BF-画花入门-邱晓葵,潘吾华 中国电力出版社 9787512349650 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邱晓葵，潘吾华 著

图书标签:

• 绘画
• 花卉
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• 植物
• 艺术
• 教学

店铺： 华裕京通图书专营店

出版社： 中国电力出版社

ISBN：9787512349650

商品编码：29944547323

包装：平装-胶订

出版时间：2014-01-01

图书基本信息
图书名称	画花入门	作者	邱晓葵,潘吾华
定价	28.00元	出版社	中国电力出版社
ISBN	9787512349650	出版日期	2014-01-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-胶订

内容简介

此书为画家潘吾华教授针对国画花卉爱好者精心编写的一本绘画入门教程。书中从练线、构图、渲染到试着创作画，再到画的装裱，分步骤、由简到繁、通过众多范例读者走进花卉世界。书中在教授大家绘画方法的同时，也指导大家如何将画作装裱，如何用画作布置与装扮室内空间，并附有相关图片，供读者动手参与。 　　本书适合不同年龄阶段的读者阅读，尤其是中老年朋友。作者以75岁长者的风范，以众多易学易懂的范例，以退休后“梦才开始”的热爱与执著，为所有人树立了一种榜样。只要你拥有一份对花卉热爱，便可拿起来手中的笔，迈出花卉绘画的*步。

作者简介

潘吾华，清华大学美术学院教授。1928年生，1963年毕业于中央工艺美术学院（现清华大学美术学院），1977年至2001年执教于清华大学美术学院。现任中国室内装饰协会陈设艺术委员会顾问，全国软装设计委员会特邀专家，北京女画家联谊会理事，中国美术家协会会员，中国女画家协会会员。潘吾华自幼习画，擅画花卉，退休后更潜心研习花卉绘画，其作品在传统工笔画的基础上加以创新，富于现代感。

目录

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编辑推荐

随着社会发展，人们娱乐生活丰富多彩，随之派生出的活动形式多种多样，其中以工笔国画花卉为主的绘画爱好不仅为生活增添了一抹色彩，同时也陶冶了人们的情操。工笔花卉，是中国画的一种画法，讲究技法工整细致。其以精谨细腻的笔法描绘花卉的中国画表现方式深得历代名家喜爱。工笔画一般步骤虽少，但要完成一幅作品需要反复的敷色，层层渲染，从而取得形神兼备的艺术效果。所谓慢功出细活，正是能体现这类画派。它的难易程度适中，易为大众所接受及追捧。且书中还会结合作者过去的丰富经验对绘画作品的室内摆放进行详解，依据迥异的花卉特点装饰出不同的意境。无论是对读者本身对工笔花卉的自我学习，还是对自我房间的装饰，皆是两全其美的事情。

