流行歌曲写作十八讲 写歌写词作词作曲编曲自学入门教程书正版付林胡音声著吉他乐理人民音乐出版社 歌曲写 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 1

ISBN：9077062366474

商品编码：29867229869

 

目录

 

上篇 写作技法篇
音乐的基因——动机的生成与主题乐句的写作
 动机的生成
一、认识动机
二、动机的音程与节奏特性
三、动机生成常用方法
第二节 主题乐句的写作
一、认识主题乐句
二、主题乐句的类型及表现特征

第二讲 音乐的流线——旋律线条的类型特征及运用
旋律线条的类型
一、认识旋律线
二、旋律线条的类型及表现特征
第二节 各类旋律线条的运用
一、直线型旋律线条的运用
二、曲线型旋律线条的运用
三、斜线型旋律线条的运用
四、线条对比交织的运用

第三讲 音乐的脉搏——节奏的类型及节奏节拍的运用
 节奏的类型
一、认识节奏
二、常用的节奏类型与节拍重音的形式
第二节 节奏、节拍的运用
一、均等链条型节奏
二、分节链条型节奏
三、切分节奏
四、弱拍、弱起、休止拍
五、变节奏与变节拍

第四讲 音乐的结构——乐句、乐段的构成及曲式运用
 音乐结构与曲式基本概念
一、认识音乐结构
二、曲式的基本概念
三、流行歌曲常见曲式类型
第二节 曲式结构的运用
一、对称结构的运用
二、不对称结构的运用
三、特殊性结构的运用

第五讲 音乐的关节——前奏、间奏、尾声的功能
 前奏、间奏、尾声的作用及设计思路
一、前奏、间奏、尾声的作用
二、前奏、间奏、尾声的设计思路
第二节 前奏、间奏、尾声设计类型
一、前奏的类型
二、间奏的类型
三、尾声的类型

第六讲 音乐的色彩——调式、调性的运用
 调式的基本知识
一、什么是调式
二、调式的功能与色彩
第二节 各类调式的运用与转调的手段
一、调式的运用
二、调式转换
三、转调的类型与方法

第七讲 音乐的表现——旋律重复与对比的表现手段
 音乐表现的手法及原则
一、旋律发展的手法及原则
二、重复手法的运用
第二节 对比手法及模进的运用
一、各类对比手法的运用
二、模进的运用

第八讲 音乐的激情——高潮的设置
 高潮形成的手法
一、高潮的意义及构成因素
二、高潮的形成
第二节 高潮设置的部位
一、高潮形成在引子、前奏
二、高潮形成在主题乐句、乐段
三、高潮形成在间奏、尾声

第九讲 音乐的记忆点——记忆点的设计
 何为音乐记忆点
一、音乐记忆点的特征
二、音乐记忆点的类型
第二节 记忆点常用设计手段
一、强调记忆点
二、寻找记忆点
二、巧妙设置记忆点

第十讲 音乐的风格——歌手唱法与创作风格
 流行声乐与歌手及创作风格的认识
一、流行声乐的认识
二、歌手声线、声波、声态、声区的认识
三、演唱方法与创作风格的认识
第二节 欧美风格及中国风格概览
一、爵士乐风格
二、摇滚乐风格
三、乡村音乐风格
四、中国流行歌曲创作风格

下篇 写作理念篇
第十一讲 音乐的感觉——感觉的生成与调动
 感觉的生成与创作的关系
一、心动的感觉与创作感觉
二、感觉的评价传递及多重合力的关系
第二节 感觉的调动与唤起
一、全方位调动感觉
二、唤起真心感觉

第十二讲 音乐的冲动——冲动、灵感与激情的表现
 冲动、灵感与激情
一、冲动与灵感的特性
二、冲动与激情的效应
第二节 冲动的表现手段与情绪的表达
一、冲动的表现手段
二、冲动情绪的表达

第十三讲 音乐的理性与境界——感性、理性与造境写境
 音乐的理性
一、音乐人的理性
二、音乐感性与理性的关系
三、理性思维整合手段的运用
第二节 音乐的境界
一、境界的俗与雅
二、有我之境与无我之境
三、造境与写境

第十四讲 音乐的源流——民歌与地域特征
 音乐源流的融汇
一、民族民间音乐的种类
二、民歌的运用
三、第二节 音乐源流的拓深
一、地域风格与体裁形式
二、民族风情与民歌个性

