杨立青音乐文集：乐思·乐风 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨立青 著

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806921654

版次：1

商品编码：10456919

包装：平装

出版时间：2006-07-01

用纸：胶版纸

页数：396

字数：310000

内容简介

《杨立青音乐文集：乐思·乐风》对管弦乐配器风格历史演变的脉络进行归纳和概括，分析研究形成这些不同风格的内在规律及其相互联系，恰如里姆斯基-柯萨科夫所说：“奇妙的管弦乐法的能力，是个不可言传的秘密”，属于“不可教”之列，除了仅涉及乐器的音域及性能的“乐器法”部分之外，管弦乐配器法大概是作曲“四大件”技术中最令人感到头绪茫然的领域了。理论上的不完善，常使许多配器分析变成充满华丽辞藻的娓娓空谈，使我们在浩如烟海的管弦乐杰作面前望洋兴叹，无所措手足。本文是一个十分粗浅的尝试，汇集了作者约二十年来的若干论文。

作者简介

杨立青：作曲家，教授（博士生导师），现任上海音乐学院院长。先后毕业于沈阳音乐学院作曲系（本科）、上海音乐学院作曲指挥系（硕士）及德国汉诺威高等音乐学校（钢琴硕士、作曲博士）。现兼任中国音乐家协会理事暨创作委员会副主任和对外联络委员会委员、上海音乐家协会副主席、上海现代音乐学会副会长。论著有《梅西安作曲法初探》、《管弦乐配器法教程》等。主要音乐作品有声乐套曲《唐诗四首》、交响叙事曲《乌江恨》、管弦乐《节日序曲》、二胡与乐队《荒漠暮色》等，由中外音乐表演团体多次公演于中国大陆、港、台地区及欧美等国，并入选里昂现代音乐节、亚洲现代音乐节等重要国际音乐节。曾获1986年中国唱片奖作曲比赛交响乐第二名、1992年首届上海文学艺术优秀成果奖、2004年第十届全国音乐作品（交响音乐）评奖中、小型作品一等奖。2004年入选“二十世纪华人音乐经典”等。

目录

管弦乐配器风格的历史演变概述
当代欧洲音乐中的“新浪漫主义”与回归倾向
历史悲剧的真实写照——朱践耳新作《第一交响曲》评介
谈朱践耳《第一交响曲》创作技法
听朱践耳《第三交响曲》
现代音乐记谱法的沿革及其分类问题
从晚期浪漫派到现代管弦乐法的发展概述
关于钢琴四手联弹曲《号子》与《山歌》——兼谈20世纪钢琴音乐发展的几个特点
关于《四首唐诗》
信仰，直觉与理念高度统一的世界——谈梅西安的创作思想
西方后现代主义音乐思潮简述
丁善德管弦乐配器艺术的若干特色
20世纪西方现代音乐
新音乐的暮年——70年代至80年代联邦德国乐坛侧影
由“补课”说开去
在多元的音乐世界中——坦格伍德当代音乐节散记
谈“新音乐”
《乡月三阕》漫议
音乐创作美学思想“答卷”
仅靠作曲家难以索解的问题——交响舞剧《无字碑》创作随记
关于通俗音乐的思考
巨星在天际陨落——悼奥里维尔·梅西安辞世
谈电视剧《雪城》的音乐
音乐之乡德国散记
笔者小记

