域表 附录三：音乐作品的欣赏导览目录

 

好的，这是一份针对“作曲基础教程 作曲书籍 作曲的基础训练教材 编曲音乐理论书籍 姚恒璐创作教程 人民音乐出版社”之外的、内容详实的图书简介。 --- 图书简介：探索和声的艺术：从古典到现代的深度解析 书名：和声的秘密：古典与现代音乐语汇的构建 作者：[虚构作者名，如：李明] 出版社：[虚构出版社名，如：现代音乐文库] 字数：约 450,000 字 装帧：精装 定价：[虚构价格] --- 内容概述 《和声的秘密：古典与现代音乐语汇的构建》是一部旨在为音乐学习者、作曲家和编曲爱好者提供全面而深入的和声知识体系的专著。本书并非传统意义上的基础入门教材，而是将和声学的发展脉络与现代音乐实践紧密结合，聚焦于和声语言的深度理解、分析与创新应用。 本书共分为四个主要部分，从巴洛克到浪漫主义的严谨体系过渡到20世纪及当代音乐的和声创新，旨在帮助读者跨越仅仅“知道规则”的阶段，真正掌握如何运用和声语言来构建有生命力的音乐结构。 第一部分：古典和声的结构与语汇（精通基础，超越规范） 本部分深入探讨了西方传统音乐（主要基于17-19世纪的实践）的和声基础，但其深度和视角超越了一般入门教程的范畴。 1. 调性系统的核心逻辑：我们不仅分析了级数功能和导向性，更探讨了调性在不同历史时期（从巴洛克到古典主义）功能是如何演变和被重新诠释的。重点解析了功能和声的“张力与释放”机制在赋格、奏鸣曲式中的应用。 2. 延伸与色彩和弦的分析：详尽解析了九、十一、十三和弦的结构、功能，并区分了“装饰性”与“功能性”的界限。特别关注了浪漫主义时期（如舒曼、肖邦）如何运用这些和弦来模糊调性中心，创造心理上的色彩效果。 3. 调性连接与转调策略的深度剖析：本书不仅教授了常见的转调方法，更侧重于分析大师作品中那些看似“非传统”的转调手法，如远关系转调、色彩转调（Chromatic Mediants）的心理学基础，以及如何通过和声序列构建宏大的乐章结构。 第二部分：非功能和声与后浪漫主义的和声突破 随着音乐语汇的扩张，传统的功能和声体系开始受到挑战。本部分聚焦于这一关键的过渡时期，展示了作曲家如何开始“玩弄”和声的既有结构。 1. 和声的模态化倾向（Modal Tendencies）：分析了李斯特、德彪西等作曲家如何从传统调性中解放出来，引入模态音阶（如多利亚、弗里吉亚调式）及其在和声构建中的作用。详细对比了传统调性三和弦与模态和弦在听觉感受上的差异。 2. 不协和音的审美化处理：着重探讨了增六和弦（意大利、法国、德国）的复杂功能，以及它们在瓦格纳后期作品中如何被用来创造持续的、未解决的听觉悬念。本书提供了大量的配器实例，说明如何通过织体而非单纯的功能来平衡和声的密度。 3. 扩展和弦与音响的探索：深入分析了如何利用添加音（Added Notes）和和弦的“堆叠”来创造更丰富的音响质感，而非仅仅追求功能解决。这部分对编曲实践者尤为重要，因为它展示了如何用更少的和弦变化，创造出更具“空间感”的音乐。 第三部分：二十世纪的结构化和声：从无调性到十二音体系 本部分是本书的重点和难点，它系统地梳理了西方音乐语汇的根本性转变，为理解现代音乐奠定了坚实的理论基础。 1. 十二音体系的构建与实践：本书提供了对勋伯格十二音技法（Tone Row）的细致拆解，不仅讲解了矩阵的构建，更重要的是，分析了如何处理音列的“片段化”和“重组”，避免音乐听起来僵硬和机械化。探讨了奥尔本（Alban Berg）如何将调性残留融入十二音结构中。 2. 序列主义的扩展与局限：分析了韦伯恩等作曲家如何将序列化原则扩展到节奏、力度和音色上。本书提供了大量的音列分析范例，帮助读者理解序列化思维如何影响音乐的整体布局。 3. 新调性与聚核和声（Set Theory）：对于理解布里顿、科普兰等作曲家如何建立新的调性中心或使用“聚核”（Pitch-Class Set）理论来组织不协和音，本书提供了清晰的图表和分析方法。重点解析了聚核的“Z关系”和“类比关系”在作品中的体现。 第四部分：当代和声：从爵士到电子音乐的融合与应用 本部分将理论与当下的音乐实践紧密联系，探讨了非古典和声体系对当代音乐制作的深刻影响。 1. 爵士和声的深入解析：本书不仅仅是列举和弦符号，而是详细探讨了Bebop到Post-Bop阶段的“和声替代”（Chord Substitution）策略、Coltrane Changes的结构逻辑，以及如何使用内声部旋律来驱动和声进行。对“三全音替代”和“挂留和弦的模态化”进行了专门的章节讨论。 2. 现代配器与和声的相互作用：探讨了现代作曲家如何利用乐器自身的音色特性来“染色”和声。例如，分析了如何通过特定的木管组的叠置或弦乐的泛音来创造出传统钢琴和声无法实现的听觉效果。 3. 电子音乐与算法和声：这是一个创新章节，探讨了在DAW（数字音频工作站）环境中，如何利用合成器和采样技术来构建非传统的、超越人手演奏限制的和声结构。分析了如何用“微调”（Microtonality）来扩展听觉体验，并提供了基于算法生成和声的初步思路。 读者对象 进阶音乐理论学习者：需要从基础的“规则学习”转向“风格分析”和“创新实践”的阶段。 作曲与编曲专业人士：寻求拓宽和声词汇量，尤其是对20世纪及当代和声语言感到困惑的实践者。 音乐史研究者：需要系统了解和声语言如何作为一种历史驱动力，塑造了不同音乐时期的风格。 本书拒绝提供现成的“万能公式”，而是致力于培养读者对和声的听觉敏感度和结构洞察力，最终目标是让每一位读者能够自信地构建属于自己的、既有深厚底蕴又充满个人色彩的音乐语汇。本书配有大量的乐谱实例、详细的分析图表以及（附赠的）音频示例，以确保理论学习能够与实际听觉体验无缝对接。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的优点是它的系统性和详尽性，几乎可以被视为一本音乐理论的“百科全书”。如果你想建立一个牢不可破的理论体系，这本书绝对是首选的参考资料。我对它在和声色彩变化上的那几章印象尤为深刻，它细致地分析了增减和弦、半音化和弦在不同功能下的具体效果，这远比我以前看的任何教材都要深入。但是，正如所有“百科全书”一样，它在“实用性”上有所欠缺。它更侧重于“是什么”，而不是“怎么用”。在实际创作中，我们往往需要在瞬间做出决定，而翻阅这本书寻找答案无疑会打断创作的流畅性。它更像是一个博物馆，里面的展品都价值连城，但你不能指望在博物馆里找到一个即时的工具箱来修理你家里的东西。对于那些渴望快速将理论转化为作品的实操型学习者来说，这本书的价值更多体现在“知识储备”上，而非“即时创作力”的提升。

