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日本Graphic社，甘卉，丁莲，徐墨 著

图书标签:

• 漫画技法
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• 绘画
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• 动漫
• 插画
• 基础
• 入门

店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500656715

商品编码：29918723747

包装：平装

出版时间：2004-10-01

基本信息

书名：新卡通漫画技法1

定价：26.00元

作者：日本Graphic社,甘卉,丁莲,徐墨

出版社：中国青年出版社

出版日期：2004-10-01

ISBN：9787500656715

字数：

页码：115

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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想要画出好的漫画作品，光掌握人物的基本结构和细部处理方法还是不够的。如何表现人物动态，并对人物进行后期加工，使作品更加完善，也是非常重要的。本篇对人物动态的表现进行了详细的介绍。从人体结构出发，深入浅出的对漫画中经常出现的人物动态进行了剖析。相信看完本篇，你笔下的漫画人物一定能活起来。网点纸是漫画后期加工的重要工具，本篇还教给大家网点纸的使用方法。今后面对令人眼花缭乱的网点纸，大家再也不会手忙脚乱了。

内容提要

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本系列图书引进日本漫画专业出版社“Graphic社”的版权，内容由日本知名漫画家联合撰写，是一套比较的，全面介绍*卡通漫画技法的丛书。
丛书分为五篇：《造型基础篇》、《表情刻画篇》、《动态捕捉篇》、《Q版人物篇》和《美少女造型篇》。
《造型基础篇》以绘制前期铅笔稿的技巧为主。从拿笔姿势开始，对漫画草稿的绘制进行了全面细致的解说。并通过正确与错误画法的对比教授给读者各种小技巧，特别是对人物面部的处理和人体比例结构的把握等技巧介绍更为详尽。
如今漫画已经成为广大青少年喜闻乐见的一种艺术表现形式，有越来越多的专业画家和业余爱好者投入到了卡通画的创作中。本套图书不但可以作为专业院校的参考教材，更是漫画初学者不可多得学习参考资料。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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绘梦启航：现代图像叙事与视觉设计深度解析 本书简介： 本书并非聚焦于传统意义上的“卡通漫画”技法，而是将视角投向当代视觉文化的核心——图像叙事、跨媒介设计以及数字时代的视觉语言构建。我们致力于提供一套面向未来的、兼具理论深度与实践广度的视觉创作指南，帮助读者理解并掌握在信息爆炸时代，如何通过精心设计的图像序列和视觉元素，有效地传达复杂信息、构建引人入胜的故事，并塑造独特的个人或品牌风格。 第一部分：视觉符号学与叙事结构重塑 本部分深入探讨了图像如何成为一种强大的语言。我们摒弃了对基础线条和形状的机械性教授，转而着眼于符号的生成、演变及其在不同文化语境下的解读差异。 第一章：图像的底层逻辑：从感知心理学到视觉语法 本章首先梳理了自启蒙运动以来，人类视觉认知机制的研究进展。我们不只是停留在“什么是美”的层面，而是探究“我们如何看到美”和“如何有效操纵观看者的注意力焦点”。重点解析格式塔心理学在当代界面设计和动态叙事中的应用，包括如何利用闭合原则、连续性原则来引导读者的视线流动。 视觉权力的转移： 分析在数字屏幕主导的媒介环境中，传统印刷时代对透视法和单点聚焦的依赖如何被碎片化、多视点、非线性的叙事结构所取代。 情感编码与色彩心理学： 深入剖析色彩在潜意识层面引发的生理反应和文化联想。讨论如何在没有文字的情况下，仅凭色调、饱和度和明度的组合来设定故事的基调（如冷峻的赛博朋克氛围、温暖的田园牧歌情境）。 光影的戏剧性： 研究光线不仅是照明工具，更是叙事节奏和人物内心状态的隐喻。