大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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美国Gil Bettman吉尔·贝特曼，魏俊彦 著

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• 摄影技巧
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• 导演技巧
• 运动摄影
• 拍摄手法
• 电影制作
• 摄影教学
• 镜头语言
• 光影运用
• 构图技巧

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 电子工业出版社

ISBN：9787121290008

商品编码：29867595666

包装：平装-胶订

出版时间：2016-06-01

基本信息

书名：大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧

定价：55.00元

作者：(美国)Gil Bettman(吉尔·贝特曼),魏俊彦

出版社：电子工业出版社

出版日期：2016-06-01

ISBN：9787121290008

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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◆在当今的电影界，演员们都相当专业，不太需要导演的指导。这样，导演会把大多数时间用于提高拍摄技术。◆本书中，作者引用了斯皮尔伯格，泽米吉斯、昆汀等大师的经典电影片段，条理清晰地分析了如何用运动摄影技术拍摄出动感十足的电影场景。

内容提要

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电影发展至今，用动感十足的画面讲故事已经成为观众*基本的期待。毫无疑问，只有*的导演，才能得心应手地使用运动摄影技巧，获得*效果的画面。 比尔贝特曼是一位经验丰富、极具特色的电影导演，他结合自身多年的经验，通过引用诸多好莱坞*导演的作品向读者证明了在电影拍摄中运动摄影的重要性，并且详细讲解了运动摄影的拍摄方法，帮助读者掌握*的运动摄影技巧。 本书适合广泛的影视艺术爱好者阅读。不论是电影专业学生，还是影视从业者或爱好者，你都能从本书吸取充分的营养，掌握运动电影拍摄技巧，向电影大师之路阔步迈进。

目录

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目录
序 IX
前言 X
如何使用本书 XII部分　为何要进行运动摄影 1
章　运动摄影的重要性 3
章总结 6第二部分　用运动的摄影机拍摄对话场景 7
第二章　为什么要让摄影机动起来 9
概述 9
何时让摄影机动起来 9
鲍勃原则：让摄影机的运动变隐形的三种方式 10
外因驱动的摄影机运动 10
外因驱动的摄影机运动—无缝衔接及视觉甜头 11
内因驱动的摄影机运动 14
运动的定位镜头 16
违反鲍勃原则的例子及其原因分析 20
史努比镜头的兴起 20
道格玛戒律与史努比镜头 21
如今的史努比镜头 25
第二章总结 30
第三章　运动主镜头 33
概述 33
运动主镜头和备用镜头举例：《甜心先生》 34
原则1—开场信息 35
原则2—无缝衔接 38
原则3—视觉甜头 39
原则4—戏剧性 40
原则5—备用镜头 49
运动主镜头的固定拍摄模式 50
电影《迷情追踪》中麻将馆里的运动主镜头—基本遵循固定模式 51
电影《危机四伏》中沃伦·弗尔的运动主镜头—无缝衔接的大化 54
《危机四伏》中沃伦·弗尔的运动主镜头—无缝衔接的大化带来视觉甜头的增长 57
《危机四伏》中沃伦·弗尔的运动主镜头—无缝衔接的大化为开场镜头提供了更多信息 57
诺曼的坦白—特定场景中的特定主镜头 60
诺曼的坦白—开场—泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 60
诺曼的坦白—中间过程—泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 62
诺曼的坦白—结尾—泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 64
何处才能设计出好的运动主镜头 68
永不满足—设计出好的运动主镜头的诀窍 68
第三章总结 69
给教师的话 70
第三部分　拍摄动作场景 81
第四章　动作场景—基本原则 83
概述 83
怎样将摄影机放在正确的位置 83
怎样挑选镜头 84
怎样拍摄出足够多的片段 84
第四章总结 88第五章　镜头的选择 89
为何要强制透视 89
镜头选择：导演和摄影指导共同的责任 89
透视的基础知识 91
超长焦和超广角镜头与标准视角的对比 92
镜头—视角和景深 93
各种镜头的基本应用范围 94
镜头的选择—从视角和景深考虑 94
镜头的选择—从透视考虑 97
镜头如何影响运动过程 99
迎着镜头或离开镜头的运动—Z 轴 99
水平方向的运动—X轴 100
垂直方向的运动—Y轴 104
如何掌握镜头与运动的关系 104
第五章总结 106
给教师的话 107第六章　分解动作场景 109
分镜头和可视化预览 109
分镜头实例—分镜头下的故事 110
《死亡从不会太早》中伏击场景的分镜脚本 112
真实的拍摄情况 129
第六章总结 130
给教师的话 131第七章　追逐场景 133
基本原则 133
联合镜头 133
故事背景 136
方法1—广角镜头—Pogo Cam稳定器—狭窄的空间 138
方法2—用长焦镜头在开阔空间拍摄—更多视觉甜头 139
追逐场景中的位置关系 143
幽默 150
拍摄追逐场景：广角镜头 VS 长焦镜头 155
第七章总结 161
给教师的话 162第八章　打斗场景 163
基本原则 163
双机位原则 164
分段和备用镜头 176
打斗主镜头的重要性 178
摄影师和摄影助手的重要性 178
特技拍摄的乐趣 179
第八章总结 180
给教师的话 181
总结 183
作者简介 184

