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鲍黔明 等 著

图书标签:

• 导演学
• 电影理论
• 影视制作
• 编剧
• 视听语言
• 电影导演
• 教学
• 教材
• 艺术
• 传媒

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503932281

版次：1

商品编码：10092029

包装：平装

开本：16开

出版时间：2007-04-01

用纸：胶版纸

页数：295

编辑推荐

　　《导演学基础教程》也可供在剧院从事导演艺术创作的年轻导演们阅读。

内容简介

　　本书是为导演专业本科编写的基础理论教材。导演学基础理论讲授将与导演专业创作实践配合进行。本书从方法论角度切入研究课题，虽然仅涉及到导演学的基础理论，但是导演学是一门呈螺旋形的学科，在基础理论讨论中阐述的一些专门命题，诸如“行动”、“二度创作”、“综合艺术”、“调度”、“音乐·音响”、“节奏与气氛”等等，还将在导演艺术创作论中展开更深入也更广泛的讨论。本书也可供在剧院从事导演艺术创作的年轻导演们阅读。

目录

前言
绪论
第一章 导演的艺术特性与职能
第一节 导演艺术是二度创作艺术
第二节 导演艺术是综合艺术
第三节 导演艺术是组织舞台行动的艺术
第四节 导演的职能
第二章 舞台事件与舞台行动
第一节 什么是舞台事件
第二节 如何判别、确立舞台事件
第三节 组织舞台行动
第四节 关于事件小品
第三章 舞台调度
第一节 什么是舞台调度
第二节 舞台调度的作用
第三节 组织舞台调度
第四节 关于画面小品
第四章 舞台音乐与音响
第一节 揭示人物的“听觉化处理”
第二节 舞台音乐的特性与作用
第三节 舞台音响的作用
第四节 关于音乐音响小品
第五章 舞台节奏与舞台气氛
第一节 舞台节奏与舞台气氛在戏剧演出中的艺术特性
第二节 导演对舞台节奏气氛的把握和处理
第三节 舞台停顿与舞台节奏、舞台气氛
第四节 导演处理舞台停顿的训练和瞬间（停顿）小品
第六章 剧本分析与片断处理
第一节 导演的剧本分析
第二节 处理规定情境
第三节 演出的风格与体裁
第四节 关于导演片断
第七章 创造完整的戏剧舞台演出艺术
第一节 导演——完整戏剧演出的作者
第二节 导演构思
第三节 体现导演构思，创造完整的舞台演出
第四节 关于“多幕剧排演”的教学
参考书目
后记

