室内乐欣赏十八讲 [18 Chamber Music Lectures] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高屹 著

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• 西方音乐

出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303090112

版次：1

商品编码：10865541

包装：平装

丛书名： 国家大剧院音乐讲堂系列

外文名称：18 Chamber Music Lectures

开本：16开

出版时间：2011-10-01

页数：300

编辑推荐

希望这本介绍室内乐的小册子能够成为初涉音乐的朋友手中的导航图和欣赏手册。当你迷失在数不清的体裁与形式中时；当你面对那些没有标题，所有文学性内容都被作曲家刻意抹去的作品时（在室内乐中这种情况极为常见）；当你被一首曲子数度感动，却不太肯定其中表达的内容的时候……希望这本书能为你解开心中的疑惑，为你的欣赏提供背景知识和建设性的指引，并以文字印证你心中涌动的音乐感觉。

内容简介

室内乐不愧为最精致和细腻的音调艺术，它清晰的织体、严谨工整丝丝入扣的笔法能够在短时间内迅速磨练你的耳力，使你的乐感变得更为敏锐和完善。当你逐渐习惯室内乐的音响后，再去听交响乐，会惊叹自己能够听到更多隐藏在内部的音符，一切感受都变得细致起来。更重要的是，你距离作曲家的心灵又接近了一步，你会如此贴近音乐的灵魂。

目录

引言 什么是室内乐？
——精致的音调艺术，细腻的音响极致

第一讲 早期室内乐
——寂静的开端，黎明的苏醒

第二讲 巴洛克（上）
——臻于纯熟，文艺复兴荣耀的延续

第三讲 巴洛克（下）
——大师的身影，辉煌的巅峰

第四讲 海顿
——“古典”之父，伟大的开创者

第五讲 莫扎特（上）
——完美的典范，精致的优雅

第六讲 莫扎特（下）
——精益求精，尽善尽美

第七讲 贝多芬（上）
——飞向宇宙的人类之声

第八讲 贝多芬（下）
——情真意挚，天赋高远

第九讲 舒伯特
——在贝多芬墓旁

第十讲 舒曼 门德尔松
——梦幻与色彩，浪漫主义的精髓

第十一讲 勃拉姆斯（上）
——单向古典时代的浪漫丰义大师

第十二讲 勃拉姆斯（下）
——人间喜剧，大道无形

第十三讲 弗朗克、圣-桑、弗雷、德彪西与拉威尔
——法国风格：高卢的色调

第十四讲 紫科夫斯基
——色彩与抒情，浪漫主义的再续

第十五讲 斯美塔纳德沃夏克
——从伏尔塔瓦河到“新大陆”