作者介绍

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文摘

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序言

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《光影叙事：探索电影镜头语言的深度与广度》 简介： 本书并非一本关于具体拍摄技巧或导演手法的指南，而是一次对电影创作核心——镜头语言——的深度哲学探索。它旨在引导读者超越表层的“如何拍”，去理解“为何这样拍”，以及镜头背后所蕴含的情感、思想与叙事力量。我们将一同走进电影史的长河，剖析那些被奉为经典的影像表达，并非仅仅学习它们的技法，而是领悟它们如何通过运动、构图、光影，触及观众内心最深处，构建起跨越时空的共鸣。 第一章：沉默的对话——镜头作为情感的载体 电影的魅力，很大程度上在于它能够无声地诉说。镜头，作为我们观察世界的眼睛，在银幕上承载着远超记录本身的情感重量。本章将聚焦于镜头如何成为情感的直接传递者，深入分析那些通过镜头运动、景别变化、焦点切换所营造出的微妙情感层次。 静默的凝视： 并非所有情绪都需要激烈的动作来表达。固定镜头下的长镜头，如何通过演员细微的表情、环境的烘托，将内心的波澜悄然展露？我们将会探讨如何利用静止的镜头，放大人物的心理活动，让观众沉浸在角色的情绪世界中。例如，当一个角色在沉默中经历着巨大的内心挣扎时，一个稳定的中景镜头，配合其微妙的面部表情和肢体语言，能够营造出比任何台词都更具穿透力的情感力量。 移动的呼吸： 镜头的运动，如同生命的呼吸，赋予画面以生机与活力。推、拉、摇、移，这些基础的镜头运动，在不同的情境下，扮演着截然不同的角色。推镜头可以逐步拉近观众与人物的距离，加深情感的代入感；拉镜头则能将人物置于广阔的环境中，凸显其渺小或宏大；摇镜头可以跟随人物的视线，引导观众的注意力；移镜头则能在空间中自由穿梭，构建更为复杂的叙事场域。我们将分析不同运动镜头在营造紧张感、舒缓感、探索感等方面的作用，以及如何让镜头的呼吸与角色的情感律动相契合。 视点的转换： 镜头不仅仅是记录者，更是观者的眼睛。通过不同视角的切换，我们可以体验不同的观看感受。主观镜头（POV）将观众置于角色的视角，直接体验其所见所感；客观镜头则提供一个审视的距离。本章将探讨视角转换如何影响观众对角色的认同或疏离，以及如何通过视角的巧妙设计，引导观众的情绪流向。 焦点之外的言语： 景深和焦点，并非仅仅是为了清晰或模糊。它们是引导观众注意力的有力工具，也是营造氛围、暗示主题的潜语言。虚化的背景可以突出人物的孤立或内心世界的抽离；锐利的焦点则能将观众的目光锁定在关键细节上，引发思考。我们将分析如何利用景深和焦点，在画面的层次中注入情感信息。 第二章：空间的回响——镜头与环境的互动 电影的画面不仅仅是人物的舞台，更是人物情感与命运的载体。环境，以其独特的视觉语言，与镜头共同谱写着故事的旋律。本章将深入剖析镜头如何与电影空间进行对话，如何通过镜头语言来构建、展现和影响人物所处的环境，以及环境如何反作用于人物的情感与行为。 全景的宣告： 宏大的全景镜头，不仅仅是展现场景的壮丽。它能瞬间确立故事的背景，交代人物所处的时代、社会阶层、自然环境，并以此为基础，暗示人物的生存状态和可能面临的挑战。我们将分析如何利用全景镜头，赋予环境以象征意义，使其成为故事不可分割的一部分。