原版引进乐队标准化训练教程配套曲集鼓和旋律类打击乐器2 教材书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社出版

ISBN：9787552307849

商品编码：29867695399

丛书名： 鼓和旋律类打击乐器2

   

 

 

目录 星火进行曲
摇滚要点5
游行(选自《水上音乐组曲》)
炒豆
有点儿摇摆(适合乐队部分)
圣歌和庆典
那努瓦
界限街
爱斯科特前奏曲
桃树开花
进行曲(选自歌剧《希皮奥内》)
牙买加日出
拉雷多
音乐术语表 内容推荐

《管乐队标准化训练教程配套曲集：鼓和旋律类打击乐器（2）》为《管乐队标准化训练教程》配套曲集之二的定音鼓与旋律类打击乐器分册，加强版的难度为1-1.5级，适合中小学和初级程度的管乐队选用。

作者简介 布鲁斯·皮尔森（1942年出生），是一位具有知名度的作者、作曲家、专家指导和指挥家。他因为《管乐队标准化综合教程》（StandardofExcellenceComprehensiveBandMethod）一书而为出名。皮尔森先生的第-本乐队课程方面的书（BestinClass）也广为人知；同时，他的作品经常为木管乐队所演出。

 

 

星火进行曲
摇滚要点5
游行(选自《水上音乐组曲》)
炒豆
有点儿摇摆(适合乐队部分)
圣歌和庆典
那努瓦
界限街
爱斯科特前奏曲
桃树开花
进行曲(选自歌剧《希皮奥内》)
牙买加日出
拉雷多
音乐术语表

 

 

《管乐队标准化训练教程配套曲集：鼓和旋律类打击乐器（2）》为《管乐队标准化训练教程》配套曲集之二的定音鼓与旋律类打击乐器分册，加强版的难度为1-1.5级，适合中小学和初级程度的管乐队选用。

 