前言/序言

好的，以下是关于一本名为《杨立青音乐文集：乐思·乐风》的图书的详细介绍，内容将聚焦于其他音乐理论、历史、实践、文化等方面的著作，旨在提供一本内容丰富且引人入胜的音乐导览。 --- 《和声的逻辑与情感的共鸣：西方音乐体系的百年变迁》 一部跨越时代、深入解析西方音乐理论与实践的宏大叙事 在人类文明的长河中，音乐始终是情感表达与理性建构并存的独特领域。本书《和声的逻辑与情感的共鸣：西方音乐体系的百年变迁》，并非聚焦于某位特定音乐家的创作心路，而是以一种鸟瞰式的宏观视角，系统梳理了自巴洛克时代晚期直至二十世纪中叶，西方音乐在理论、风格、技术和哲学思想上的深刻演变历程。 本书共分为六个主要部分，近三十万字的篇幅，旨在为音乐专业人士、历史学者以及所有对西方音乐发展脉络抱有浓厚兴趣的读者，提供一套详尽且富有洞察力的研究工具。 --- 第一部分：古典主义的结构之美与启蒙精神的注入 (约 6 万字) 本部分深入探讨了古典主义时期（尤其是海顿、莫扎特和贝多芬早期作品）音乐哲学的基石。我们详细分析了奏鸣曲式（Sonata Form）在结构对称性、主题发展逻辑以及情感张力控制上的精妙运用。 重点章节包括： 调性中心的巩固与功能和声的成熟： 分析了主、属、下属和弦在确立调性稳定性和引导听觉预期方面的核心作用。我们通过大量实例解析了如何利用和声的进行来构建清晰的乐章结构，而非仅仅停留在装饰层面。 配器法的革命： 探讨了管弦乐队编制的标准化过程，以及木管乐器和铜管乐器如何从简单的和声填充角色，逐渐转变为具有独立旋律线条和音色描绘能力的个体。贝多芬在《第三交响曲》中对配器的突破性使用被置于重点分析之中。 “美”的理性回归： 考察了启蒙运动思想如何影响音乐的审美标准，强调清晰性、平衡感和普适性情感表达的追求。我们对比了早期洛可可风格的精致与古典主义的庄重，揭示了时代精神对音乐语言的塑造力量。 --- 第二部分：浪漫主义的激情涌动与个体意志的凸显 (约 7 万字) 进入十九世纪，音乐的主题从理性的和谐转向无尽的激情与主观体验的探索。本部分聚焦于浪漫主义音乐如何挣脱古典主义的束缚，拥抱文学叙事、自然崇拜和“崇高”（The Sublime）的哲学概念。 核心议题探讨： 和声语言的拓展与“色彩”的崛起： 详细剖析了半音化、异位和弦、扩大不协和音程的使用，以及对远关系调的频繁转换。例如，舒伯特、肖邦和瓦格纳如何利用和声的模糊性来营造梦幻感、紧张感或无法解决的渴望。 叙事性音乐（Program Music）的兴盛： 深入分析了李斯特的交响诗以及柏辽兹的《幻想交响曲》等作品，如何通过“主导动机”（Leitmotif）技术（虽然在瓦格纳处达到顶峰，但其雏形可追溯至更早）与文学情节紧密结合，拓宽了音乐的表现边界。 钢琴的“声音”革命： 考察了钢琴制造技术的进步（如加固的框架和更长的琴弦）如何使得演奏者能够实现前所未有的力度变化和音色控制，以及这如何反作用于作品的创作。 --- 第三部分：晚期浪漫主义的边界试探与调性疲劳 (约 5 万字) 本部分关注的是十九世纪末期，随着和声语言的极度复杂化，音乐传统所面临的内在危机——“调性疲劳”。 重点分析了以下几位大师的作品如何将调性体系推向崩溃的边缘： 瓦格纳的“特里斯坦和弦”与无限旋律： 分析了对不协和音的长时间悬置，如何削弱了传统功能和声的解决倾向，并预示了未来无调性音乐的可能性。 德彪西与印象主义的声音景观： 探讨了非功能性音高、全音阶、五声音阶以及对传统“解决”概念的彻底摒弃，音乐更侧重于捕捉瞬间的氛围和光影效果。 马勒的史诗交响曲与内心世界的冲突： 考察其作品中如何将极其丰富的配器、多变的风格（从民间小调到尖锐的戏剧性）并置，以表达现代人的焦虑与宏大叙事的矛盾。 --- 第四部分：二十世纪初的理性与颠覆：新古典主义与无调性革命 (约 5 万字) 进入二十世纪，音乐发展呈现出两条主要对立且相互影响的路线：是对调性传统的“回归”与重塑，以及对调性体系的彻底扬弃。 