例如，在荒凉的西部片中，广阔的沙漠全景镜头，本身就传递着孤独、生存的艰难和对未知的探索。 景深中的叙事： 景深不仅用于突出主体，它还能在画面中构建出多层次的信息。前景、中景、后景的元素，通过镜头的调度，可以形成对比、呼应或暗示。一个前景的障碍物，可能象征着人物前进道路上的阻碍；一个在后景中若隐若现的人物，可能预示着未来的危险或转折。我们将探讨如何利用景深，让画面在视觉上充满信息量，让观众在观看中进行主动的解读。 构图的韵律： 构图，是导演在二维平面上组织视觉元素的“艺术”。“三分法”、“黄金分割”、“对称构图”，这些基础原则只是起点。真正的构图艺术，在于如何通过线条、形状、色彩和空间关系的安排，引导观众的视线，强化画面的主题，并营造特定的情绪氛围。我们将分析那些经典构图如何潜移默化地影响观众的心理，例如，向上倾斜的线条可能带来力量感，向下倾斜的线条则可能暗示衰败。 运动中的空间探索： 镜头的运动，是探索空间、揭示环境的重要手段。跟随镜头在建筑物之间穿梭，可以展现城市的繁华或破败；镜头穿过人群，可以营造出拥挤或疏离的氛围；镜头在自然景观中游弋，则能传递出自然的壮丽或神秘。我们将分析，运动镜头如何打破空间的静态，让观众仿佛置身其中，体验环境的流动性和变化。 光影的雕塑： 光与影，是构成画面的基本要素，也是塑造空间感和情绪的魔术师。强烈的明暗对比，可以制造戏剧性的冲突和紧张感；柔和的光线，则能营造出宁静、温馨或梦幻的氛围。我们将深入探讨，如何通过布光，赋予场景以戏剧性，如何利用阴影来隐藏信息或暗示未知的恐惧，以及光影如何成为环境本身的一种表达。 第三章：节奏的脉搏——镜头与时间的感知 时间，是电影叙事中最抽象却又最核心的元素。镜头，作为连接过去、现在与未来的桥梁，拥有操纵观众时间感知的强大力量。本章将超越剪辑的层面，深入探讨镜头语言本身如何构建出独特的时空节奏，如何通过镜头的组合与运动，影响观众对时间的流逝、停顿和压缩的感知。 长镜头的沉淀： 与快速剪辑带来的碎片化时间不同，长镜头往往需要观众投入更多的耐心和注意力。它允许观众在固定或缓慢移动的镜头中，去观察、去感受、去思考，从而营造出一种沉浸式的、接近真实的时间体验。我们将分析，为何在某些情境下，一个不加剪辑的长镜头，能够比多次切换更能触动人心，更能传递出人物内心的真实轨迹。 蒙太奇之外的关联： 尽管蒙太奇是剪辑的基石，但镜头本身的排列与组合，也能在心理上产生类似蒙太奇的效果。例如，通过两个看似无关的镜头并置，无需剪辑，观众的想象力便能填补两者之间的联系，从而产生新的意义和节奏。本章将探讨，如何通过镜头的“呼应”与“对比”，在画面内部创造出叙事的张力与时间的流动。 速度的感知： 镜头运动的速度，直接影响观众对画面中事件进展的感知。缓慢的推镜头可能带来一种期待或焦虑感，而快速的摇镜头则可能传递出紧迫或混乱。我们将分析，如何通过精确控制镜头的运动速度，来调整画面的节奏，从而影响观众的情绪体验。 时间点的凝固与延展： 某些镜头，能够将某个瞬间凝固下来，让时间仿佛静止，成为永恒的记忆；而另一些镜头，则能将短暂的动作无限延展，放大其重要性。我们将探讨，如何通过特写、慢动作（在构图层面的讨论）等镜头语言，对时间进行主观的塑造。 跨越时空的叙事： 即使没有直接的剪辑，一个精心设计的镜头，也可能通过其内在的指向性，将观众的思绪从当下引向过去或未来。例如，一个人物凝视远方的镜头，可能唤起他过去的回忆；一个镜头聚焦于某个预示着未来的道具，则能为故事增添一层悬念。