文摘

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序言

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穿越时空的交响：西方古典音乐导赏手册 作者： 艾尔莎·范德比尔特 出版社： 寰宇文化精选 ISBN： 978-1-938765-22-3 --- 导言：聆听不朽的对话 本书并非一部枯燥的年代史，亦非高深的乐理教科书。它是一张邀请函，邀请所有对西方古典音乐怀抱好奇心，却不知如何入门的读者，共同开启一场跨越数百年历史的听觉盛宴。从巴洛克时期的华丽繁复，到古典主义的结构严谨，再到浪漫主义的汹涌情感，直至二十世纪的实验与革新，西方古典音乐如同一个不断自我迭代的庞大宇宙。 我们深知，面对海德恩、莫扎特、贝多芬的宏伟篇章，或是德彪西、斯特拉文斯基的崭新声响，初听者常感迷茫。此书的宗旨，便是充当一位耐心且富有激情的向导，不预设任何深厚的音乐背景，以最平易近人的语言，勾勒出这部宏大艺术史的清晰脉络，并引导听众学会“如何聆听”。 第一部分：奠基时代——中世纪与文艺复兴的幽光 在探讨“古典音乐”的正式开端之前，我们必须追溯其源头。 第一章：格里高利圣咏与早期的声部（约公元500年-1400年） 本章将聚焦于宗教音乐的统治地位。我们将探讨单音音乐（Monophony）的纯粹之美，以及奥尔加农（Organum）的萌芽如何为复调音乐的诞生铺平道路。重点解析阿奎坦的皮埃尔（Pierre de la Croix）等早期作曲家如何开始对节奏进行探索。 第二章：人性的觉醒——文艺复兴的和谐（约1400年-1600年） 随着人文主义的兴起，音乐开始从教堂的阴影中走出，进入贵族沙龙。本章详述了“模仿曲式”（Imitative counterpoint）的成熟，重点分析了奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）的弥撒曲和经文歌，解析这些作品中如何体现对文本的细腻处理和人声声部的平衡艺术。 第二部分：巴洛克的光辉与张力（1600年-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满戏剧性、装饰性与结构化思辨的时代。 第三章：歌剧的诞生与炫技的时代 我们将详细追溯歌剧在佛罗伦萨的起源，解析“通奏低音”（Basso Continuo）这一核心技法的确立，它是巴洛克音乐的“骨架”。重点剖析蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的《奥尔费奥》中，如何将戏剧性宣叙调（Recitative）与抒情咏叹调（Aria）完美结合。 第四章：对位法的巅峰——巴赫的精妙结构 本章深入解析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的艺术成就。我们不会深陷于复杂的对位法原理，而是侧重于欣赏《赋格的艺术》中逻辑的严密性与情感的深度。此外，对《平均律键盘曲集》的分析，将展示十二平均律如何为后世的作曲家提供了前所未有的和声自由。 第五章：协奏曲的魅力——维瓦尔第与韩德尔 这一章关注器乐的发展。维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的《四季》如何通过音乐描绘自然景象，以及亨德尔（George Frideric Handel）的清唱剧（如《弥赛亚》）如何将宏大的合唱与精巧的独奏结合，创造出震撼人心的戏剧效果。 第三部分：古典主义的黄金比例（1750年-1820年） 古典主义是追求清晰、平衡、结构完美与普遍性情感的时代，以“维也纳三杰”为核心。 第六章：奏鸣曲式的结构美学 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的基石。本章将以清晰的图表辅助，解释呈示部、展开部、再现部的功能，帮助听众理解海德恩（Joseph Haydn）如何系统化地构建了四乐章交响曲的范式，使音乐叙事逻辑清晰。 第七章：莫扎特的“轻盈”与深度 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）的作品常被误解为“轻松愉快”。本章旨在揭示其音乐中蕴含的深刻人性洞察与精妙的对位技巧，特别是在其晚期歌剧（如《费加罗的婚礼》）中，如何通过音乐的细微变化刻画复杂的人物性格。 第八章：贝多芬的过渡与革命 路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）被视为连接古典与浪漫的桥梁。我们将分析他如何打破既有形式的限制，特别是从“英雄式”的第三号交响曲到展现个人意志的《第五号交响曲》，探讨“发展”这一概念在音乐结构中的重要性。 第四部分：浪漫主义的激情与个性（1820年-1900年） 浪漫主义是对理性秩序的反叛，是对个人情感、自然崇拜、异域风情和超自然现象的狂热探索。 第九章：抒情主导：艺术歌曲与钢琴诗篇 本章聚焦于体裁的“微观化”。舒伯特（Franz Schubert）如何将诗歌与旋律融为一体，创造出艺术歌曲（Lied）的巅峰。同时，肖邦（Frédéric Chopin）的夜曲和玛祖卡，将钢琴这一乐器推向了前所未有的抒情表达极限。 第十章：交响诗与“标题音乐”的兴起 李斯特（Franz Liszt）发明的交响诗，彻底解放了器乐的叙事功能。本章分析了“主导动机”（Leitmotif）在柏辽兹（Hector Berlioz）的《幻想交响曲》中的应用，以及瓦格纳（Richard Wagner）的“未完成的旋律”对后世音乐戏剧的深远影响。 第十一章：民族乐派的土壤与色彩 十九世纪下半叶，各国的作曲家开始挖掘本土的民间音乐元素，以对抗德奥音乐的主导地位。我们将探究德沃夏克（Antonín Dvořák）的“新大陆”旋律、柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）的俄式忧郁，以及格里格（Edvard Grieg）对挪威民间音乐的运用。 第五部分：现代的边界拓展（二十世纪至今） 二十世纪的音乐是思想最为解放、技法最为多元化的时期。 第十二章：从印象到断裂：德彪西与斯特拉文斯基 克劳德·德彪西（Claude Debussy）如何通过模糊调性、使用全音阶和五声音阶，营造出“印象派”的声响光影。紧接着，伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》如何以其原始的节奏冲击和非功能性和声，彻底颠覆了音乐的既有审美。 第十三章：调性的终结与十二音体系 本章探讨阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）如何从晚期浪漫主义转向无调性（Atonality），并最终确立了十二音序列技术（Twelve-tone technique），这是一种试图在后调性时代建立新秩序的严肃尝试。 第十四章：声音的探索与电子的前沿 我们将简要介绍皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）的序列音乐的严谨性，约翰·凯奇（John Cage）对“机会”和“寂静”的哲学探讨（如《4'33"》），以及电子音乐和音乐拼贴技术如何将录音室本身变成了一种乐器。 结语：每一次聆听都是一次发现 西方古典音乐的历史，是一部关于人类精神如何通过声音表达其复杂性的编年史。本书的目的，是提供一把钥匙，让读者能够自信地走进音乐厅，不再是被动的接受者，而是主动的参与者和对话者。理解了形式，便能更好地沉浸于情感；了解了历史背景，方能体会每一个音符选择的伟大。最好的入门方式，永远是去聆听。在这些不朽的声音中，你将发现属于自己的、永恒的启示。 --- 附录：推荐聆听清单 （包含巴洛克、古典、浪漫、现代不同时期的标志性作品简短推荐，侧重于不同作曲家的“代表性曲目”而非最著名的曲目，以引导深度探索。）