第二维也纳学派的理性秩序： 详尽解读了勋伯格如何从自由无调性（Free Atonality）过渡到十二音序列作曲法（Twelve-Tone Technique），将其视为一种“新的贵族秩序”，对抗浪漫主义的主观泛滥。我们对比了勋伯格的严谨与贝尔格作品中残存的浪漫主义情感余晖。 斯特拉文斯基与原始主义： 分析了《春之祭》所带来的节奏革命——多重节拍、不对称的节奏单位以及对原始冲动的直接表达，如何彻底打破了长期以来以旋律为中心的审美习惯。 新古典主义的“去浪漫化”： 考察了以拉威尔和部分早期斯特拉文斯基为代表的作曲家，如何回归古典主义的清晰结构、对位技巧，但使用新的和声色彩和配器手段，实现一种“新古典”的平衡。 --- 第五部分：后二战时期的极端探索与技术化浪潮 (约 4 万字) 战后，作曲家们不再满足于传统乐器和既有体系的限制，对音乐材料的控制达到了前所未有的精确和极端。 序列主义的全面化（Total Serialism）： 探讨了布列兹等作曲家如何将序列技术扩展到节奏、力度、音色等所有参数，追求一种绝对的理性控制，消除作曲家的“个人偏好”。 电子音乐的兴起与声音的拓宽： 考察了科隆电子音乐工作室等机构的先驱工作，分析了磁带音乐、振荡器生成声音在音乐创作中的理论基础和实践意义。 机遇音乐（Aleatoric Music）的哲学转向： 重点分析了约翰·凯奇如何通过引入随机性元素，挑战了传统音乐中“作品固定性”和“作者意图”的中心地位，将听众的参与和环境噪音纳入音乐的范畴。 --- 第六部分：贯穿始终的主题：技术、文化与听觉的反馈循环 (约 3 万字) 本书的总结部分，将前述所有技术和风格的变迁放置于更广阔的文化和社会背景下审视。 听觉认知的弹性： 探讨了人类听觉系统如何适应越来越复杂的和声结构和节奏模式，以及传统听众（例如古典乐迷）与现代听众在接受新音乐上的认知差异。 技术传播对音乐接受度的影响： 简要回顾了录音技术和广播如何改变了音乐作品的“在场性”和“权威性”，使得复杂的现代音乐得以在更广泛的范围内被传播和讨论。 理论与创作的辩证关系： 结论部分强调，所有理论的构建——无论是功能和声的规则，还是十二音的限制——最终都服务于作曲家在特定历史时刻所能捕捉到的情感共鸣。理论是工具，而非目的。 --- 《和声的逻辑与情感的共鸣：西方音乐体系的百年变迁》以严谨的学术态度和流畅的叙事风格，为读者提供了一幅宏大而精密的西方音乐发展图景。它不是对某一位天才的颂歌，而是对塑造了我们今日所听之“音乐”的思维方式、技术革新和哲学思辨的深度剖析。阅读本书，将使您对巴赫的精妙、贝多芬的力量、瓦格纳的诱惑，以及二十世纪的理性冲击，获得全新的、结构化的理解。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《杨立青音乐文集：乐思·乐风》，我带着一份好奇与期待，想着能从中窥探到一位音乐人内心深处的风景。然而，读到的内容却远超预期的广度和深度。作者以极其细腻的笔触，描绘了他对音乐的理解，不仅仅是旋律与和声的组合，更是对人生百态、情感起伏的独特映射。他似乎总能捕捉到那些稍纵即逝的灵感碎片，并将它们编织成引人入胜的故事。其中关于童年时期接触音乐的片段，尤为动人，仿佛能听到窗外呼啸的风声，以及家中老旧钢琴发出的断断续续的乐音，那种纯粹而又充满力量的记忆，让人不禁沉醉。更令人惊叹的是，作者将音乐的抽象概念与具体的社会现象巧妙地结合起来，例如，他用一段极具画面感的文字，描绘了现代都市生活中的快节奏与音乐的疏离感，那种孤独而又渴望连接的情绪，在字里行间流淌，触动了内心深处最柔软的地方。这本书就像一个宝藏，每一次阅读都能发现新的惊喜，每一个章节都像一扇窗，引领我进入一个充满哲思与艺术想象的世界。我尤其喜欢他对于音乐如何影响个人成长轨迹的探讨，那不仅仅是对过往的回溯，更是对未来人生道路的深刻反思，充满了智慧的光芒。