我们将分析，镜头如何成为连接不同时间点的隐形纽带。 第四章：主题的回响——镜头作为思想的媒介 电影不仅仅是娱乐，更是艺术家表达思想、传递观念的强大媒介。本章将探讨，镜头语言如何超越其物理功能，成为一种抽象思想的载体，如何通过视觉的语言，巧妙地传达导演的意图、人物的困境、以及作品的主题。 象征与隐喻的视觉化： 许多抽象的概念，可以通过具体的视觉元素来象征。例如，一只飞翔的鸟可以象征自由，一道紧闭的门可以象征隔阂。我们将分析，导演如何利用镜头捕捉或构建这些象征性的画面，并将它们融入叙事之中，从而为影片增添更深的意涵。 构图的哲学： 画面中的构图，并非仅仅是美学上的考量。它往往蕴含着导演对人物关系、社会结构、乃至宇宙秩序的理解。一个被置于画面边缘的人物，可能暗示着他的孤立或被边缘化；一个被对称构图所框定的场景，可能传递出秩序、稳定或压抑。我们将深入分析，构图如何在无声中诉说哲学。 光影的寓意： 光影的运用，不仅仅是为了营造氛围。它们也常常承载着道德、善恶、希望与绝望等抽象意义。例如，过度的阴影可能象征着罪恶或迷茫；一道穿透黑暗的光束，则可能代表着希望或启示。我们将探讨，光影如何成为导演传递主题的重要工具。 运动中的哲学： 镜头的运动，本身也可以成为一种思想的表达。一个永不停歇的追逐镜头，可能象征着人生的无尽追求；一个缓慢后退的镜头，可能暗示着某种放逐或告别。我们将分析，镜头的运动如何将抽象的哲学理念，转化为具体的视觉体验。 观众的参与： 真正深刻的电影，不会简单地告知观众主题，而是通过镜头语言，引导观众去思考、去发现。本章将强调，优秀的镜头语言，是开放的、多义的，它鼓励观众主动参与到意义的构建过程中，从而获得更深层次的理解和共鸣。 结语： 《光影叙事：探索电影镜头语言的深度与广度》是一场关于电影视觉哲学的漫游。它希望带领读者，以更宏观、更深刻的视角去审视电影。我们并非要学习如何“复制”大师的技巧，而是要理解他们如何运用镜头，与观众进行一场关于情感、空间、时间与思想的深层对话。通过对这些永恒的视觉语言的探索，愿读者能更好地理解电影的本质，并激发自身对影像表达的独特思考。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始拿到《大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧》这本书，以为会是一些特别高深的、离我们普通人很遥远的专业知识。但翻开之后，我惊喜地发现，作者的语言非常通俗易懂，甚至带着一种讲故事的亲切感。他没有用太多晦涩的专业术语，而是用非常生活化的比喻来解释那些复杂的概念。比如，他形容一个长镜头就像是在“捕捉时间的流动”，而一个环绕镜头则如同“让观众在场景中漫步”。最让我觉得实用的是，书中有很多非常具体的操作指南。不仅仅是告诉你“怎么推”，而是详细讲解了在不同场景下，例如狭窄空间、开阔场地，如何选择合适的轨道、滑轨，甚至是一些替代性的辅助工具，来达到平稳且富有表现力的运动效果。我还学到了如何在不借助昂贵设备的情况下，通过一些巧妙的身体协调和构图技巧，来模拟出类似专业设备的运动感。书里还提供了一些“练习题”，让我尝试着去复现一些经典电影中的镜头运动，这个过程非常有意思，也让我切身体会到了书中所讲的原理。这种“手把手”的教学方式，让我觉得学习起来一点都不枯燥，而且可以直接运用到我的短片拍摄中，感觉收获满满。