探讨硬光、漫射光、边缘光在构建冲突和揭示信息中的作用，特别是在低保真（Lo-Fi）美学和高动态范围（HDR）表现之间的平衡。 第二章：超越分镜：动态序列与时间感知 成功的图像叙事，关键在于对“时间”的控制。本章聚焦于如何设计一系列静态图像，使其在读者心中产生运动的错觉和情感的递进。 节奏与间歇（Pacing and Pauses）： 详细分析帧间距、信息密度和留白（Negative Space）如何共同决定叙事的快慢。慢节奏的画面如何积累张力，快节奏的画面如何制造冲击。 视角的位移与角色引导： 探讨不同镜头语言（如特写、全景、过肩视角）在保持观众沉浸感的同时，如何实现视角间的平滑过渡，避免视觉上的“跳跃感”。 跨媒介的时间轴映射： 讨论如何在二维图像中模拟三维空间和时间的流逝，例如通过模糊、动态线、重影等技法，将时间维度“压缩”或“拉伸”到单张画面之中。 第二部分：数字时代的视觉语言与工具哲学 本部分将创作的焦点从“画什么”转向“如何用现代工具高效且有创意地实现视觉目标”。这涉及到对软件特性的深刻理解和对新兴媒介的适应。 第三章：材质模拟与纹理的触感设计 在高清数字屏幕上，如何让“看不见”的纹理变得可感，是当代视觉艺术面临的挑战。 数字笔刷的哲学： 探讨不同渲染引擎和笔刷设置如何模拟传统介质（如水彩、油画、铅笔、喷枪）的物理特性。重点在于理解参数控制（如抖动、流量、混合模式）如何替代传统工具的手感。 表面处理与物理真实感： 学习如何运用程序化纹理、法线贴图（Normal Maps）和环境光遮蔽（Ambient Occlusion）来赋予三维或伪三维空间以重量感和真实感，即使在高度风格化的设定下。 非物理的美学构建： 同时也研究故意打破物理规则的纹理处理，如霓虹灯的辉光、故障艺术（Glitch Art）的数字噪点，以及它们所携带的社会评论意义。 第四章：系统化设计与风格的工业化生产 在商业项目和系列创作中，一致性是专业性的体现。本章提供了一套将个人创意转化为可重复、可扩展的视觉系统的流程。 风格指南的建立（Style Bible）： 如何量化你的视觉语言？包括建立一套严格的色彩调色板、角色造型限制、透视规范以及光照预设。这套指南确保了从概念图到最终成品，视觉风格不偏移。 模块化设计思维： 探讨如何将复杂的场景和角色分解为可替换、可重用的视觉模块（如标准化的建筑构件、表情模板、背景元素），以提高创作效率，并降低不同阶段协作的难度。 版本控制与迭代管理： 在复杂的项目中，如何使用现代文件管理和版本控制工具（如Git for Assets, 云同步方案）来确保团队成员之间的工作同步和历史可追溯性，这是区别于个人爱好创作的关键一步。 第三部分：叙事前沿：互动性、沉浸感与未来形态 最后，本书展望了图像叙事在虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及新兴互动平台上的应用，强调创作者必须具备跨越媒介的思维。 第五章：互动叙事的张力与用户代理 当观众从被动接受者转变为主动参与者时，图像设计必须随之改变。 界面即叙事（UI as Narrative）： 分析在电子游戏、交互小说和App设计中，如何将菜单、信息提示、健康条等界面元素，设计成符合世界观的、不破坏沉浸感的视觉语言。 选择与后果的可视化： 探讨在分支叙事中，如何通过细微的视觉线索（如角色的瞳孔颜色变化、背景环境的细微扭曲）来暗示用户决策的重要性，即使该决策尚未明确触发。 沉浸式空间的构建： 研究在360度或全景视图中，如何利用景深、引导线和环境信息密度来管理观众在无边界空间中的注意力分配。 第六章：数据可视化与情感信息的提炼 在信息时代，图像不仅用于娱乐，更用于解释复杂的世界。 从数据到洞察的视觉桥梁： 学习如何将复杂的统计数据、流程图、科学模型，转化为直观、易懂且富有美感的图形表达。重点在于避免“纯粹的美化”而牺牲“准确性”。 信息流动的地图绘制： 运用网络图、流程图、时间轴图等结构化工具，设计出清晰展示因果链条和信息层级的视觉框架。 情感化数据呈现： 探讨如何通过艺术化的手法，让严肃的数据报告也能引起读者的情感共鸣，从而增强信息被记住和传播的几率。 本书旨在培养的是具备高度视觉敏感度、掌握前沿技术工具、并能系统化思考叙事架构的视觉策略师和创作者。我们关注的是“如何用图像解决问题”，而非仅仅是“如何画出好看的图画”。