评分☆☆☆☆☆

这是一本充满智慧与灵气的书，读来让人心旷神怡，仿佛经历了一场精神的洗礼。《杨立青音乐文集：乐思·乐风》中的每一篇文章，都像是一曲独立的乐章，有着鲜明的个性，却又共同谱写着作者对音乐、对人生、对世界的深刻理解。他对于“曲式结构”的分析，早已超越了单纯的音乐理论，而是将其上升到对事物内在逻辑、发展规律的探索。他笔下的文字，充满了画面感和想象力，能够将枯燥的乐理知识变得生动有趣，将抽象的情感体验描绘得淋漓尽致。我特别着迷于他对“音乐的治疗作用”的探讨，他分享了许多通过音乐来舒缓压力、疗愈心灵的真实案例，以及他对这些案例的深刻见解，让我对音乐的强大力量有了全新的认识。这本书就像一位知心的朋友，在你迷茫时给予启迪，在你失落时给予慰藉，在你快乐时与你一同分享。他对于“音乐与时代变迁”的关联，更是让我看到了音乐作为一种文化载体，如何记录和反映着社会的发展和人类的情感变迁。每一次翻开这本书，都能发现新的思考角度，都能获得新的感悟，它是一本值得反复品读的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在阅读《杨立青音乐文集：乐思·乐风》之前，我对“音乐文集”这个概念并没有一个特别清晰的认知，总觉得会是比较枯燥的理论或者流水账式的记录。然而，这本书彻底颠覆了我的想法。杨立青先生的文字，简直就像一首首精心谱写的乐章，带着强烈的情感色彩和鲜明的个人风格。他对于音乐的理解，已经超越了技术层面，上升到了哲学的高度。比如，他在探讨“节奏”时，并没有仅仅停留在音乐的节拍上，而是将其引申到人生的起伏、社会的发展，甚至宇宙的运行规律，这种宏大的视角和精妙的比喻，让人脑洞大开。我特别欣赏他对不同音乐风格的解读，他能从一首古典乐中听出深沉的历史沧桑，也能从一首流行曲中品味出当下年轻人的情感困惑，这种跨越时空的洞察力，着实令人佩服。他的文字具有一种独特的感染力，读着读着，你仿佛就能身临其境，感受到音乐带来的喜怒哀乐。其中关于“旋律”的章节，更是让我深受启发，他将一段熟悉的旋律拆解开来，细致地分析其每一个音符所承载的情感，以及它们如何组合在一起，最终形成一种强大的共鸣。这本书不仅仅是给音乐爱好者的，更是给所有对生活、对情感、对艺术有追求的人们，它能拓展你的视野，丰富你的心灵。

评分☆☆☆☆☆

《杨立青音乐文集：乐思·乐风》这本书，与其说是一本音乐评论集，不如说是一次关于“聆听”的哲学探索。杨立青先生以一种极其个人化、却又普遍引起共鸣的方式，剖析了他对音乐的感知与体悟。他不仅仅是在描述音乐，更是在描绘音乐如何影响我们的情感，如何塑造我们的思想，如何连接我们与这个世界。他对于“音色”的运用，简直如同画家在调色盘上挥洒色彩，将抽象的听觉体验转化成生动的视觉画面，让我仿佛看到了金色的阳光洒在静谧的湖面上，听到了雨滴敲打在窗棂上的清脆声响，感受到了微风拂过麦浪的温柔。书中关于“音乐与孤独”的章节，更是精准地捕捉到了现代人普遍的情感状态，他在探讨如何通过音乐来排解孤独、寻求慰藉时，字里 সমালোচনা的每一个字，都像是在抚慰一颗颗不安的心灵。这种细腻的情感表达，以及对人类内心世界的深刻洞察，让我觉得这本书不仅仅是关于音乐，更是关于我们自己。我尤其欣赏他关于“音乐的即兴性”的论述，他将这种自由的创造力延伸到生活的方方面面，鼓励读者在生活中拥抱变化，勇于尝试，这是一种非常积极的生活态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，就像是在一个宁静的夜晚，独自一人坐在书桌前，点上一盏温暖的台灯，然后静静地聆听一位智慧长者在分享他与音乐之间那些不可言说的故事。杨立青先生的文字，没有华丽的辞藻，却充满了真挚的情感和深刻的思考。他对于“和声”的阐述，不仅仅是对音乐理论的解释，更像是一种对人际关系、社会协作的隐喻。他笔下的每一个乐句，都仿佛带着生命，在纸页间跳跃、流淌，时而激昂，时而舒缓，时而低沉，时而高亢，如同人生的潮起潮落，百转千回。我特别喜欢他关于“留白”的讨论，他认为在音乐中，适当的沉默与空灵，比密集的声音更能触动人心，这让我联想到生活中那些不言而喻的默契，那些无声胜有声的时刻。这本书的结构设计也十分巧妙，每一章的主题都围绕着音乐的不同元素展开，但又相互关联，形成一个有机整体，引领读者一步步深入探索音乐的奥秘。他对于“音乐与记忆”的连接，更是让我感同身受，那些曾经伴随我们度过重要时刻的旋律，如今依然清晰地刻在脑海里，成为生命中最珍贵的注脚。读完这本书，你会觉得，音乐不再是遥不可及的艺术，而是融入我们生活每一个角落的呼吸。