评分☆☆☆☆☆

《大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧》这本书，我真的迫不及待地想和大家分享一下我的观感。首先，让我印象最深刻的是它在基础理论方面的讲解，虽然书名听起来像是直接切入实践，但它并没有忽视那些根基性的东西。作者花了相当大的篇幅去阐述镜头运动背后所蕴含的心理学和叙事学原理。比如，他详细分析了推轨镜头如何营造一种“侵入感”或“跟随感”，而摇镜头则如何引导观众的视线，甚至暗示角色的情绪变化。我尤其喜欢书中关于“蒙太奇”与镜头运动的结合，它不仅仅是告诉你怎么拍，更是告诉你为什么这么拍。作者通过引用大量经典影片的案例，比如某个场景中一个缓慢的摇镜头，是如何在不动声色中揭示人物内心的不安，或者一个快速的推镜头，是如何瞬间将观众卷入紧张的冲突。这种理论与实践的结合，让我觉得不仅仅是在学习拍摄技巧，更是在学习如何用镜头“说话”。它让我意识到，每一个镜头的晃动、推拉、摇移，都不是随机的，而是导演深思熟虑的表达方式。对于我这种初学者来说，这种打下坚实理论基础的感觉非常重要，它让我对未来的拍摄实践充满了信心，知道自己不是在盲目摸索，而是有章可循。

评分☆☆☆☆☆

《大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧》这本书，在我看来，最大的价值在于它打开了我对“运动”的全新认知。我之前总觉得，运动镜头无非就是让画面动起来，显得更“有活力”。但这本书彻底颠覆了我的想法。作者深入浅出地分析了镜头运动如何直接影响观众的情绪和对故事的理解。他用大量的篇幅去解读，为什么在紧张的追逐戏中，我们会频繁看到快速的跟拍镜头，这种运动如何模拟了角色的急促呼吸和心脏的跳动。又比如，在情感戏中，一个缓慢而稳定的推镜头，如何能够一点点地拉近观众与角色内心的距离，让他们感受到角色的脆弱和深情。书中的很多案例分析都非常到位，让我反复咀嚼。我特别喜欢他对于“镜头运动的节奏感”的阐述，这不仅仅是速度的问题，更是运动的方向、幅度、停止的时机等等一系列因素的综合考量。他甚至讨论了如何通过镜头运动来制造悬念，如何通过它的缺失来突出某种氛围。读完这本书，我再看电影的时候，会不自觉地去分析导演是如何运用镜头运动来引导我，让我感受到喜怒哀乐，这种“被导演”的体验，也让我对电影艺术有了更深层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

《大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧》这本书，对我最大的启发在于它对于“主观视角”和“客观视角”的微妙处理。作者详细阐述了如何通过不同的镜头运动，来模拟角色的主观感受，或者保持一种抽离的客观观察。我之前总是混淆这两者，但书中通过具体的影片片段分析，让我恍然大悟。比如，他讲解了一个场景，主人公在极度恐惧中，镜头会采用快速、抖动的跟随，模拟了人物内心的慌乱和视野的狭窄。而当我们需要以一个旁观者的身份去呈现某个事件时，则会选择更加平稳、不带感情色彩的摇移镜头。最让我受益匪浅的是，作者还讨论了“景深”与镜头运动的配合。他解释了如何在推拉过程中，通过调整景深，来突出某个主体，或者模糊掉无关的背景，从而引导观众的注意力。这本书让我意识到，镜头运动并非是孤立存在的，它需要与构图、景深、光影等其他电影语言元素协同作用，才能达到最佳的表达效果。这种“整体性”的思考方式，让我对电影创作有了更全面的理解。

评分☆☆☆☆☆

读完《大师拍片术：掌握导演的运动摄影技巧》，我感觉自己像是偷师学艺成功了一般。这本书不仅仅是告诉你拍摄技巧，更像是打开了一扇通往专业导演内心世界的大门。作者在书中花费了大量的笔墨去探讨“意图”与“形式”的关系，他强调，每一个镜头运动都应该服务于影片想要传达的情感和叙事。他举了很多例子，比如在一个表达孤独的场景中，导演可能会选择一个缓慢的、逐渐拉远的镜头，这种运动本身就带有一种“被抛弃”的意味。反之，在一个展现人物自信和力量的场景，可能会使用更加有力、果断的推拉镜头。让我印象深刻的是，书中还涉及了一些关于“空间感”和“时间感”的营造。他解释了如何通过不同方向和速度的镜头运动，来让观众感知到场景的大小、深度，以及时间的流逝。这本书的价值在于，它让你明白，好的运动镜头不仅仅是“动”，更是“有目的”地动，是导演通过镜头运动在与观众进行一场无声的对话。这种思考方式，让我从一个被动接受者，变成了一个主动思考者，对如何运用镜头去讲故事，有了更清晰的认识。