管乐器演奏技巧与理论精要 内容概要 本书旨在为管乐器学习者提供一套全面、深入的演奏技术指导与音乐理论基础知识。全书分为上下两篇，共计二十章，内容涵盖了从基础气息控制到高级演奏技巧的实践应用，以及管乐器历史、声学原理和曲目分析等理论深度探索。 第一篇：管乐器演奏基础与技术精进 第一章 气息的科学与艺术 本章深入探讨管乐器发声的生理学基础。我们将详细解析横膈膜、肋间肌群在气息支撑中的作用，以及如何通过科学的呼吸练习实现稳定、深厚的气流。内容包括腹式呼吸的精确训练方法、气流速度与压力的调控技巧，以及如何根据不同乐器（如长笛、单簧管、小号）对气息的不同要求进行个性化调整。特别强调了“气息的连贯性”在长乐句演奏中的重要性。 第二章 口型与咬合的精确控制 口型（Embouchure）是管乐器发音的关键。本章细致描述了木管乐器（如萨克斯风、双簧管）与铜管乐器（如圆号、长号）在不同音区对口型张力、形状和湿度的要求。我们提供了一系列镜前练习，用以矫正不正确的口型习惯，确保音色的纯正与稳定。对于铜管乐器，重点讲解了唇部肌肉的等张力练习，避免过度用力导致的疲劳和音准问题。 第三章 基础音阶与琶音的系统化练习 音阶与琶音是构建演奏能力的基石。本章摒弃了传统机械式的重复练习，引入了“模式化”训练法。内容包括：大小调、五声音阶、布鲁斯音阶的变奏练习；音阶在不同速度下的流畅性训练；以及如何利用琶音来练习指法、口型和气息的协同工作。我们特别设计了跨把位和跨指法的连贯性练习，以应对复杂乐曲中的技术难关。 第四章 颤音与装饰音的风格化处理 颤音（Trill）和装饰音（Ornamentation）是赋予旋律生命力的重要手段。本章根据巴洛克、古典、浪漫主义时期对装饰音的不同处理惯例，提供了针对性的练习方法。例如，如何根据乐曲风格选择快速颤音或慢速颤音；如何精确把握倚音（Appoggiatura）和回音（Nachschlag）的时值与力度。 第五章 连音与断音的力度控制 连音（Legato）和断音（Staccato）的质量直接体现演奏者的控制力。本章着重于“气流的断点与连接点”的训练。对于连音，探讨了如何通过舌尖与气流的微妙配合，实现“无痕衔接”；对于断音，则区分了舌尖断音（Tongue Staccato）、喉位断音（Klangtaste）和指法断音，并教授如何根据乐曲标记选择最合适的断奏法。 第六章 变调演奏与指法协调性 管乐器经常需要进行移调演奏（Transposition）或快速切换把位。本章专注于提升演奏者对指板（或按键系统）的肌肉记忆和视觉反应速度。我们设计了基于特定调式和模式的指法练习，旨在培养演奏者在不看指法表的情况下，也能准确无误地演奏复杂指法组合的能力。 第七章 强弱动态的精确表达 音乐的魅力在于对比。本章详细剖析了从 ppp 到 fff 的动态范围控制。内容包括如何利用气流压力、口型松紧度来平滑地过渡动态，避免“硬起音”或“气消音”。我们通过对比性练习，训练演奏者对 crescendo（渐强）和 diminuendo（渐弱）的线条感把握。 第八章 不同乐器的特殊技巧 本章针对特定乐器的核心技术进行深入讲解。例如，长号的换位技巧与平滑度；圆号的滑音（Glissando）与双吐技巧；长笛的超吹技巧（Altissimo Register）；以及铜管乐器的多音法（Multiphonics）。这些技巧的讲解均配有详细的指法图示和发声练习。 第九章 视奏能力的系统提升 视奏是演奏者必备的实用技能。本章提供了一套由浅入深的视奏训练体系，包括节奏的预读、和声结构的快速识别、以及提前阅读下一小节旋律的“超前视觉”训练。我们采用大量非熟悉的、具有挑战性的视奏材料进行模拟实战训练。 第十章 演奏中的身体姿态与放松 身体的姿态直接影响气息的自由度和肌肉的持久力。本章强调了脊柱的正直性、肩膀的放松以及手腕的灵活性。通过瑜伽和肌筋膜放松的原理，指导学习者如何识别和释放演奏中不必要的紧张点，以预防运动损伤。 第二篇：音乐理论、历史与曲目分析 第十一章 管乐器家族的历史沿革 本章追溯了现代管乐器的演变历程，从古代的骨笛、号角到中世纪的肖姆管（Shawm），再到文艺复兴时期的长号家族，以及管乐器工业革命（如萨克斯风的发明、活塞系统的引入）。重点分析了技术革新如何影响了音乐风格和作曲家的创作。 第十二章 管乐器的声学原理与调音 深入探究管乐器发声的物理学基础——气柱振动理论。内容包括：为什么是圆柱管或圆锥管；泛音列的形成与对音色的影响；以及不同乐器如何通过按键或滑动机构来改变有效管长实现音高变化。本章还提供了科学的乐器调音方法，确保乐器在不同环境下的音准适应性。 第十三章 常见调式与和声结构在管乐中的应用 本章将音乐理论知识与管乐演奏实践相结合。重点分析了大小调、调式（如多利亚、弗里吉亚）在管乐合奏中的和声功能。通过对经典管乐作品的片段分析，学习者能够更好地理解旋律线条的内在逻辑，从而做出更具音乐性的演奏。 第十四章 音乐风格分析：从巴洛克到当代 本章分时期介绍了管乐演奏风格的演变。 巴洛克时期： 强调装饰音的即兴性与清晰的线条感。 古典时期： 追求结构平衡与优雅的音色。 浪漫主义时期： 强调情感的自由表达与广阔的动态范围。 二十世纪至今： 探讨十二音体系、自由爵士和电子乐对管乐演奏提出的新挑战与机遇。 第十五章 室内乐合奏的技巧与协作 室内乐（如管乐五重奏、铜管五重奏）要求极高的团队协作。本章侧重于“倾听的艺术”，即如何准确地捕捉和声内声部，如何平衡音量以达到完美的音响效果。