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和实践指导都达到了一个令人惊叹的水平。它不仅仅是一本简单的“如何画花”的教程，更像是一部关于花卉美学的百科全书。作者们在书中深入浅出地讲解了植物学的基本知识，比如不同种类花卉的生长习性、它们在自然界中的生态位，甚至还涉及了一些关于花卉在文学艺术作品中象征意义的探讨。这让我意识到，要画好一朵花，不仅仅是掌握技巧，更要理解它的生命力和它所承载的文化内涵。书中的插图精美绝伦，每一幅都充满了艺术家的功力，不仅是范例，更是一种视觉的享受。我尤其欣赏作者们在讲解过程中所展现出的严谨态度，他们对每一个细节都力求准确，从花蕊的微小结构到叶片的脉络走向，都一丝不苟。同时，他们又不会让这些学术性的内容变得枯燥乏味，而是巧妙地将它们融入到绘画的实践过程中，让读者在学习技巧的同时，也能潜移默化地吸收知识。读这本书，感觉像是在和两位经验丰富的艺术家进行一次深度交流，他们的学识、经验和对艺术的热情都深深地感染了我。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式和知识呈现方式让我耳目一新。它不像传统的绘画教程那样，一上来就告诉你“怎么画”，而是通过讲述一些关于花的有趣故事，或者分享一些与花相关的个人经历，来慢慢引导读者进入绘画的世界。这种方式非常具有亲和力，让我觉得学习绘画的过程不再是枯燥的模仿，而是一种充满趣味的探索。邱晓葵和潘吾华老师的文字风格朴实而富有感染力，他们用非常生活化的语言来解释复杂的绘画原理，让我这个绘画“小白”也能轻松理解。我印象特别深刻的是书中关于“意境”的论述，作者们强调，画花不仅仅是形似，更要神似，要通过画面传达出一种情绪，一种氛围。他们举了很多例子，比如如何用不同的笔触来表现花朵的“娇羞”或者“热烈”，如何用构图来营造画面的“宁静”或者“生机”。这种对艺术情感的挖掘和表达，让我对绘画的理解上升到了一个新的高度。读这本书，就像是在听两位老朋友聊天，分享他们对生活和艺术的热爱，而恰巧，他们又是一位非常厉害的花卉画家。