评分☆☆☆☆☆

这本《作曲基础教程》真是让人又爱又恨，爱它的是那些严谨的理论框架，恨它的是，有时候感觉自己被这些规则束缚得喘不过气来。我初次翻开它的时候，就被那些密密麻麻的五线谱和和声进行图表搞得晕头转向。它对基础知识的讲解确实是面面俱到的，从最简单的音程到复杂的调式转换，都给出了详尽的解释。但问题在于，它更像是一本技术手册，而不是一本启发灵感的指南。读这本书，你会清晰地知道“应该”怎么做，但很少告诉你“为什么”要这么做，或者在什么情境下可以打破常规。对于已经有一些音乐基础的学习者来说，它是一个很好的查漏补缺的工具书，可以帮助你把那些模糊不清的概念梳理得井井有条。不过，如果指望它能立刻让你写出动人心弦的旋律，那恐怕要失望了。它给了你一把精准的尺子，但如何用这把尺子去描绘出天马行空的想象，这本书并没有给出太多实用的操作建议。我总觉得，它更适合在音乐学院的课堂上作为辅助教材，而不是一个自学者能独自啃下来的硬骨头。

评分☆☆☆☆☆

这本书在编排上显得有些陈旧，虽然内容无可挑剔，但整体的排版和示例的选取都带着一股浓厚的年代感。举例来说，很多乐谱的字体和排版方式，对于习惯了现代数字化乐谱的读者来说，阅读起来需要更大的专注力去适应。更重要的是，作为一本“基础训练教材”，它在互动性和趣味性上做得远远不够。它要求读者像一个苦行僧一样，老老实实地按部就班地进行练习，缺乏一些引导性的、激发创造力的“小挑战”或者“开放性问题”。我希望作者能在理论讲解之后，多设置一些引导性的创作任务，比如“尝试用这种不协和音程来描绘一种冲突感”，而不是简单地要求“完成这个练习题”。这本书的重量感和严肃性，很容易让初学者望而却步，感觉学习作曲是一件极其沉重和困难的事情，而不是一件充满乐趣的探索之旅。它是一副沉甸甸的盔甲，能保护你免受理论上的错误，但也限制了你轻盈地飞翔。

评分☆☆☆☆☆

当我试着用这本书里的知识去创作时，感受到的却是深深的局限性。它就像一个非常严格的导师，不断地提醒你“这个进行不符合规范”、“那个旋律发展缺乏逻辑”。当然，规范是重要的，但音乐的魅力往往在于那些微妙的“不规范”之处。这本书的结构安排得非常线性，从头到尾都遵循着一个既定的学习路径，这对于初学者建立基础认知是好事，但对于我这种已经有一定创作经验的人来说，显得有些拖沓。我更希望看到的是一种模块化的学习方式，可以让我根据自己的需求跳跃式地学习。另外，书中的例曲大多是耳熟能详的古典名作的片段，虽然经典，但缺乏一些现代作曲家或者不同文化背景音乐的佐证，这使得理论的延展性在实际应用中受到了限制。说白了，它教会了我如何把房子盖得结构完美，却没告诉我如何给这个房子添上独特的灵魂和色彩。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的深度和广度都令人印象深刻，但阅读体验却像是在走一条漫长且布满荆棘的小路。它对理论的挖掘非常彻底，几乎涵盖了你能想到的所有古典作曲技法。我特别喜欢它在探讨复调写作时那种庖丁解牛般的分析，每一个声部的交织和对比都解释得非常清楚。然而，这本书的语言风格过于学术化，很多地方的论述显得有些枯燥和晦涩。对于非科班出身的我来说，很多时候需要反复阅读才能理解其中的深意。而且，它似乎更偏向于对西方古典音乐体系的固守，对于当代音乐或跨界创作的探讨则显得有些保守和不足。我希望能看到更多关于如何将这些扎实的基础理论应用到现代流行音乐或者影视配乐中的实例分析，但这本书在这方面着墨不多，更像是站在一个非常“纯粹”的角度来构建作曲的殿堂。它提供了坚固的地基，但上层的建筑风格却显得有些单一。