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出版社： 湖南美术出版社

ISBN：978753567210002

商品编码：10580512414

《写给大家的西方美术史》是台湾美学大师、百万册畅销书作者蒋勋先生的又一部经典之作，堪称“《美的沉思》姊妹篇”，荣获台湾出版奖项——金鼎奖。
蒋勋先生用柔美、亲民的文字，带我们回到历史现场，借助“西方美术史”这一扇通向世界的窗口，使我们眺望和浏览世界不同文化的“美”的观念、材料、技法，省思人类共同的“美”的向往与创造。
神秘的埃及、伟大的希腊、光荣的罗马……直到光辉的印象派，及光怪陆离的现当代艺术。或作正面解读，或挖背后的故事，数千年“美”的往事，娓娓道来。全书200幅西方经典美术图片，日本超感纸张高清印刷，双封裸书脊装帧，为你带来一场精彩绝伦的视觉盛宴。

海报：

内容简介

以时间为纬线，以各个艺术流派的艺术家及其代表性的作品为经线，回到历史现场，从史前时期的一把燧石手斧开始，围绕地中海这一世界西方美术的血脉初源，带你一路走过神秘的埃及、伟大的希腊、光荣的罗马……直到光辉的印象派，及光怪陆离的现当代艺术。或做正面解读，或挖背后的故事，数千年“美”的往事，娓娓道来。
蒋勋先生用柔美、亲民的文字，借助“西方美术史”这一扇通向世界的窗口，使得我们眺望和浏览世界不同文化的“美”的观念、材料、技法，省思人类共同的“美”的向往与创造。

作者简介

蒋勋，台湾知名画家、诗人与作家。福建长乐人。生于古都西安，成长于台湾。台北中国文化大学史学系、艺术研究所毕业。现任《联合文学》社社长。1972年负笈于法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台后，曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后担任文化大学、辅仁大学及东海大学美术系系主任。
蒋勋先生文笔清丽流畅，说理明白无碍，兼具感性与理性之美，有小说、散文、艺术史、美学论述作品数十种，并多次举办画展，深获各界好评。近年专注两岸美学教育推广，他认为：“美之于自己，就像是一种信仰一样，而我用布道的心情传播对美的感动。”
代表作：《美的沉思》《吴哥之美》《蒋勋说<红楼梦>》《孤独六讲》《生活十讲》《汉字书法之美》《美的曙光》《蒋勋说唐诗》《蒋勋说宋词》《蒋勋说中国文学之美》《美，看不见的竞争力》等。