第十六讲 拉赫马尼诺夫 普罗科菲耶夫
——动荡的时代，多元的气质

第十七讲 肖斯塔科维奇
——死亡与创造，二十世纪的结构大师

第十八讲 布里顿
——海景：孤独的世纪

尾声与回晌
作曲家及主要室内乐作品索引

精彩书摘

中世纪常被描述为“黑暗的”，教会势力独霸天下，在世俗领域与王权叫板，在地方实施专制的文化政策。但事实上，相当长一段时期内，教会是唯一的文化教育和传承机构。书籍（当然，只是宗教方面的）由教士们誊抄和保存——他们差不多是方圆几十公里唯一会写字的人，那时就连贵族也大部分都是文盲。无论修道院还是城堡都黑暗潮湿，比起遥远东方辉煌的唐朝，这里简直是地狱，大臣和上等贵族穿的也是粗布或平纺布，丝绸和瓷器简直是天价的奢侈品。教会控制着（或者说拥有）所有能说会写的人，当上层决定用音乐加速宗教的传播时，整饬教会音乐的要求变得越来越重要。据说这一运动是从教皇格里高利一世（Pope Gregory Ⅰ）开始的，相传他开始制定统一规范的教会礼仪，在各地广泛建立学校教授音乐（也有其他内容），搜集和整理圣咏。但大部分有稽可查的圣咏抄本都是在公元9世纪才陆续成型的，它们与教皇格里高利似乎没有什么关系，然而根据习惯仍然称之为“格里高利圣咏”。它们是基督教音乐的最早形态，是整个西方艺术音乐体系的根基和土壤。
从开始到后来筛选和固定下来的圣咏一共有3000多首。它们的来源很复杂，保留了很多地方教会自有的曲调，在经历仔细的挑选和曲调的规整之后，所有的圣咏都获得了规范和形式的统一。这些格里高利圣咏没有明确的节奏，曲调根据唱词自由延展；它们全部是由男子演唱的；在编定好的格里高利圣咏中，有许多曲调都来自于东方，但是这些旋律因为长期传唱和应用，有着广泛的影响，全部将其剔除出去显然不妥。为了防止在演唱这些曲调的圣咏时联想到东方异教的音乐（通常都有富于特色的乐器伴奏，甚至舞蹈），教会索性规定圣咏中严格禁止器乐伴奏。因此最早的格里高利圣咏系纯人声的形式。教会的这一规定导致专业领域的器乐音乐很晚才开始发展。
但世俗世界的音乐不像书籍那样容易控制，且民间音乐自古以来便源远流长，教会默许了非圣咏的音乐在俗界继续存在。除了乡村和山区原有的民歌曲，不断兴起的城市出现了一些新的音乐形式，法国的游吟诗人（Troubadour）和德国的恋诗歌手（Minnesinger）成为代表性的音乐势力，他们以各自本地的语言演唱，这些音乐被称作“方言歌曲”，器乐伴奏可有可无，且通常手头有什么就用什么。作为一种娱乐形式，而非祷告和唱诵，这些音乐为贵族和骑士阶层所喜爱。在他们的圈子里，这些音乐也被整理、修饰和创作着。到了13、14世纪，以此为代表的“骑士音乐”发展起来。骑士文化是十字军东征和教会扩张的副产物，其后他们和贵族打成一片，融入到贵族阶层。在各个宫殿、城馒和府邸，骑士音乐大行其道。相比较于同时期的教会圣咏，骑士音乐有着固定的节拍、舞蹈性的律动（三拍子）、有器乐伴奏，歌词朗朗上N——最重要的，它是以本国语言演唱的，而不是像圣咏那样采用拉丁文！它们迅速成为几近文盲的贵族客厅里的音乐形式。
沃尔肯施泰因（Oswald vonWolkenstein，1377—1445）的作品是骑士音乐的典型代表。如果你手头恰好有一张他的唱片，可以通过cD封册看到其中使用的乐器，在那个年代，竖琴（Harp）还很简单，不能演奏今天的竖琴上那么多音。管风琴（Organ）则是小型化的，不像教堂的管风琴那么复杂（尽管当时的教堂管风琴也较为简单）和庞大，这些乐器都是为歌曲伴奏的，偶尔会有一些独立的小曲是器乐独奏和齐奏的形式，是室内乐的早期形式。借此机会我们对如下乐器略作介绍：
竖笛（Recorder，德式拼法为Blockfl6te）起源于意大利，在文艺复兴时期和巴洛克时期都有广泛的应用。与长笛的横式吹法不同，竖笛是竖执吹奏的，它的音色醇厚甜美。早期的竖笛只能吹奏自然音级的音，所以表现力较受限制，但因其上手简单易学，在民间广泛流传。
轮擦提琴（Vielle或Hurdy—Gurdy）的声音非常有特色，听起来带有明显的摩擦音。它的外形看起来像是小提琴一般，但不是用弓来拉奏，而是在琴的下端有一个木制的轮子撑着琴弦，连接着手柄，通过手柄摇动木轮旋转摩擦琴弦而发声，因为可以连续不停转动轮子，故可以获得连续的发声。典型的轮擦提琴的指板有品格，或是设计成更复杂的键盘式，这样减低了演奏难度，任何人都可以通过按捺不同的品格获得相应的音高，而不必像指板无品的小提琴那样的乐器，还需要自己把握音高（试试就知道了，这难度非常大）。轮擦提琴有时还有辅助弦。辅助弦有两种，一种是不与木轮接触的，只是在演奏时增添共鸣；另一种是与木轮接触的，提供固定低音伴奏。按照音域不同，轮擦提琴也有不同的大小形制。这一乐器为游吟诗人和恋诗歌手所喜爱，在骑士音乐中成为常用乐器。
琉特琴（Lute）的外形与其说像吉他（严格地讲，吉他诞生的更晚，不论是不是真的像，应该反过来说），倒不如说是像琵琶。吉他的背板是平的，而琉特琴和琵琶后部都是曲面的，俗称“半梨形”，而且弦轴部位都是向后弯曲的，即与指板成角度（有的角度大至直角）。而琉特琴与吉他和琵琶都不同的是，琉特琴的琴弦中有几乎一半是所谓的同音辅弦——起共鸣和增大音量作用，典型的巴洛克琉特琴有11根琴弦，其中有5对同音弦。
……