评分☆☆☆☆☆

评价四： 作为一名在漫画创作道路上摸索了多年的爱好者，我一直希望能找到一本能够真正帮助我突破瓶颈的教程。《新卡通漫画技法1》这本书，可以说是让我眼前一亮。它并没有像一些教程那样，只停留在“画一个圆，画一个三角”的层面，而是更加注重漫画的“表现力”和“故事性”。书中对于如何运用夸张和变形来强化人物的情感，以及如何通过动态的线条来表现人物的内心状态，都进行了非常深入的剖析。我特别欣赏书中对“动态瞬间”的捕捉技巧的讲解，它不仅仅是画出人物的动作，更是如何将动作的“力量”、“速度”、“惯性”等感觉通过画面传递出来。这让我意识到，好的漫画，不仅仅是静态的图画，更是流动的生命。此外，书中还讲解了如何通过构图来引导读者的视线，以及如何运用光影来烘托气氛，这些都是我之前比较忽视的方面。它让我明白，一个好的画面，不仅仅是线条和色彩的堆砌，更是思想和情感的表达。这本书就像一位经验丰富的导演，教会我如何用画笔去“讲故事”，如何去“塑造”我的漫画角色，让他们的形象更加立体，更加能够打动人心。我感觉自己的创作思路被极大地拓宽了。

评分☆☆☆☆☆

评价三： 我是一名对绘画充满热情但一直缺乏系统指导的业余爱好者，偶然间看到了《新卡通漫画技法1》这本书，立刻被它的内容所吸引。它不仅仅是一本画技教程，更像是一位老朋友在分享他的创作心得。书中对于初学者常遇到的瓶颈，比如人物比例失调、表情呆板、动作僵硬等问题，都给出了非常实用且易于理解的解决方案。我最喜欢的是它在讲解透视方面的章节，用非常形象的比喻和生动的插图，把原本枯燥的几何学原理变得简单易懂。我过去在画场景时，总是觉得空间感不对，画面看起来很“平”，但看了这本书，我才意识到透视的重要性，并且学会了如何利用一点透视、两点透视来营造出画面的纵深感。另外，书中对线条的运用也进行了深入的讲解，强调了不同线条的粗细、虚实变化如何影响画面的情感表达。比如，柔和的曲线可以表现出温柔，而锐利的折线则可以传达出力量感。这些细节的讲解，让我感觉自己对绘画的理解又上了一个层次。而且，书中的范例也很多样，涵盖了不同风格的卡通漫画，让我能够从中找到自己喜欢的方向，并尝试去模仿和学习。我能感觉到，这本书是真的站在读者的角度去思考，去解决我们学习过程中会遇到的实际问题。