内页插图

目录

1
史前时期
——从一块石头，人类开始了伟大的美术创作
石器时代
痕迹
母亲的身体
早的绘画
大地上的遗迹
埃及
——人类美术中早形成“风格”的文明之一
风格
希腊
——为人类找到了“美”的起点，希腊艺术提供的人体的自由、健康，更是值得认真思考的美学启示
米诺斯
迈锡尼
美丽的人体
人体美的起点
黄金时代
罗马艺术
——务实的个性和宇宙不可知的神秘本质相遇，罗马帝国将以数世纪建立起来的地上的繁华去印证一次心灵上对天国的渴望
关于伊特鲁里亚
罗马雕塑的写实精神
罗马的城市规划与公共性建筑艺术
早期基督教艺术
——庄严、华丽，在人世间虚拟了天堂的神圣与崇高
拜占庭艺术
中世纪艺术
哥特式艺术
早期文艺复兴的艺术
——以人的觉醒为重心，以科学的视觉分析代替旧有的神学形式
人的觉醒
乔托与圣方济各
城市商人与市民文化的兴起——洛伦采蒂、乌切罗
宗教主题的新诠释——安吉利科、马萨乔
新建筑的崛起——布鲁内莱斯基
雕刻的革命——多那太罗
2
文艺复兴的全盛时代
——肉身自觉，肯定世俗繁华与感官享乐，融入基督教性灵生活，追求精神升华
诞生与春天——弗兰西斯加与波提切利
达?芬奇
米开朗琪罗
拉斐尔
威尼斯画派
——威尼斯的文艺复兴比意大利更多了一点幻想、一点感性的神秘与浪漫、一点现世欲望逸乐的流荡、一点色彩的炫耀
乔尔乔涅和提香
丁托列托和韦罗内塞的俗世美学
北方文艺复兴
——在卑微丑陋的难堪境遇中，看到了生命更深沉的悲剧之美
凡?爱克与油画
超现实的鼻祖——博斯
平民传统——勃鲁盖尔
北方画派的总结者——丢勒
矫饰主义
——不满足于文艺复兴太过均衡、和谐的古典风格，追求更多肢体动作上的变化，夸大情绪的反应，使人物的身体产生更多律动感，也产生更多表情
神秘的格列柯
美学的叛逆——卡拉瓦乔
巴洛克运动
——“巴洛克”喜好繁复的装饰、金色的华丽、扭曲多变的缠绕线条，追求强烈的律动感，善于营造堆砌之美。它既是一种国际风格的趋向，同时又是欧洲各地区民族美学自觉的开始
意大利的巴洛克风与贝尔尼尼
王权兴起与鲁本斯的绘画
西班牙的巴洛克
荷兰的巴洛克——伦勃朗与弗美尔
法国的巴洛克
洛可可艺术
——法国大革命前的宫廷艺术主流，崇尚富贵、华丽、繁复的装饰风
3
新古典主义
——隔着历史遥远的距离，重新把古典元素拿到当代来使用，赋予这些元素新的时代意义
大卫与新古典主义
西班牙革命与戈雅
安格尔与新古典主义
卡诺瓦与新古典雕塑
浪漫主义的狂潮
——浪漫主义鄙弃新古典形式上的稳定，鄙弃教条式的理性；浪漫主义相信真诚的内在激情可以激发人类创造力的大潜能，也可以激发人类高贵的情操
法国浪漫派的先行者——籍里柯
浪漫主义的旗手——德拉克洛瓦
透纳与海洋之光
写实主义的兴起
——写实主义使艺术从主观回到客观，以更多客观存在的细节代替主观的情绪宣泄
柯罗的人物画与风景画
巴比松与米勒
杜米埃与阶级批判意识的兴起
自然主义的库尔贝
告别古典
——他们摆脱长久以来主宰西方美学的古典符号，他们以自己的语言书写自己的时代
印象派和后期印象派
——绘画在照相机发明后，需要寻求新的表现方式和用武之地，印象主义为西方现代绘画别开生面。后来，野兽派、立体派、超现实主义，都从印象派那里汲取过营养
爱德华·马奈
莫奈的光与色
现代艺术之父——塞尚
燃烧的向日葵——太阳之子凡?高
远方除了遥远—无所有？——高更和塔希提
二十世纪
——现代艺术仍在持续探索，艺术被现代哲学推动，去探究更宽广的人文世界。人类内心是未来的新天地，这是20世纪以来，艺术探索的伟大进程
二十世纪——生活与艺术
野兽派和马蒂斯
立体派和毕加索
抽象主义的向左走，向右走——康定斯基和蒙德里安
道亦在便溺——杜尚
建筑中的国际风格
超现实主义和达利
布朗库西和亨利?摩尔
抽象表现主义和波洛克、罗斯科
波普艺术与安迪?沃霍尔
行为艺术与博伊于斯
图片索引
编后记