前言/序言

好的，这是一本关于室内乐欣赏的图书的简介，不包含您提到的《室内乐欣赏十八讲》的内容，力求详尽、自然，避免痕迹感。 --- 乐章的私语：探寻室内乐的精微世界 在古典音乐的广袤疆域中，管弦乐的恢弘气势固然令人震撼，而独奏乐器的炫技技巧也令人赞叹。然而，有一种音乐形式，它以其独特的亲密感、对话性与精妙的平衡，吸引着无数乐迷与演奏家——那就是室内乐（Chamber Music）。它不是为宏大礼堂而生，而是为房间、沙龙、或三五知己的私密空间而准备。这种音乐，是乐器之间最真诚的交谈，是作曲家思想最细腻的呈现。 本书《乐章的私语：探寻室内乐的精微世界》，旨在带领读者跨越历史的鸿沟，深入到室内乐的肌理之中。我们不追求面面俱到的百科全书式罗列，而是聚焦于那些定义了室内乐发展脉络的关键流派、杰出作品及其背后的文化语境。这是一场关于聆听的训练，一次对音乐结构与情感表达的深度挖掘。 第一部分：从巴洛克的回响到古典主义的定型 室内乐的根源深深植根于巴洛克时期（Baroque Era）的合奏传统中，特别是“奏鸣曲”（Sonata）和“三重奏奏鸣曲”（Trio Sonata）的蓬勃发展。我们首先将目光投向这个时期，解析小提琴、大提琴与羽管键琴（或大键琴）如何构筑起一个既有清晰线条感，又充满装饰性自由的音乐网络。巴赫（J.S. Bach）晚期的对位法杰作，如《音乐的奉献》，展示了结构美学的巅峰，其多声部的独立性与整体的完美融合，为后世的室内乐设定了极高的智识标准。 随后，我们将进入一个至关重要的转型期——古典主义（The Classical Period）。海顿（Joseph Haydn），这位“交响曲之父”，同样是弦乐四重奏（String Quartet）的奠基者。他如何将原本松散的对位与旋律结合，发展出呈示部、展开部、再现部这一古典奏鸣曲式的黄金结构？海顿的作品不仅仅是技术的胜利，更是对“对话”艺术的完美诠释——四个声部，四种个性，互相倾听、争辩、最终达成和谐。我们将细致剖析早期四重奏中幽默感的运用，以及他如何通过调性对比来驱动音乐的戏剧性张力。 莫扎特（W.A. Mozart）的贡献则更偏向于旋律的灵动与声部平衡的优雅。他的弦乐五重奏（String Quintet），特别是那些加入了第二中提琴的作品，展现了无与伦比的色彩变化。在莫扎特的作品中，乐器不再是简单的“主奏”与“伴奏”关系，而是一种平等的交流，即所谓的“四部平等”（Four-Part Equality）。 第二部分：浪漫的激情与民族色彩的涌现 步入浪漫主义时期（The Romantic Era），室内乐不再满足于古典主义的克制与清晰。乐曲的篇幅拉长，情感表达更为直接和主观。舒伯特（Franz Schubert）将歌唱性引入室内乐，使得他作品中的旋律充满了令人心碎的抒情性。他的《G大调弦乐五重奏》，尤其是在慢乐章中，展现了超越时代的内省深度。 勃拉姆斯（Johannes Brahms）是浪漫主义室内乐的集大成者。他站在海顿、莫扎特的肩膀上，却用更厚重、更复杂、更富于织体深度的笔触重塑了室内乐的形态。他的钢琴三重奏、小提琴奏鸣曲，以及著名的单簧管五重奏，无不体现出一种对传统结构的尊重与对深刻内涵的追求。读者将学习如何分辨勃拉姆斯作品中那种“既古典又浪漫”的独特张力。 与此同时，欧洲各地的民族主义浪潮也渗透到了室内乐创作中。捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）将波西米亚的民间旋律与节奏融入到他精湛的对位技巧中，创造出既有地域风情又不失普世情感的作品，例如他广为人知的《“美国”弦乐四重奏》。 第三部分：跨界融合与二十世纪的革新 进入二十世纪，室内乐的疆域被彻底拓宽。德彪西（Claude Debussy）的《g小调弦乐四重奏》标志着印象派色彩对传统结构的冲击，模糊了边界，强调音色的光影变幻。拉威尔（Maurice Ravel）则以其精致的技艺，在印象派与新古典主义之间找到了一个完美的平衡点。 德奥传统之外，欧洲其他地区的创新尤为值得关注。肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）的十五部弦乐四重奏，构成了对二十世纪动荡历史的个人史诗。他的作品充满了黑色幽默、痛苦的抗争与对生命的深刻反思。解读这些作品，需要我们理解其背后的时代背景与隐晦的符号系统。 此外，我们也探讨了管乐五重奏（Woodwind Quintet）的发展历程，以及钢琴与特定独奏乐器（如小提琴、大提琴）奏鸣曲中，钢琴与独奏者之间不断演变的权力关系——从早期的伴奏地位，到浪漫主义时期的平等对话，再到二十世纪复杂的相互依存。 结语：聆听的艺术 本书的核心目标并非是教会读者如何演奏，而是如何更深层次地聆听。室内乐的魅力在于其非凡的透明度：每一个音符、每一个呼吸、每一次重音的细微差异，都承载着作曲家与演奏家的意图。通过对作品结构的剖析、对历史背景的梳理，以及对演奏传统的理解，读者将能够从“听热闹”进入到“听门道”的境界，真正领略到这“小而美”的音乐形式所蕴含的无限宇宙。这是一本为所有对古典音乐抱有好奇心、渴望在细微之处发现宏大之美的爱乐者准备的指南。

