{RT}现代摄影基础-靳庆金,李华春 辽宁美术出版社 9787531443766 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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靳庆金，李华春 著

图书标签:

• 摄影
• 基础
• 现代摄影
• 靳庆金
• 李华春
• 辽宁美术出版社
• 教材
• 摄影技术
• 摄影理论
• 艺术设计

店铺： 华裕京通图书专营店

出版社： 辽宁美术出版社

ISBN：9787531443766

商品编码：30124264352

包装：平装

出版时间：2009-08-01

图书基本信息
图书名称	现代摄影基础	作者	靳庆金,李华春
定价	54.00元	出版社	辽宁美术出版社
ISBN	9787531443766	出版日期	2009-08-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装

内容简介

当我们把美术院校所进行的美术教育当做当代文化景观的一部分时，就不难发现，美术教育如果也能呈现或继续保持良性发展的话，则非要“约束”和“开放”并行不可。所谓约束，指的是从经典出发再造经典，而不是一味地兼收并蓄；开放，则意味着学习研究所必须具备的眼界和姿态。这看似矛盾的两面，其实一起推动着我们的美术教育向着良性和深入演化发展。这里，我们所说的美术教育其实有两个方面的含义：其一，技能的承袭和创造，这可以说是我国现有的教育体制和教学内容的主要部分；其二，则是建立在美学意义上对所谓艺术人生的把握和度量，在学习艺术的规律性技能的同时获得思维的解放，在思维解放的同时求得空前的创造力。由于众所周知的原因，我们的教育往往以前者为主，这并没有错，只是我们更需要做的一方面是将技能性课程进行系统化、当代化的转换；另一方面需要将艺术思维、设计理念等这些由“虚”而“实”体现艺术教育的精髓的东西，融入我们的日常教学和艺术体验之中。 美术教育其实有两个方面的含义：其一，技能的承袭和创造，这可以说是我国现有的教育体制和教学内容的主要部分；其二，则是建立在美学意义上对所谓艺术人生的把握和度量，在学习艺术的规律性技能的同时获得思维的解放，在思维解放的同时求得空前的创造力。