评分☆☆☆☆☆

评价二： 拿到《新卡通漫画技法1》后，迫不及待地翻阅起来。这本书的封面就很有吸引力，色彩鲜艳，线条流畅，一看就是那种能激发创作灵感的类型。我尤其关注的是书中对“卡通”这个概念的解读，以及如何将其融入到漫画创作中。很多时候，我们追求写实，反而忽略了卡通的夸张和变形所能带来的表现力。这本书在这方面做得非常出色，它并没有一味地追求“可爱”，而是强调了卡通风格的“表现力”和“动态感”。比如在讲解人物的头部造型时，它不仅仅展示了各种脸型的画法，还结合了不同的发型和五官搭配，以及如何通过这些元素来塑造人物的性格，这一点对我来说非常受用。我一直觉得，一个好的卡通角色，首先要有鲜明的个性和辨识度。这本书在这方面提供的思路和方法，让我豁然开朗。它还讲到了如何通过简单的线条勾勒出富有生命力的身体，以及如何运用明暗关系来增强画面的立体感和空间感。最让我惊喜的是，书中还包含了一些关于背景和场景的绘制技巧，这往往是很多初学者容易忽略的部分。但一个完整的漫画作品，离不开生动的场景，《新卡通漫画技法1》在这方面的讲解，让我看到了构建完整漫画世界的可能性。我感觉这本书不仅能教会我画技，更能启发我如何去思考和设计一个完整的漫画形象。

评分☆☆☆☆☆

评价一： 终于收到盼了好久的《新卡通漫画技法1》了！打开的那一刻，那种新书特有的油墨香混合着纸张的清香，瞬间就把我带入了那个充满想象和色彩的漫画世界。我一直是个漫画爱好者，从小学就开始在课本的空白页涂鸦，到现在仍然保留着这个习惯，只是涂鸦的内容变得越来越复杂，也越来越想把脑海里的故事和角色画出来。市面上关于漫画技法的书不在少数，但我总觉得很多都太过理论化，或者内容陈旧，跟不上现在流行的卡通风格。这次拿到《新卡通漫画技法1》，我抱着试一试的心态，但看到它的排版和内容，立刻就觉得是我想找的那本！它不像那种枯燥的教程，而是用一种非常直观、生动的方式来讲解，图例非常多，而且都紧扣着讲解的内容。比如在讲人物比例的时候，它不仅仅给出了几个固定的比例尺，还结合了不同年龄段、不同风格的人物进行示范，让你能理解到比例的灵活运用，而不是死记硬背。还有在讲解表情的时候，它把各种细微的面部肌肉变化都画了出来，让你能清晰地看到一个笑容是怎么从嘴角开始，牵动眼角，变成一个生动活泼的表情。我最喜欢的是它在讲解肢体动作部分，不仅仅是摆出几个pose，而是通过连续的动态图，让你看到一个动作的流畅性是如何形成的，比如跳跃、奔跑，甚至是微小的身体晃动，都处理得非常到位。感觉这本书就像一位经验丰富的老师，循循善诱地引导着我，让我从零基础也能逐渐掌握到漫画创作的核心技巧。

评分☆☆☆☆☆

评价五： 收到《新卡通漫画技法1》这本书，感觉像是挖到宝藏一般。我一直对漫画非常着迷，尤其喜欢那种充满想象力和戏剧张力的作品。但自己尝试创作时，总觉得画面缺乏灵动感，人物表情也显得有些僵硬。这本书的出现，简直是及时雨！它非常细致地讲解了如何从基础的结构开始，一步步构建出富有生命力的人物身体，并且强调了人体比例的“灵活性”和“变化性”，这让我明白了为什么有些漫画角色看起来那么生动，而我画的却总是显得死板。我尤其喜欢它在讲解表情刻画的部分，它不仅仅列举了各种表情，更重要的是分析了形成这些表情的肌肉运动，让我能够更深入地理解如何在脸上“注入”情感。而且，书中对漫画的“节奏感”的理解也让我受益匪浅，它教会我如何通过画面大小、构图角度、以及线条的疏密来控制故事的进展速度，让读者能够更好地沉浸在故事之中。这本书的语言风格也十分亲切，没有那些晦涩难懂的术语，而是用通俗易懂的方式来解释复杂的技法，让人读起来轻松愉快，一点都不会感到枯燥。我感觉这本书不仅仅是在教授绘画技巧，更是在传递一种漫画创作的思维方式，让我对未来的漫画创作充满了信心和期待。