评分☆☆☆☆☆

这本《室内乐欣赏十八讲》真是让我眼前一亮，它完全打破了我之前对室内乐书籍的刻板印象。我一直以为这类书籍要么过于学术化，充斥着晦涩的术语和复杂的分析，要么就是流水账式的作品介绍，缺乏深度。但这本书给我的感觉却截然不同。它更像是一场精心策划的音乐会，每一讲都是一个独立的主题，但又彼此关联，共同勾勒出一幅完整的室内乐发展画卷。我非常欣赏作者的叙事方式，感觉他不是在“教”你，而是在“分享”他对室内乐的热爱和理解。他似乎总能找到最恰当的比喻和最生动的语言，将那些看似复杂的音乐概念变得通俗易懂。我特别感兴趣的是书中对不同室内乐体裁的介绍，比如弦乐四重奏、钢琴五重奏、管乐五重奏等等，以及它们各自的特点和历史演变。我想象着，通过这本书，我能够更清晰地辨识出不同乐器组合所能产生的独特音响效果，以及它们在室内乐作品中扮演的不同角色。而且，十八讲的篇幅也意味着可以涵盖更广泛的内容，我希望能够了解到从巴洛克时期到现代音乐的各个阶段的重要室内乐作品和作曲家，不仅仅是那些耳熟能详的大家，也包括一些可能被大众忽略的宝藏。这本书无疑为我打开了一扇通往更广阔室内乐世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