作者简介

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目录

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编辑推荐

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文摘

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序言

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光影的语言：现代摄影的视觉探索与实践 本书精选内容涵盖： 第一部分：摄影的本质与历史演进 1. 视觉的起源：从洞穴壁画到光影记录 人类对“观看”的渴望： 追溯人类记录世界的基本冲动，从早期的绘画、雕塑，到机械复制时代的萌芽。探讨视觉在信息传递中的核心地位。 化学的魔力： 详细介绍早期感光材料的发展历程，包括银盐感光乳剂的发现与应用，以及达盖尔法、塔尔博特法等早期摄影术的原理和局限性。 摄影术的诞生与社会冲击： 分析19世纪中叶摄影技术如何被确立为一种独立的艺术与科学媒介。重点阐述其对肖像、新闻记录乃至科学观察方式产生的颠覆性影响。 2. 媒介的进化：从手工艺到工业产品 湿版、干板与胶片的普及： 深入剖析从易碎的玻璃底片到柔性胶片材料的转变，这一转变如何使摄影走向大众化和便携化。 新闻摄影的兴起： 探讨徕卡等小型相机问世后，摄影如何进入动态事件的捕捉领域，以及纪实摄影作为社会见证力量的崛起。 色彩的引入与争论： 梳理彩色摄影技术的发展脉络，分析早期摄影界对于“纯粹性”与“真实性”的讨论，以及色彩如何拓宽了摄影的表现空间。 第二部分：技术基础与光学原理 3. 相机系统的解构与运作 相机类型剖析： 详细对比单反（SLR/DSLR）、无反（Mirrorless）、中画幅、大画幅以及特种相机（如全景、拍立得）的结构、优势与适用场景。 镜头：眼睛的延伸： 讲解镜头结构，包括焦距、光圈叶片、光学设计（如非球面镜片、低色散镜片）。重点阐述广角、标准、长焦镜头在透视感和景深控制上的差异。 光圈、快门与感光度（曝光三角）： 深入解析这三大要素如何相互制约，共同决定最终影像的亮度、清晰度和运动捕捉能力。提供大量实际拍摄中的曝光组合案例分析。 4. 焦点与清晰度的掌控 对焦系统的理解： 探讨手动对焦、自动对焦的工作原理，以及区域对焦（超焦距）在街头和快速抓拍中的应用。 景深管理： 不仅停留在数学公式层面，更侧重于如何运用景深来引导观众视线，分离主体与背景，实现虚化（Bokeh）效果的艺术表达。 锐度与分辨率： 分析影响图像清晰度的诸多因素，包括镜头素质、传感器规格、衍射现象以及后期锐化处理的恰当尺度。 第三部分：光线的艺术与感知 5. 光的本质与特性 光线的物理属性： 介绍光线的强度、方向、色温和质量（硬光与柔光）对影调和情绪的影响。 自然光——摄影师的永恒画布： 细致分析不同时间（日出、正午、黄金时段、蓝调时刻）自然光线的特点，以及如何通过预测光线变化来安排拍摄。 影调的构建： 探讨如何通过曝光控制来塑造画面中的高光、中间调和阴影层次，实现从高调、低调到富有层次感的复杂影调。 6. 人造光的运用与创造 影室灯光的标准配置： 详解主光、辅光、轮廓光、背景光等基本布光模式（如伦勃朗布光、蝴蝶光、平光）的设置技巧和视觉效果。 闪光灯的灵活性： 介绍内置闪光灯、热靴闪光灯、影室灯的特点，以及跳闪、反光板、柔光罩等附件对光线塑形的作用。 混合光源的平衡： 探讨在复杂环境（如室内外混合照明）下，如何通过调整色温和曝光来协调不同光源，达到和谐的视觉效果。 第四部分：构图、视角与叙事 7. 引导视线的空间组织 经典的构图法则： 深入解析三分法、黄金分割、对称与平衡、框架式构图等基本框架，并讨论在何种情况下应打破这些规则。 线条、形状与纹理的应用： 分析引导线如何带领观众的目光穿越画面，以及形状和纹理如何增加画面的触感和深度。 留白与负空间的哲学： 探讨在现代极简主义美学中，非主体区域（负空间）如何平衡主体，赋予画面呼吸感和思考余地。 8. 视角与身体经验 高低起伏的变化： 强调从仰视、俯视、平视中选择最能表达主题的视角。例如，低角度如何增强主体的高度和权威感。 景别对信息量的控制： 区分特写、中景、全景等不同景别，理解它们在信息密度和情感传达上的差异。 动态与瞬间的捕捉： 探讨如何通过精确的快门速度控制来凝固瞬间，或通过慢速快门来表达时间流逝的运动感。 第五部分：数码时代的后期处理 9. RAW与图像的数字化流程 理解RAW文件的优势： 解释RAW文件作为“数字底片”的特性，包括其宽广的动态范围和色彩信息深度。 工作流程的建立： 介绍从文件导入、校色（白平衡、色彩空间）、曝光微调到降噪、锐化的完整数字化处理流程。 输出与展示： 讨论屏幕显示（色彩管理、ICC配置文件）和打印输出之间的差异与校准方法，确保最终作品的视觉一致性。 10. 风格的提炼与个人印记 色彩的心理学： 分析不同色彩倾向（高饱和度、低饱和度、单色调、特定色偏）对观众情绪的影响。 黑白摄影的再认识： 探讨黑白处理不仅仅是去色，更是对光影、纹理和形式的极端提纯过程，如何发掘图像的内在结构。 形成独特“视点”： 鼓励学习者超越技术模仿，通过持续的拍摄实践和对主题的深入理解，最终发展出具有个人辨识度的视觉语言和风格。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，一本优秀的摄影书籍，不仅要传授技术，更要能够激发读者的创作热情。