第十五讲 音乐的嫁接——嫁接优选理念与技术手段
 音乐嫁接的理念与优选
一、音乐嫁接的理念
二、嫁接优选法
第二节 嫁接的形式与技术手段
一、本土嫁接与异域嫁接
二、嫁接形式与欧美风格流派的形成
三、嫁接的技术手段

第十六讲 音乐的文学——有关歌词的三言两语
 歌词的题材及类型
一、歌词的题材
二、题材的类型
第二节 歌名的设计及词曲先后方式
一、歌名的设计
二、词曲创作的先后方式
第三节 流行句与闪光点的设计
一、设置在主歌部位
二、设置在副歌部位

第十七讲 音乐的流程——歌词、歌手的选择与录音制作
 “一条龙”的创作流程
一、创作、制作流程的环节
二、歌词的选择
三、歌手的选择
第二节 “一条龙”的制作流程
一、“唱样”的作用
二、唱片录制流程
三、MIDI的形式与空间

第十八讲 音乐的接口——唱片舞台与影视媒体网络
 唱片、影视的多种接口
一、唱片单曲的市场接口
二、影视媒体、晚会的综艺接口
三、广告、企业歌曲的实用接口
第二节 链接网络媒体的自由接口
一、网络接口的快捷性与前沿性
二、网络接口的开放性与大众性
后记

 

内容提要

本书用带有文学色彩的笔调，流畅的语境，典型的谱例，将歌曲写作单一的技法，程式的理念变得鲜活，灵动，时尚。流行音乐不但属于时下年轻心动的人们，更属于未来新新人类。

 

