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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308310

商品编码：29867705213

丛书名： 赵晓生交响作品集

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本总谱是赵晓生创作于1985年8月的钢琴协奏曲。

管弦乐配器法入门与实践：从原理到应用 内容简介 本书旨在为音乐学院学生、专业管弦乐队演奏者以及对管弦乐配器艺术有浓厚兴趣的音乐爱好者提供一本全面、深入且富有实践性的教材。我们深知，配器并非简单的乐器罗列，而是一门融合了音乐理论、乐器特性理解、声学原理和艺术想象力的综合性学科。本书将带领读者系统地探索管弦乐队的构成、各类乐器的音色特点、音域限制、演奏技法以及如何将它们有机地结合，从而创造出丰富多彩、富有层次感的管弦乐织体。 第一部分：管弦乐队的基石——乐器学基础 本部分着重于对管弦乐队核心乐器的深入剖析。我们将从历史沿革入手，梳理现代管弦乐队的典型配置，明确不同声部在整体结构中的功能定位。 一、弦乐组：管弦乐的灵魂 小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴作为弦乐组，构成了乐队的骨干力量和最主要的音响支撑。我们将详细讲解每种乐器的构造、演奏姿势对音色的影响，并重点分析弓法（如连弓、分弓、跳弓、重量弓）如何塑造旋律的表情。此外，我们还将深入探讨泛音、拨奏（Pizzicato）、禁用弱音器（Con Sordino）等特殊技巧在不同音乐语境下的表现力。对于多声部写作时，如何处理弦乐组内部的和声进行与声部交织，使其既清晰又饱满，将有详尽的范例分析。 二、木管组：色彩的魔法师 木管乐器以其多变的音色和灵活的演奏特性，为配器增添了无穷的色彩变化。本章将分别介绍长笛、双簧管、单簧管和巴松管。对于长笛，我们将关注其高音区的穿透力和低音区的柔和感；双簧管的标志性鼻音特质及在田园牧歌式旋律中的应用；单簧管（包括降B调、A调等）在不同调性下的音色差异与换指时的平衡问题；以及巴松管在低音区的支撑力和其富有个性的中高音区。重点内容包括木管乐器组内（如长笛与短笛的交替、双簧管与英国管的对比）的配对原则，以及如何利用它们的半音连接和特定指法来创造滑音或装饰音效。 三、铜管组：力量与辉煌的象征 圆号、小号、长号和大号代表了乐队中最具力量和冲击力的声部。圆号的融合性是其最大的特点，我们将研究如何使用圆号来平滑连接木管和铜管声部，以及弱奏时其如歌的特性。小号的明亮与穿透力，长号的中庸与威严，以及大号的深沉基础，都将在本章得到细致的讲解。特殊技巧如弱音器（Mute）的使用（直音、哇音、铅笔音等）将配以大量实例，说明其对音色和情感色彩的戏剧性影响。 四、打击乐组：节奏的骨架与声音的惊喜 打击乐组是配器中最容易被初学者忽视，却也是最能体现作曲家想象力的部分。我们不局限于传统的定音鼓和大鼓，而是扩展到常用的高音定音鼓、小军鼓、铙钹、钟琴、木琴、颤音琴等有明确音高的乐器。同时，大量非定音高的乐器（如三角铁、响板、砂槌、钢片琴）如何融入整体织体，起到节奏点缀或音色烘托作用，将作为核心内容进行讨论。本章强调的是“准确性”与“必要性”的平衡，避免因堆砌打击乐而破坏整体的音乐逻辑。 第二部分：配器的核心技术与艺术实践 在掌握了单个乐器的特性后，本部分转向如何将这些元素组合起来，形成有效的管弦乐写作。 五、音域的掌握与声部交错（Voicing） 成功的配器首先是清晰的声部进行。本书将提供详尽的各声部最佳音域、有效音域和极限音域图表。重点讨论“声部叠加”的原则：如何确保低音部有稳固的基础，中声部不被淹没，高声部具有穿透力。我们将解析“交叉进行”（Crossing Over）的利弊，何时允许声部交叉以达到特定的音色效果，何时必须保持声部的独立性。尤其关注木管与弦乐声部在音区相近时的平衡处理。 六、音色的叠加与融合（Timbres Blending） 这是配器的核心艺术。我们将系统分析“同类乐器组合”（如长笛与双簧管的对答）和“异类乐器组合”（如弦乐与木管的音色融合）。例如，如何利用巴松管的低音区与大提琴的最高音区进行连接，以达成“无缝”的低音部过渡；或者，如何用柔和的圆号来“包裹”单簧管的旋律，使其听感更为温暖。本书将深入探讨“音色透射”现象，即在高密度和弦中，某些乐器（如小号）容易“盖过”其他乐器，并提供具体的动态和配器解决方案。 七、织体密度与动态控制 音乐的厚薄、强弱变化是戏剧冲突的来源。我们将研究不同织体（如主调、复调、和声伴奏）如何影响听感。如何通过增加或减少配器层次来控制织体密度，例如，如何仅用三件木管乐器营造出比全乐队弱奏更具张力的效果。动态标记（p, mf, fff）在不同乐器组上的实际音响效果差异将被量化分析，确保配器后的实际音量符合作曲家的意图。 八、特殊效果与织体分解 本章探讨如何利用管弦乐队的灵活性来模仿非管弦乐的音响或创造独特的听觉体验。包括对位法的应用、对位声部的清晰度处理、分解和弦（Arpeggiation）的分配策略，以及如何使用稀疏的乐器配置（如Solo乐器配以长音和弦）来营造空间感和悬念。 第三部分：名家作品的剖析与案例研究 理论的最终检验在于实践。本书精选了数部不同时期、不同风格的管弦乐作品片段（如古典主义时期的清晰结构、浪漫主义时期的饱满色彩、印象主义时期的朦胧音响），进行深入的逐段分析。通过解析莫扎特、贝多芬、德彪西、拉威尔等大师如何解决配器中的关键问题，读者将能够建立起直观的“配器听觉库”，从而将所学原理灵活应用于自身的创作实践中。 目标读者： 高等音乐院校作曲、指挥、音乐学专业学生。 希望提升配器技能的影视、游戏配乐从业者。 对管弦乐编曲感兴趣的进阶音乐人。 本书强调理论与实践相结合，附带大量针对性的习题和配器方案的练习，旨在帮助读者从“学会如何写”到“写出有效的音乐”，真正掌握管弦乐配器的艺术精髓。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了一种近乎痴迷的状态，就是对着那些复杂的管弦乐总谱发呆，试图在二维的平面上想象出声音的立体结构。这本书的出现，简直是为我这种“视觉聆听者”量身定做的。我最欣赏的是它对和声结构的解构方式。它似乎不仅仅是呈现了“是什么音”，更进一步解释了“为什么是这个音”。比如在某一处典型的浪漫主义和声进行中，传统教材可能只标注了和弦名称，而这本书却用极其简洁的注释，点出了该和弦在整体织体中所扮演的“色彩调剂”角色，甚至是它与前后乐句情绪转折的微妙关系。这种深入骨髓的音乐理解力，已经超越了单纯的技术指导，更像是一位大师在耳边进行高屋建瓴的哲学思辨。当我试图用眼睛“阅读”那些密集的声部时，不再感到头晕目眩，反而能清晰地捕捉到不同声部间此消彼长的张力，仿佛能‘看见’大提琴的低语和圆号的呼唤是如何交织成一幅波澜壮阔的听觉画卷。