这本书在这方面做得非常出色。它没有像某些书籍那样，上来就讲一堆复杂的原理，而是从最基础、最贴近生活的拍摄场景入手，循序渐进地引导读者掌握摄影的要领。比如，书中关于“人像摄影”的那几页，不仅讲解了如何打光、如何捕捉人物神态，还提供了一些有趣的互动性练习，鼓励读者在与家人朋友的合影中尝试运用书中的技巧。让我印象深刻的是，书中还鼓励读者去“讲故事”，用照片来传达情感和信息。它不仅仅是教你怎么拍一张好看的照片，更是引导你去思考“这张照片想说什么”。书中还引用了许多不同风格的摄影作品，并且对它们的创作理念进行了深入的剖析，这极大地拓展了我的视野，让我看到了摄影的无限可能性。我甚至觉得，这本书不仅仅是一本摄影入门书，更是一本关于如何发现美、记录美、以及创造美的生活指南。读完这本书，我感觉自己对周围的世界有了新的认识，也更有勇气去拿起相机，去捕捉那些稍纵即逝的精彩瞬间。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的惊喜在于，它颠覆了我之前对摄影教材的刻板印象。我原本以为摄影基础的讲解会偏向技术性，充斥着各种晦涩的术语和复杂的参数设置，但这本书的叙述方式却非常流畅和接地气。作者在讲解白平衡、曝光补偿这些核心概念时，并没有止步于理论的陈述，而是花了大量的篇幅去阐述它们在实际拍摄中的应用。我印象特别深刻的是关于“曝光补偿”的那部分，它通过不同场景下相机测光表可能出现的误判，以及如何通过手动调整曝光补偿来获得准确曝光的实例，让我豁然开朗。书中还鼓励读者进行大量的实践，并且提供了许多可以直接套用的拍摄思路和技巧，比如，在拍摄日落时，如何巧妙地利用剪影效果来增强画面的戏剧性，或者在室内拍摄时，如何利用自然光来营造柔和的氛围。这些内容都非常实用，让我在实际操作中少走了很多弯路。此外，书中还涉及了一些关于构图的经典法则，例如“三分法”、“黄金分割”，并且通过大量的优秀摄影作品进行图解，让我能更清晰地理解这些法则的运用。更值得一提的是，作者还鼓励读者打破常规，在掌握基本规则的基础上进行创新，这对于培养摄影师的独立思考能力和创造力至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值在于，它不仅教授摄影的技术，更注重培养读者的“摄影眼”。作者在书中花了很大的篇幅去探讨“如何观察世界”以及“如何用镜头去表达”。我发现，很多时候我们之所以拍不出满意的照片，并不是因为技术不行，而是因为我们没有真正“看到”眼前的景物。书中通过分析一些优秀作品的构图、光影运用和色彩搭配，引导我们去思考创作者是如何捕捉到那一瞬间的“意义”。比如，在讲解“光线的运用”时，作者并没有仅仅停留在说明顺光、逆光、侧光的效果，而是深入探讨了不同光线下的情绪表达。柔和的散射光可以营造温馨宁静的氛围，而硬朗的直射光则可能带来强烈的戏剧感。书中还提供了大量的练习题，鼓励我们在日常生活中去捕捉不同光线下的细节，并且记录下自己的感受。此外，书中对于“色彩心理学”的介绍也让我耳目一新，它解释了不同颜色在画面中传递的情感信息，以及如何通过色彩的对比和协调来增强画面的感染力。这种从“观察”到“表达”的引导，让我觉得这本书不仅仅是一本摄影教材，更是一本关于如何用视觉语言与世界沟通的书。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本书，我最直观的感受就是它并非一本简单堆砌理论的“厚重”之作。相反，编辑的排版和图文结合的方式，让我这个摄影小白也能快速抓住重点。书中的案例分析特别扎实，选取了许多生活中常见的场景，比如光影下的静物、户外人像的捕捉，甚至是一些看似平凡的风景，都被作者赋予了不同的解读视角。我尤其喜欢其中关于“景深控制”的那几页，作者没有用枯燥的公式来轰炸读者，而是通过对比不同光圈下的成像效果，直观地展示了虚化背景如何突出主体，以及景深在构图中的重要作用。这种“看得见、摸得着”的教学方式，让我学习摄影的门槛瞬间降低了不少。而且，书中对于不同镜头焦段的讲解也十分到位，它不是简单地告诉你长焦适合拍什么，广角适合拍什么，而是深入剖析了不同焦段对画面透视感、空间压缩感的影响，以及如何在实际拍摄中利用这些特性来创造更具表现力的影像。比如，书中有一节讲到如何利用广角镜头捕捉建筑的宏伟感，以及如何通过调整拍摄角度来避免变形，这对我平日里拍摄城市风光非常有启发。总而言之，这本书就像是一位经验丰富的朋友，循循善诱地引导你进入摄影的世界，让你在实践中不断进步，找到属于自己的影像语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的，是它对于“后期处理”的态度和讲解。我之前一直觉得摄影后期是一个很神秘且复杂的领域，而这本书则将它拆解得非常清晰易懂。它并没有把后期处理当作一个必须掌握的“炫技”手段，而是强调它作为“二次创作”的重要环节，能够帮助我们更好地实现拍摄时的构想。书中对一些基础的后期调整，如曝光、对比度、色彩平衡等，进行了详细的讲解，并且结合了大量的实例对比图，让我能够直观地看到后期处理前后画面的变化。我特别喜欢书中关于“锐化”和“降噪”的章节，它解释了如何在保证画面细节的同时，有效地提升画面的清晰度，以及如何在弱光环境下拍摄时，尽可能地减少噪点对画质的影响。更重要的是，这本书鼓励读者在后期处理时保持“适度”的原则，避免过度修饰而失真。它强调的是用后期来完善和提升照片的艺术表现力，而不是为了改变照片的本质。此外，书中还介绍了一些关于RAW格式拍摄的优势，以及如何利用RAW文件在后期处理中获得更大的调整空间，这对我今后的拍摄习惯会产生深远的影响。