艺术的彼岸：一部跨越时空的欧洲艺术史之旅 （书名：艺术的彼岸：一部跨越时空的欧洲艺术史之旅） 导言：凝视时间的回响 人类的文明史，很大程度上是一部视觉的艺术史。当我们谈论“西方”时，我们不仅仅指地理上的欧洲大陆，更指向一种绵延两千多年的思想、信仰、审美与创造力的精神共同体。这部名为《艺术的彼岸：一部跨越时空的欧洲艺术史之旅》的书籍，并非简单地罗列艺术家的生平与作品年表，它试图构建一座精神的桥梁，带领读者穿越历史的迷雾，亲身感受那些塑造了我们今日所见世界的艺术思潮与视觉革命。 本书的焦点在于“理解”而非“记忆”。我们不满足于将艺术作品视为孤立的静物，而是将其置于宏大的历史背景之中——权力更迭、宗教改革、科学发现、社会变迁，是如何深刻地影响了创作者的笔触、雕塑家的凿痕以及建筑师的蓝图。这是一场关于观看方式的深度对话。 第一部分：古典的奠基与中世纪的沉寂（公元前5世纪—公元14世纪） 这一部分是所有西方艺术的根基。我们将从古希腊的理想主义开始，探讨“黄金分割”的数学之美如何被转化为对人体比例的完美追求，以及神庙建筑如何体现城邦的政治哲学。这不是对断臂维纳斯的肤浅赞美，而是深入剖析为何雅典的艺术追求“均衡与和谐”，以及这种追求如何被罗马帝国继承和改造，成为“宏伟与实用”的象征。 随后，镜头将转向中世纪的漫长光阴。在基督教信仰占据主导地位的时代，艺术不再是赞颂人体的世俗表达，而是服务于神圣的教义。我们将细致解读拜占庭镶嵌画（Mosaics）的金色辉煌中蕴含的宇宙秩序，以及罗马式（Romanesque）教堂厚重墙体所带来的安全感与神秘感。重点将放在哥特式（Gothic）建筑的突破——从巴黎圣母院高耸的尖拱和飞扶壁中，我们看到的是人类对向上升腾的强烈精神渴望，光线如何通过彩色玻璃被“神圣化”，成为信仰的物质载体。 第二部分：文艺复兴的觉醒与人文主义的光芒（14世纪—16世纪） 文艺复兴，不仅仅是“重生”，更是一次彻底的视角转换。本书将详细剖析这场变革的哲学基础：人文主义。艺术家们从神祇的阴影中走出，重新聚焦于人类的潜能与尊严。 我们将深入佛罗伦萨的作坊，探究透视法（Linear Perspective）的发明者们如何运用几何学来构建一个可量度的世界。从乔托的朴素到马萨乔对空间感的执着，再到达芬奇对解剖学的痴迷以及米开朗基罗对“未完成的英雄”的刻画，艺术史在此被重塑。我们不再仅仅欣赏《蒙娜丽莎》神秘的微笑，而是理解它背后对个体心理深度的探索。威尼斯画派的色彩革命，以及北方文艺复兴（如丢勒和凡·艾克的油画技法）对现实主义的细致入微的描摹，都将作为对比和补充，展现“复兴”的多重面貌。 第三部分：巴洛克与洛可可的戏剧性与优雅（17世纪—18世纪中期） 随着宗教改革的余波和反宗教改革的需要，艺术风格转向了强烈的情感表达和戏剧张力。巴洛克艺术（Baroque）是力量、运动和光影的艺术。卡拉瓦乔的“暗色背景”（Tenebrism）如何将神圣的故事拉入凡间的真实角落？贝尼尼如何在雕塑中捕捉到“时间正在流动”的瞬间？我们将探讨巴洛克在天主教国家如何成为一种强大的说服工具，以及在荷兰，它如何服务于新兴的资产阶级对肖像画和风俗画的需求。 紧随其后的是洛可可（Rococo）的兴起。它像是巴洛克戏剧性的一次温柔的退让，充满了精致的装饰、柔和的色彩和对贵族享乐生活的描绘。这一阶段的艺术，是特定社会阶层审美趣味的极致体现，预示着旧制度的黄昏。 第四部分：启蒙与革命的碰撞（18世纪晚期—19世纪中期） 启蒙运动对理性、秩序和古老美德的推崇，催生了新古典主义（Neoclassicism）。我们分析雅克-路易·大卫的作品如何为法国大革命提供了视觉口号，以及这种对古典形式的回归，实则是一种对当代政治理想的投射。 然而，人类情感的复杂性无法被严格的理性框定。作为对新古典主义刻板的反应，浪漫主义（Romanticism）爆发了。它赞美直觉、想象力、自然的力量和个体的情感体验。从泰奥多尔·席里柯的史诗般的悲剧到特纳对光与气象的迷幻捕捉，浪漫主义艺术家们将“美”拓展到了“崇高”（Sublime）的领域——那种令人敬畏、甚至带着恐惧感的壮丽。 19世纪中期，工业革命的轰鸣声开启了新的篇章。现实主义（Realism）的兴起，标志着艺术彻底转向对当代生活——包括农民、工人、日常劳作——的毫不妥协的描绘。库尔贝“石头破碎者”的出现，是对传统艺术题材的一次有力挑战。 第五部分：现代艺术的开端——光影与主观性（19世纪后期—20世纪初） 这是艺术史上最激动人心、也最令人困惑的时期之一。本书将系统梳理现代主义的逻辑链条： 1. 印象派：如何通过对“瞬间光影”的捕捉，打破了画室的束缚，将画布转向户外，并质疑了“清晰描绘”的必要性。 2. 后印象派：塞尚对形体的结构重构、梵高对色彩情感的极端运用、高更对原始世界的向往，他们如何分别铺设了通往立体主义、表现主义和象征主义的道路。 3. 野兽派与表现主义：色彩不再是模仿自然，而是成为表达内在情绪的独立工具。 这一部分的核心在于：艺术从“描绘世界”转变为“解释世界”，甚至“创造世界”。 结语：走向未来——艺术的多元宇宙 本书的结尾将简要回顾20世纪初期的几次重大突破，包括立体主义对三维空间的彻底解构，抽象艺术对非再现性表达的追求。