前言/序言

电影叙事结构深度解析 书籍简介： 本书《电影叙事结构深度解析》并非探讨导演技巧或技术层面的操作指南，而是深入剖析电影叙事艺术的内在逻辑与骨架。它聚焦于如何将零散的事件、人物动机和主题思想编织成一个完整、引人入胜的电影文本。全书分为四个主要部分，层层递进，旨在为编剧、导演、剪辑师乃至资深影迷提供一套系统而严谨的分析工具。 第一部分：叙事之基石——故事的原始动力 本部分着重于构建故事的“为什么”和“是什么”。我们不讨论镜头语言或场面调度，而是回归到叙事最核心的要素：冲突的起源与人物需求。 一、 需求的不可或缺性： 故事的驱动力往往源于人物内心或外部环境施加的某种“缺乏”或“渴望”。我们将细致分辨“显性需求”（Character Want）与“隐性需求”（Character Need）。例如，一个角色渴望获得财富（显性），但其真正需要的是被认可（隐性）。本书通过分析大量经典案例，展示如何使这两种需求在故事进程中相互作用、相互制约。 二、 冲突的层次与张力构建： 冲突并非简单的对立，而是多维度的张力场。本章详细区分了内部冲突（自我挣扎）、人际冲突（角色间对抗）、环境冲突（人与自然或社会体制的抗争）。重点在于如何构建“不可避免的冲突点”（The Inevitable Confrontation），即让观众清晰地预见到高潮的来临，但又因叙事铺垫的巧妙而感到震撼。 三、 世界观与限制条件（The Rules of the World）： 成功的叙事需要一个自洽的、被观众接受的规则体系。我们探讨如何设定清晰的“世界边界”——无论是现实主义的社会规则，还是奇幻故事中魔法运作的定律。这些限制条件是塑造角色选择和决定故事走向的关键支点。 第二部分：结构模型与节奏蓝图 本部分将叙事理论从抽象概念转化为可操作的结构框架，关注故事的骨架如何支撑起血肉。 一、 三幕剧的动态重构： 虽然三幕剧（开端、发展、高潮）是基础，但本书更侧重于如何打破其僵硬的线性观感。我们将解析“转折点”（Plot Points）的精确位置和功能，探讨如何利用次要转折点（Mini-Reversals）维持中段的叙事动力，避免“中段松弛症”。我们引入“节拍点分析法”（Beat Sheet Analysis），用于定位关键信息揭示、情感爆发和情节转向的精确时刻。 二、 亚里士多德的“完整性”与现代的“碎片化”： 我们对比古典叙事中对“起承转合”的强调，与后现代叙事中对非线性叙事、多重视角的运用。重点分析如何驾驭复杂的时间结构，例如闪回（Flashback）和预叙（Flashforward），确保即使结构复杂，观众仍能清晰把握事件的因果链条。 三、 节奏的心理学： 节奏并非单纯依赖剪辑速度，而是信息释放的频率。本书从叙事心理学角度探讨如何通过“信息延迟”（Information Withholding）和“信息倾泻”（Data Dump）来控制观众的情绪曲线。我们将分析如何在紧张场景中拉伸时间感，又如何在需要情感沉淀的场景中加速时间流逝。 第三部分：角色塑造与视角的艺术 叙事结构最终需要通过角色来实现。本部分深入研究角色的内部机制及其在故事中的呈现方式。 一、 人物弧光的设计（The Character Arc）： 角色弧光是角色在故事中经历的内在转变。本书将角色的转变路径划分为“转变型”、“停滞型”和“堕落型”三种基本模式。我们关注如何通过角色在关键决策中的选择，而非旁白说明，来展示其成熟或退化。 二、 从“谁”到“如何被知晓”：视角的选择： 叙事视角（Point of View, POV）决定了观众能接触到多少信息。我们将系统探讨第一人称、第三人称全知、第三人称限制等视角的优势与局限。尤其关注“不可靠叙述者”（Unreliable Narrator）的运用，探讨如何利用叙述者自身的偏见或认知缺陷来增强悬念和讽刺效果。 三、 配角的支撑系统： 配角的功能不仅仅是推动主角行动，他们还是构建世界、平衡主角视角的工具。本章分析“镜像角色”（Foil Characters）如何通过对比强化主角的特质，以及“导师角色”在传递关键信息时的叙事效率。 第四部分：主题的嵌入与意义的生成 故事的价值在于它留给观众的思考。本部分探讨如何将抽象的主题思想巧妙地“种植”到叙事结构之中。 一、 主题的具象化表达： 主题不应是说教，而应是故事行动的必然结果。我们将分析如何使用“母题”（Motif）——重复出现的意象、对白或场景——来潜移默化地强化核心主题。例如，一个反复出现的“锁”的意象如何象征着角色被困住的心理状态。 二、 结局的确定性与开放性： 结局是故事意义的最终定格。我们探讨“闭合式结局”（Closed Ending）如何提供明确的道德或情节解答，以及“开放式结局”（Open Ending）如何将解释的责任转交给观众。成功的结局必须与故事开端所设立的疑问形成有效的呼应与回收。 三、 风格化叙事的系统性： 风格不仅仅是视觉呈现，更是叙事语态的选择。本书分析黑色电影的宿命论叙事、魔幻现实主义的日常异化，以及极简主义叙事的“少即是多”。理解不同风格下的叙事惯例，有助于创作者在保持个人声音的同时，有效地服务于故事本身。 总结： 《电影叙事结构深度解析》是一本面向理论建构和实践分析的深度读物。它提供的工具箱不包含如何打光、如何调度群众演员，而是如何思考故事的内在骨架、如何编排事件的先后顺序，以及如何精准控制信息流，以达成最佳的叙事效果和主题深度。它致力于帮助读者从“讲述一个故事”的层面，上升到“构建一个意义系统”的层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和案例选择真的非常用心，这一点必须点赞。它没有堆砌那些遥远、不接地气的经典大师案例，而是穿插了大量近现代，甚至一些独立制作中的具体场景分析。比如书中分析一个如何通过景深变化来强调角色内心挣扎的片段，它不仅展示了分镜图，还详细列出了当时使用的镜头焦段、光圈设置和演员走位，这对于我们这些动手能力强的人来说，简直是教科书级别的干货。我尝试着按照书中的提示，在自己拍摄的小短片中模仿了几次关于“非线性叙事片段”的剪辑手法，效果出炉后，立刻感觉影片的层次感和张力提升了一个档次。作者似乎非常懂得初学者的痛点——知道理论但不知道如何在现场迅速做出反应。因此，书中大量出现的“导演的黄金三秒原则”、“如何在嘈杂现场快速建立演员信任”这类口诀式的总结，成为了我在片场紧张时刻的定心丸。这种从理论到实操的无缝衔接，是这本书最大的亮点。