内容包括乐句的对位处理、呼吸标记的统一，以及在无指挥情况下的默契配合。 第十六章 管弦乐队与军乐队的定位 本章讲解了管乐器在不同大型乐队中的角色定位。例如，在管弦乐队中，木管组如何与弦乐组进行音色融合；在军乐队中，铜管组如何展现其穿透力与节奏稳定性。分析了不同编制对演奏者技巧的独特要求。 第十七章 管乐器文献选读与赏析 精选了不同时期、不同体裁的管乐器重要文献，进行深度赏析。包括巴赫的无伴奏长笛组曲、莫扎特的单簧管协奏曲、拉威尔的管乐配器片段、以及二十世纪的重要独奏作品。通过细致的曲目分析，学习者能掌握不同作曲家的“语言”。 第十八章 独奏作品的个人化诠释 本章引导学习者超越“照本宣科”，发展独特的艺术观点。内容包括：如何通过对速度、重音、连奏处理的微调，形成自己的演奏版本；如何利用录音技术进行自我评估与修正；以及如何研究演奏大师的录音范例，汲取灵感。 第十九章 创作与改编基础 为有志于创作的演奏者提供基础指导。本章概述了管乐器音域限制、性能特点在配器中的考量。学习如何为特定乐器量身定制旋律线，以及如何将键盘或弦乐作品改编为适合管乐演奏的版本，同时保持原作的神韵。 第二十章 演奏职业生涯的规划与维护 本章关注演奏者的长期发展。内容涉及专业演出的准备流程、试镜（Audition）的策略与技巧、乐器的日常维护（清洁、保养、选择）以及如何建立和维护职业人脉网络。强调了心理素质在高压演出环境中的调节作用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量也值得称赞。纸张的选择偏哑光，既能有效减少反光，保护眼睛，又有一种沉甸甸的质感，拿在手里非常舒服。印刷的清晰度和准确度极高，五线谱和打击乐谱记号的每一个细节都处理得一丝不苟，这对于要求精确到毫秒的节奏训练至关重要。我尤其欣赏它在排版上对“留白”的处理，谱面看起来不拥挤，即便是面对密集的十六分音符组，视线也能快速定位。此外，我注意到这本书在介绍每种练习时，都会有一个简短的“目标说明”，明确指出练习该段落需要达成的听觉或技术目标。这种清晰的目标导向性，让练习过程变得更有目的性，避免了盲目敲击，极大地提高了练习效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，色彩搭配和谐，排版简洁大气，让人一眼就能感受到其专业性和系统性。我手里拿着的这本书，首先给我的感觉就是“扎实”。从目录的编排就能看出，作者在内容组织上花费了大量心血，逻辑层次非常清晰。它似乎不仅仅是一本简单的曲集，更像是一套完整的训练体系的延伸。我尤其欣赏它对基础乐理和节奏型分解的详尽处理，这对于初学者来说无疑是一剂强心针。很多教程往往只注重曲目的堆砌，而这本书显然更注重“内功”的修炼。比如，对于一些复杂节奏的讲解，作者会提供多种视听角度的分析，这一点非常人性化。我感觉作者对打击乐教育有着深刻的理解，能够精准把握学习者在不同阶段可能遇到的瓶颈，并提前给出解决方案。这种前瞻性的内容设置，让我在翻阅时充满了期待，相信它能带领我系统地提升演奏技能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲风格非常多样化，这在同类教材中是比较少见的。我注意到其中不仅有经典的爵士、摇滚节奏型练习，还巧妙地融入了一些世界音乐和现代打击乐的元素。这种跨界融合的编排，极大地拓宽了演奏者的视野，避免了传统教材可能带来的枯燥感。试着练习其中几首针对“切分音与复节奏”的练习曲后，我深切体会到作者在难度递进上的精心设计。从简单的二对四到更复杂的复合节奏，每一步的提升都感觉水到渠成，没有那种“突然拔高”的挫败感。而且，每一首曲目后面似乎都附带了针对性的技术提示，这些提示语言精炼但直指核心，直击我在演奏中常常忽略的细节问题。这感觉就像是身边有一位经验丰富、沉默寡言的导师在默默指导，只在关键时刻给出最精准的点拨。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年演奏经验的乐手，我常常觉得市面上的很多进阶教材在“创新性”上有所欠缺，多是老生常谈的重复训练。然而，翻开这本书的后半部分，我感受到了作者在拓展演奏边界上的努力。特别是关于“多音色组合与动态控制”的那几章，简直是醍醐灌顶。作者不再仅仅关注敲击的准确性，而是将重点放在了声音的质感和音乐的叙事性上。比如，如何利用鼓刷和不同力度去营造出特定的空间感，这些内容在以往的教材中鲜有提及。我尝试着按照书中建议的力度标记去演奏一首中速的练习曲，出来的效果明显比我以往自由发挥要丰富和立体得多。这表明编者对打击乐器“发声艺术”有着超越技术层面的深刻理解，这本书对于想要从“技术工匠”蜕变为“音乐家”的演奏者来说，价值非凡。

评分☆☆☆☆☆

对于教学应用的角度来看，这本书的结构简直是为课堂量身定做的。它的结构严谨到近乎教纲的程度，从基础的握槌、站姿的微调建议，到复杂的合奏配器示例，都有所涉猎。书中穿插的“常见错误分析与修正”部分，体现了编者对实际教学场景的体察入微。例如，它详细描述了初学者手臂容易僵硬的几种情况，并配以图示说明如何放松手腕。这使得即便是经验尚浅的老师，也能迅速掌握指导要点。这本书的价值不仅在于它本身提供了优质的曲目，更在于它提供了一套经过实践检验的、行之有效的教学框架。它不要求学习者去追赶潮流，而是脚踏实地地夯实根基，让每一个节奏的跳动都充满内在的逻辑和音乐的生命力，是一本非常值得信赖的工具书。