好的，这是一本聚焦于流行音乐创作各个环节的综合教程。 --- 音乐创作者的进阶指南：从灵感到成品的全景解析 本书不是关于《流行歌曲写作十八讲》的任何内容概述，而是为您呈现一套全面、深入、系统化的现代音乐创作实战手册。 本书旨在为有志于进入流行音乐制作领域的学习者、独立音乐人、以及渴望提升自身创作能力的专业人士，提供一个从零基础到精通的全方位学习路径。它摒弃了学院派的刻板说教，专注于实战技巧、行业前沿动态与个人风格的塑造。 第一部分：旋律的魔力——捕捉与构建音乐的灵魂 本部分将彻底解构“好听”的秘密。我们不会停留在简单的音阶练习，而是深入探讨如何培养“旋律感”——这种无法量化却至关重要的创作直觉。 1. 灵感捕获与主题提炼： 打破创作瓶颈的实用技巧： 介绍如何利用日常观察、碎片化信息（如新闻标题、电影片段、个人情绪日记）转化为音乐主题。我们将探讨“情绪地图”的绘制方法，确保你的作品具有清晰的情感核心。 母题的构建与发展： 学习如何将一个简单的动机（Motif）通过节奏变奏、和声置换、移位等手法，发展成支撑整首歌曲的骨架旋律。 2. 结构化的旋律设计： 节奏的叙事性： 深入分析不同音乐风格（如Urban、R&B、民谣）中标志性的节奏模式。掌握如何通过切分音、休止符的位置，为旋律注入驱动力与呼吸感。 音程的心理学效应： 探讨大跳跃、小步进在不同情绪表达中的具体作用。如何利用特定的音程组合来制造悬念、释放压力或表达深情。 3. 旋律与人声的适配： “可唱性”的黄金法则： 讲解人声演唱舒适区的设计，包括最高音、最低音的分布策略，避免“口水歌”的陷阱，创作出既抓耳又耐听的线条。 第二部分：和声的架构——搭建情感的稳定基石 本部分关注如何运用色彩丰富的和声语言，为旋律提供恰当的情感支撑，避免陷入俗套的和弦进行。 1. 现代流行音乐的和声语法： 超越I-IV-V： 系统介绍如何使用副属和弦、离调和弦、以及借用和弦来丰富进行。重点解析“非功能性”和声在营造迷幻或复杂情绪中的应用。 色彩的运用： 深入讲解七和弦、九和弦、挂留和弦（Sus）在不同段落（主歌、副歌、桥段）中的功能和色彩调整。 2. 推动段落的情感张力： 副歌的“爆发点”设计： 学习如何通过和声密度的增加、调性的微小偏移（Modulation）来处理副歌的进入，实现听觉上的释放。 桥段（Bridge）的和声实验： 桥段作为歌曲的“中转站”，如何通过大胆的和声选择，提供一个全新的聆听视角，为最终的回归做铺垫。 3. 节奏与和声的协同作用： 切分节奏下的和弦处理： 探讨节奏型与和弦根音、三音、七音的相互作用，确保律动与和声的完美咬合。 第三部分：歌词的雕琢——文字的画面感与共鸣力 好的歌词不仅是诗歌，更是声音的载体。本部分聚焦于如何创作出既有文学美感，又极具传唱性的歌词。 1. 叙事结构与视角选择： “Show, Don't Tell”原则在歌词中的应用： 强调使用具体的名词和动词来构建画面，而不是空泛的形容词。 时间与空间的控制： 学习如何巧妙地在歌词中切换时间点（过去、现在、想象）和场景，使故事线索清晰流畅。 2. 韵律、音效与发音工程： 内韵与头韵的精妙布局： 探讨如何利用中文发音的声母、韵母，创造出自然且悦耳的内部韵脚，提升听觉的流畅感。 避免“拗口”的词汇选择： 教授如何测试歌词在快速演唱或高音区时的发音清晰度，优化“人声共鸣点”。 3. 主题的深度挖掘： 处理复杂情感的层次感： 针对爱、失落、社会批判等宏大主题，如何通过多层次的比喻和象征，避免主题的肤浅化。 第四部分：编曲的思维——打造现代音乐的听觉景观 本部分将视野从音符和文字扩展到整体音景的构建，是现代音乐制作的核心技能。 1. 现代编曲的“留白”艺术： 密度管理与动态范围控制： 学习如何规划乐器在歌曲不同阶段的进入和退出，确保听众始终能找到焦点，避免“拥挤”的听感。 节奏组的层次构建： 如何独立设计鼓组、贝斯线，使它们既保持律动，又互不干扰。重点解析采样库的选择与处理技巧。 2. 乐器配置与音色设计： 现代合成器的选择与合成基础： 介绍主流合成器的工作原理（减法、加法、波表合成），以及如何快速找到适合特定风格的音色。 对位与填充（Fills）： 讲解如何运用吉他Riff、键盘琶音、弦乐铺底等元素，在主旋律的空隙中填充细节，增加编曲的丰富性。 3. 风格化的编曲策略： 极简主义与最大主义的平衡： 针对不同风格（如极简的Lo-Fi，丰满的Stadium Pop），制定相应的乐器数量和效果链策略。 第五部分：从Demo到母带——作品的打磨与商业化流程 本部分侧重于音乐制作的后期流程管理，确保创作的创意能够以最高标准呈现。 1. 录音与前置处理技术： 高质量人声的获取： 针对家庭录音环境，提供麦克风选择、防喷罩使用、以及基础的Pre-Processing（如降噪、去齿音）的实操指南。 2. 混音基础与空间感塑造： EQ、压缩器在轨道间的协同工作： 教授如何通过均衡和动态处理，使贝斯、鼓、人声等核心元素在混音中“各司其职”。 空间化处理： 掌握混响（Reverb）和延迟（Delay）的选择，以营造出开阔、私密或充满氛围感的听觉空间。 3. 掌握音乐发布的前瞻性知识： 版权与发行基础： 简要介绍音乐版权（词曲作者、录音制作者）的基础概念，以及数字发行平台的工作流程。 本书提供的是一套完整的创作方法论，强调实践、反思与迭代，旨在帮助创作者形成自己的声音印记，独立完成从最初的吉他哼唱到可供发行的专业级作品的全过程。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的吉他爱好者，我一直渴望能将自己对和弦的熟悉，转化为真正的歌曲创作力。这本书在这方面提供了无与伦比的实战指导。它并没有强迫读者必须成为钢琴高手，而是巧妙地结合了吉他指法和流行音乐中常用的和弦色彩音（如sus2、add9等）的应用。讲解和弦进行时，作者非常注重“听感”与“视觉指板”的结合，让你在弹奏的同时，就能理解这个和弦在旋律中起到的支撑或推进作用。在我过去尝试自己写歌时，最大的障碍就是词曲不搭——旋律线很美，但歌词的重音和节奏总是对不上。这本书对这种“咬合度”问题的处理非常细致，提供了一套实用的方法论，教你如何根据旋律的重音和乐句的自然呼吸感来调整歌词的措辞和断句。这种高度实用的、面向工具性的教学，对我而言，比任何宏大的创作理念都来得实在和及时。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这种“自学教程”抱持着审慎的态度，毕竟音乐创作的领悟，往往需要名师的耳提面命。但这本书的编排结构，完全颠覆了我的预期。它采取了一种模块化的学习路径，使得我可以根据自己的弱项进行针对性强化。比如，如果我对和弦转位感到困惑，可以直接跳到相应的章节进行专项突破，而不会被冗长的背景介绍打断学习的连贯性。更重要的是，书中穿插的“创作挑战”环节，是真正的点睛之笔。它会给出一个特定的主题或情绪（比如“雨夜中的思念”），然后要求读者运用刚学到的技巧来尝试创作一小段。这种即学即用的反馈机制，极大地提高了学习效率和挫败感的耐受度。我清晰地看到自己从一开始的不知所措，到后来能够较为流畅地构建出一段具有逻辑性的旋律走向，这完全归功于作者精心设计的阶梯式难度提升。