评分☆☆☆☆☆

这部《导演学基础教程》简直是为我这种刚踏入影视圈的新手量身定做的指南！我原本以为导演这行光靠感觉和天分就够了，但读完这本书，才发现自己对镜头语言、场面调度乃至叙事节奏的理解简直是皮毛。它没有那些晦涩难懂的理论术语，而是用非常贴近实践的案例和清晰的步骤，把一个宏大的“导演”概念拆解成了一个个可以操作的模块。特别是关于如何与摄影师、灯光师进行有效沟通的那一章，简直是醍醐灌顶。我之前总是感觉拍摄现场大家心照不宣，但这本书教会了我如何用专业的术语和明确的指令去表达我的视觉想法，避免了大量的返工和误解。它强调的“视觉先行”理念，也彻底改变了我阅读剧本的方式，不再只是关注人物对话，而是开始在脑海中预演每一个镜头的景别、运动轨迹和光影效果。这本书的价值不仅仅在于传授技术，更在于塑造一种导演的思维模式，让我从一个“想拍电影的人”真正开始学习如何“成为一个导演”。我强烈推荐给所有有志于拿起导筒的朋友们，它会帮你建立起坚实的、可实践的创作基石。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我期待这本书能给我带来一些革命性的、打破陈规的洞察，但实际读下来，它更像是一本非常扎实、非常“学院派”的工具书。它把导演的流程梳理得井井有条，从前期筹备的选角、勘景，到中期的现场调度，再到后期的剪辑节奏把控，无一不漏。但这种全面性，也带来了一点点“安全感过剩”的感觉。很多章节的论述都非常稳妥，比如关于如何在预算内完成拍摄、如何处理突发状况的建议，都非常实用，但对于那些想寻找“野路子”或者探讨更激进的艺术表达的读者来说，可能会觉得略显保守。它更像是一张精确的地图，告诉你如何安全到达目的地，而不是告诉你如何开辟一条全新的路线。我特别欣赏它对“制片思维”的强调，让导演明白创作不是孤立的艺术行为，而是需要在资源约束下完成的工程。如果你是那种需要系统化知识框架的人，这本书无疑是极好的范本，但如果你已经有了一定的实践经验，可能需要从中挑选有价值的部分来印证和补充你现有的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有感染力，读起来完全不像是一本枯燥的教材，更像是一位经验丰富的老前辈在午后茶叙中，掏心窝子地与你分享他摸爬滚打多年积累下来的血泪经验。作者的文字中充满了激情和对电影艺术的纯粹热爱，他从不回避导演工作中的残酷与挣扎。我尤其喜欢其中关于如何处理“意外之美”的部分。他讲述了一次拍摄中，灯光师因为设备故障临时采用了一种完全出乎意料的布光方式，结果反而成就了一个经典镜头的故事。这篇叙述让我明白，导演的最高境界并非是完美地执行既定计划，而是要具备敏锐的洞察力和拥抱变化的勇气。这种对创作过程的哲学化探讨，让我开始重新审视自己的作品——不再将失误视为失败，而是将其视为潜在的艺术契机。这本书不仅仅是教我“怎么拍”，更重要的是教我“如何思考”，如何在这种充满不确定性的艺术创作中保持清醒和创造力。它带来的精神鼓舞，比任何具体的技术指导都要来得更为宝贵和持久。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的阅读体验是复杂的，它既让我感到振奋，也让我产生了一些关于现代导演角色的深刻反思。书中对“作者论”的探讨非常深入，作者似乎更倾向于将导演塑造成一个拥有绝对控制权和清晰愿景的“电影之王”。虽然这在理念上无可厚非，但在如今多媒体融合、协作效率至上的今天，这种“唯导演是从”的叙事方式，偶尔会显得有些脱节。例如，它对技术层面的讨论，虽然详尽，但似乎没有充分考虑到虚拟制片或AI辅助创作这类新兴工具对传统导演技能树的冲击。我希望能看到更多关于如何驾驭跨学科团队，或者如何将数字技术融入早期视觉设计的探讨。总而言之，这本书是理解经典导演理念的绝佳起点，但如果想跟上这个时代飞速发展的技术步伐，可能还需要配合阅读其他专注于新兴媒体和协作模式的专业书籍。它就像是一份关于如何建造传统欧式大教堂的圣经，结构严谨，但可能缺少了关于如何设计现代摩天大楼的蓝图。

评分☆☆☆☆☆

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第四节

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成功的秘诀是：「我不说任何人的不好！而说我所知道的每一个人的好处！」 就像上次那个团委老师所说的，在人见不着的地方更应该谈论他的优点，而不是缺点。在人面前不说坏话，人之常情，可贵在别人背后也不要说。谨记呐！ 许多精神错乱的人，在他疯癫中，找到了真实世界中所无法获得的自重感。以整体来讲，精神失常的人，似乎要比你我快乐。既然许多人以疯癫为快乐，他们为什么不这样呢？他们已经解决了他们的问题……。学会对自己说：这件事情只值得我担一点点心，没必要去操更多的心。 林肯认为：一个人实在没有时间把他的下半辈子花在争吵上，要是那个人不再攻击我，我就不会记他的仇。 获得心理平静的最大秘密之一，就是要有正确的价值观念。 减少财务烦恼的两种方法：第一，所借的钱，一定要如数奉还；第二，尝试任何新事物前，要先留一手能

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