评分☆☆☆☆☆

我是一名古典音乐爱好者，偶尔也会尝试自己进行一些乐谱的赏析和“虚拟演奏”。对于我这样的非专业人士来说，很多专业总谱的阅读门槛太高了，密密麻麻的符号常常令人望而却步。这本书的伟大之处在于，它成功地架起了一座连接专业技术与业余欣赏的桥梁。尽管内容本身是为专业人士准备的，但其注释的详略得当，使得我们这些爱好者也能窥见交响作品创作的精妙之处。比如，它会用简短的文字解释某个复杂的对位技巧在听觉上会产生什么样的效果，比如“铜管组在此刻仿佛化身为坚固的城墙，支撑起上方木管如歌的旋律”。这种形象化的描述，极大地降低了理解的难度，让那些原本晦涩的记谱法变得生动起来。它不再是高高在上的学术殿堂里的孤本，而是能够走进普通音乐爱好者的客厅，激发我们更深层次的共鸣与喜爱。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我很少对练习曲抱有极大的热情，总觉得它们是通往技巧的枯燥阶梯。但这本书的“练习曲”部分，却给我带来了意想不到的惊喜。它不是那种机械地让你重复某个手指动作的僵硬练习，而更像是精心设计的“情境模拟”。我特别注意到其中一首标记为“风暴前夕”的练习，它要求演奏者在极快的速度下维持极弱的力度，这不仅仅考验指尖的控制，更像是在考验演奏者如何控制自己的呼吸和心跳。每一次练习，都像是在与作曲家本人进行一场无声的博弈，挑战你的极限，但又让你在突破极限后获得巨大的满足感。这些练习曲的设计充满了戏剧性，它们迫使你跳出舒适区，去探索乐器潜能的边界。相比于那些千篇一律的琶音和音阶练习，这里的每一页都像是一扇通往新奇声响世界的窗户，让人充满探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实是下了不少功夫的，封面选用了一种低调而富有质感的深蓝色，上面烫金的字体在光线下若隐若现，透露出一种古典乐谱特有的庄重感。内页的纸张选择也相当考究，不是那种廉价的泛白纸张，而是略带米黄色的特种纸，手感温润，即便是长时间翻阅也不会觉得刺眼。尤其值得称赞的是排版工艺，每一个音符、每一个休止符，乃至指挥记号的布局都清晰明了，线条流畅而精准。对于我们这些常年与乐谱打交道的演奏者来说，清晰的视觉呈现是学习效率的保证。我留意到，在一些复杂的对位段落，编者特意加粗了某些关键声部的线条，这在实际演奏中简直是救命稻草，省去了我用铅笔反复标记的麻烦。尽管我还没深入研究具体的音乐内容，但仅从这份匠心独运的物理呈现来看，它无疑是市面上少有的精品。这不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的艺术品，放在书架上，光是看着就让人心生敬畏，仿佛能听到那些宏伟的交响乐章在纸页间蓄势待发。

评分☆☆☆☆☆

从一位资深指挥学生的角度来看，这本书在宏观结构分析上的处理堪称一绝。很多时候，指挥学生面临的难题是如何在不被局部细节淹没的情况下，抓住作品的整体脉络和情绪走向。这本书在这方面做了大量的铺垫工作。它没有像某些百科全书那样堆砌冗长的历史背景，而是通过图示化的方式，清晰地展示了不同乐章之间的戏剧性联系，甚至对“希望之神”这一主题在作品中的演变轨迹进行了可视化处理。例如，它用一个简洁的“能量曲线图”，直观地描绘了第一乐章高潮的爆发点和随后的收束，这对于我排练小型乐队时分配呼吸和控制能量释放，提供了极其实用的参考。这使得我对作品的理解不再是片段化的记忆，而是一个有机的、不断呼吸的生命体。这种结构化的思维引导，是衡量一本严肃音乐教材价值的重要标准。