评分☆☆☆☆☆

我接触音乐理论已经有一段时间了，但总感觉在“流行”和“专业”之间难以找到平衡点。很多乐理书教的都是古典体系，虽然严谨，但搬到现代流行音乐的语境下，总显得有些水土不服。然而，这本书的视角非常独特，它似乎站在一个既懂古典功底又深谙市场口味的创作者的角度来撰写。最让我惊喜的是它对“律动感”和“情感渲染”的探讨。在讨论节奏型和鼓点编排时，它没有停留在简单的四四拍分析上，而是深入剖析了不同风格（如R&B、城市流行）中微妙的切分音和休止符如何影响听众的身体反应。歌词部分也同样精彩，它并没有给出套路的押韵公式，而是教导如何运用意象、比喻以及“留白”来增强歌词的画面感和共鸣度。这种对细节的把控，让原本可能平淡无奇的旋律，瞬间拥有了抓住人心的魔力。我感觉自己不再是单纯地“堆砌”音符和词句，而是开始有意识地“编织”情感体验了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也值得称赞，这对于需要频繁翻阅和对照的教程来说至关重要。纸张质量很好，即使用铅笔在五线谱上做标记也不会洇墨。更不用说那些复杂的乐理图示和和弦图，排版清晰、对比度适中，在昏暗的灯光下也能轻松辨认。在内容深度上，它成功地搭建了一座从“乐理基础”到“完整作品呈现”的桥梁。特别是对于编曲和配器部分的讲解，它没有止步于告诉我们应该用什么乐器，而是深入到不同乐器音色的“情感属性”——比如大提琴的深沉与小提琴的激昂在情绪表达上的差异，以及如何利用合成器的音色设计来营造特定的时代感或空间感。这让我明白了，好的流行歌曲不只是旋律动听，它是一个完整的声场构建过程，每一个声音元素都有其存在的意义和功能，而不是简单的填充。

评分☆☆☆☆☆

这本关于歌曲创作的教程，真是让人眼前一亮。我一直苦于找不到一本既能系统讲解理论知识，又能贴合实际创作的教材，市面上那些书要么过于学院派，读起来枯燥乏味，要么就是泛泛而谈，缺乏实操指导。这本恰好填补了我的空白。从和声进行的基础构建，到旋律线的精心雕琢，每一个环节的讲解都深入浅出，尤其对初学者非常友好。作者似乎非常理解新手在面对空白乐谱时的那种无助感，因此在讲解如何寻找灵感、如何将脑海中的模糊想法具象化为音符和歌词方面，提供了非常多实用的“拐杖”。我特别喜欢它将复杂的乐理知识融入到具体案例分析中的方式，比如某首经典流行曲的A段是如何设计起伏，副歌又是如何通过和弦变化来达到情绪爆发点的。这种“带着镣铐跳舞”式的讲解，让我明白了规则不是束缚，而是更高明创作的基石。它不是简单地告诉你“怎么做”，而是告诉你“为什么这么做会更好听”，这种深层次的理解，对我后续的独立创作能力提升起到了关键的推动作用。