我们不会深入探究二战后的当代艺术（那将是另一本书的主题），而是会总结出西方艺术史演进的内在驱动力：从对客观真理的追求，转向对主观经验和视觉语言本身的探索。 《艺术的彼岸》旨在为读者提供一个宏观的坐标系，使他们在面对任何一幅西方艺术杰作时，都能清晰地看到其诞生背后的社会语境、哲学思潮与技术革新。这是一部邀请读者参与对话的历史，而非一本冰冷的教科书。它相信，最好的艺术欣赏，是与历史的对话，是与创作者心灵的共振。 适合人群： 艺术史初学者、对西方文明史感兴趣的普通读者、渴望深入理解艺术作品背后逻辑的学生与爱好者。 本书特色： 结构清晰，脉络分明，侧重于思潮的演变和视觉语言的逻辑递进，强调艺术作品与其所处时代精神的内在关联。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我曾经尝试过几本同类型的西方艺术史入门读物，它们要么过于侧重于欧洲大陆的宫廷艺术，要么就是对近现代艺术的描述过于仓促。然而，这本书的包容性和平衡感令人赞叹。它对北欧、对新兴的美国艺术的关注度明显更高，这使得整体的视野更加开阔，避免了传统艺术史叙事中的欧洲中心主义偏见。我尤其欣赏它在处理当代艺术部分时的态度——不作价值评判，而是提供理解的框架。面对那些看似难以理解的装置艺术或行为艺术，作者提供了足够的背景资料和学界讨论的切入点，让读者可以带着好奇心和批判性思维去接触这些挑战传统审美的作品。这本综合性的导览，真正做到了覆盖面广而不失深度，兼顾了艺术史的经典脉络与时代的最新脉动，是一本可以反复翻阅的宝典。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书在视觉呈现方面也做得相当出色，这对于一本美术史读物来说至关重要。虽然我是在电子设备上阅读，但那些精美的作品插图依然能透过屏幕传递出强烈的艺术感染力。更难得的是，作者对于“图像分析”的讲解非常到位。很多时候，我们看一幅画，只停留在“好看”或“奇怪”的层面，但这本书教你如何去看“细节”——例如，如何通过人物的眼神交流来判断画面的叙事重点，如何通过色彩的冷暖对比来感受画面的情绪基调。它不是简单地告诉你“这幅画是某某风格的代表作”，而是手把手地教你分析构图、笔触、符号象征，让你从一个被动的欣赏者，转变为一个主动的解读人。这套分析方法论，我甚至觉得可以迁移到其他视觉艺术领域，实用性非常强。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对艺术世界的一扇全新大门！我一直觉得西方艺术史高深莫测，充满了晦涩难懂的术语和需要专业背景才能理解的典故。然而，这本书完全打破了我的固有印象。作者的叙述方式极其平易近人，仿佛是请了一位知识渊博又风趣幽默的朋友，耐心地为你娓娓道来从古希腊到现当代艺术的演变历程。尤其让我印象深刻的是，书中对不同艺术流派的兴起和衰落，不仅仅是罗列作品和艺术家，更是深入挖掘了其背后的社会、哲学和历史思潮。比如，它清晰地阐释了文艺复兴时期人文主义思想如何催生了对人体比例和透视法的极致追求，以及印象派画家们如何试图捕捉转瞬即逝的光影，这其实是对工业化时代生活节奏加快的一种艺术回应。读完之后，我再去博物馆看那些熟悉的画作时，感受完全不一样了，不再是走马观花，而是能读懂画作里隐藏的“密码”，体会到艺术家创作时的心境和时代背景的张力。这种由表及里的理解，极大地丰富了我的审美体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排堪称教科书级别的典范，兼具学术的严谨性与大众的可读性。我特别欣赏它在时间脉络上的把控，没有让读者迷失在浩瀚的艺术史长河中。它不是那种枯燥的年代记录，而是巧妙地通过关键人物和标志性事件串联起各个时期。举个例子，它在介绍巴洛克艺术时，不仅展示了卡拉瓦乔的强烈光影对比，更结合了当时天主教会反宗教改革的强大推力，让“戏剧性”和“情感冲击力”的艺术风格显得顺理成章。再比如，对于现代艺术的阐释，它处理得异常细腻，没有因为抽象表现主义的出现而显得突兀，而是通过对摄影术的冲击、两次世界大战的创伤等因素层层铺垫，使得立体主义、超现实主义的诞生逻辑清晰可见。这种“讲故事”的方式，让那些原本只存在于学术论文中的理论，变得鲜活且有生命力，极大地降低了普通读者进入艺术史领域的门槛。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种对哲学和思辨型阅读有偏好的读者来说，这本书最吸引人的地方在于它对艺术与思想史之间深刻联动的梳理。它成功地超越了单纯的艺术史描述，上升到了文化史的层面。例如，当它谈到启蒙运动如何影响了新古典主义对理性、秩序和古希腊罗马美德的推崇时，那种清晰的因果关联让人茅塞顿开。艺术不再是孤立的审美产物，而是特定历史阶段社会集体意识的投射。这种宏大叙事的视角，使得阅读体验非常充实，不仅仅是知识的积累，更是一种思维方式的拓展。读完之后，你会发现，西方历史的许多重大转折点，都能在当时的视觉艺术作品中找到明确的“回声”，这无疑提升了阅读的深度和层次感。