评分☆☆☆☆☆

我之所以对这本书如此推崇，是因为它提供了一种非常“生态”的学习路径。它没有强迫你一开始就去画出多么复杂的画面，而是从最基本的花朵的“生长”开始讲起。书中有大量关于不同花卉不同角度的写生和写意图例，每一个图例都附带了作者的创作思路和技巧解析。我特别惊喜地发现，书中还包含了一些关于如何“观察”花的章节，它引导我去注意花的纹理、光泽、以及它们在不同光线下的色彩变化。这让我意识到，很多时候，绘画的成功与否，取决于你有没有真正“看懂”你要画的对象。书中的构图指导也十分精炼，它教我如何在一张纸上合理地安排花朵的位置，如何通过留白来强调主体，如何利用线条的粗细和方向来引导视线。总而言之，这本书不仅仅是关于“画花”这个动作，更是关于如何“理解花”和“感受花”的全方位指导。它为我打开了一扇通往花卉绘画世界的大门，让我看到了无限的可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本《BF-画花入门》给我的感觉是，它在追求艺术的极致同时，又非常注重对大众的普及。作者们并没有因为是“入门”而降低内容的深度，相反，他们以一种非常开放和包容的态度，将自己对花卉绘画的理解毫无保留地分享出来。书中对于不同绘画工具的运用，比如水墨、彩铅、水彩等等，都有非常详细的讲解和示范，并且还对比了它们各自的特点和表现力。这让我在选择绘画工具的时候，有了更清晰的认识。我特别喜欢其中关于“失败”的讨论，作者们坦诚地分享了他们在学习过程中遇到的困难和挫折，以及他们是如何克服这些困难的。这让我在自己遇到瓶颈的时候，不会感到沮丧，而是觉得有人和我一样，并且他们已经找到了解决办法。这本书的排版设计也非常人性化，每一页都充满了艺术感，文字和插图的搭配非常协调，让人阅读起来非常舒服。总的来说，这本书是一本非常“实在”的书，它为你提供了扎实的理论基础，丰富的实践经验，以及最重要的——一颗热爱绘画的心。

评分☆☆☆☆☆

这本《BF-画花入门》让我对花的形态和色彩有了全新的认识。在翻阅之前，我对绘画花卉一直停留在比较表面的理解，觉得就是描摹花瓣的形状，然后涂上颜色。但这本书从一开始就强调了花的结构，包括花萼、花瓣、雄蕊、雌蕊的比例关系，以及它们在不同生长阶段的变化。邱晓葵和潘吾华老师的讲解非常细致，他们不仅展示了写实的花卉画法，还涉及了一些写意技法的运用，比如用笔墨的浓淡干湿来表现花的质感和层次。我特别喜欢其中关于花卉色彩搭配的部分，书中列举了很多经典的花卉色彩组合，并解释了为什么这些组合看起来那么和谐，比如冷暖色的对比如何产生视觉冲击力，同类色之间的微妙变化又如何体现出细腻的情感。此外，他们还分享了一些实用的技巧，比如如何快速捕捉花的动态，如何在画面中营造出光影效果，让花朵看起来栩栩如生。这本书不仅仅是教你画花，更是让你学会观察花，理解花，用画笔去表达对花的热爱。对于我这样一个绘画初学者来说，这本书简直就是一座宝库，让我找到了前进的方向和信心。