我始终觉得，音乐的欣赏，尤其是在听古典音乐时，需要一种“懂”的引导，否则很容易变成一种“听过”而已。对于室内乐，这种“懂”的需求尤为迫切。它不像交响乐那样有着明确的指挥和宏大的音响来支撑，更多的是一种细腻的、层层递进的对话，需要听者更专注的聆听和更深入的理解。《室内乐欣赏十八讲》这个书名，恰恰击中了我的痛点。我一直希望有一本书，能够像一位经验丰富的向导，带我走进室内乐那充满智慧和情感的殿堂。我期待这本书能够为我揭示不同室内乐作品的独特魅力，比如舒伯特那如歌的旋律，勃拉姆斯那深沉的情感，以及贝多芬那革命性的创新。我希望能够从中学习到如何去辨别不同乐器组合所产生的微妙音色差异，如何去理解音乐主题的发展与变奏，以及如何去感受作曲家在有限篇幅内所能创造出的无限可能。十八讲的设置，让我看到了系统学习的可能性，它暗示着内容会循序渐进，涵盖广泛，从历史背景到具体作品赏析，从理论解析到实践指导，能够全面地提升我作为一名业余爱好者的鉴赏能力。我迫切地想通过这本书，让我的耳朵变得更灵敏，让我的心能更贴近那些动人的音乐。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个对古典音乐有着深厚感情，却又常常感到力不从心的人来说，《室内乐欣赏十八讲》的出现，无疑是一场及时雨。我一直试图在浩瀚的古典音乐海洋中找到能让自己真正沉静下来，细细品味的作品，而室内乐，凭借其独特的亲密感和对话性，总是让我心生向往。然而，缺乏系统性的引导，我往往只能停留在表面，对作品背后的深层含义和精妙结构感到茫然。《室内乐欣赏十八讲》的名字，就像一个承诺，承诺将十八个探索的路径清晰地呈现在我面前。我希望这本书能够引领我深入了解不同乐器组合所能产生的丰富音响效果，比如弦乐四重奏的严谨与和谐，钢琴三重奏的优雅与灵动，以及管乐室内乐的明亮与色彩。我更期待能够从中学习到如何去捕捉乐曲中各个声部的独立性与相互呼应，理解作曲家如何通过精巧的织体和对话来构建作品的情感张力和逻辑。这本书的“十八讲”模式，也预示着其内容的丰富性与系统性，我希望它能为我梳理出一条清晰的学习脉络，从历史的维度到风格的演变，从经典作品的赏析到作曲家们的创作理念，让我能够逐渐构建起一个完整而深入的室内乐知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书我拿到手已经有一段时间了，虽然我还没来得及细细品读，但光看目录和一些零星翻阅的部分，就能感受到它沉甸甸的分量。作为一名业余的古典音乐爱好者，我对室内乐一直有着浓厚的兴趣，总觉得它不像交响乐那样宏大磅礴，却有着一种亲密、细腻、如同知己对谈般的魅力。我一直希望能找到一本既能系统介绍室内乐知识，又能激发我深入探索的读物。《室内乐欣赏十八讲》这个名字本身就充满了吸引力，十八讲，听起来像是一个循序渐进的学习过程，仿佛每一讲都像一位引路人，带我穿越不同的音乐时期、不同风格的作品，甚至不同乐器的组合。我尤其期待书中对那些经典室内乐作品的解读，比如贝多芬的弦乐四重奏，莫扎特的钢琴三重奏，舒伯特的“死神与少女”，还有勃拉姆斯那些深邃迷人的室内乐篇章。我希望这本书能帮我理解这些作品背后的故事，作曲家的创作心境，以及不同声部之间精妙的对话。同时，我也希望能学到一些欣赏室内乐的基本方法，比如如何去分辨不同的声部，如何去体会乐句的起伏，如何去感受作曲家赋予音乐的情感色彩。虽然我不是音乐专业出身，但我相信这本书的“欣赏”二字，意味着它会用一种更易于理解和接受的方式来引导读者，而不是枯燥的理论堆砌。我迫不及待地想沉浸在其中，用耳朵去感受，用心灵去体会那份别样的音乐之美。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对室内乐的了解非常有限，只知道一些比较著名的作品，比如德彪西的弦乐四重奏，或者莫扎特的一些小夜曲。我一直觉得室内乐是一种比较“小众”的艺术形式，门槛有点高，不太容易进入。所以，当我看到《室内乐欣赏十八讲》这本书时，我的第一反应是有些犹豫，担心自己是否能够理解。但是，当我翻开这本书，被它精美的排版和清晰的结构吸引之后，我的疑虑渐渐消散了。这本书的文字风格非常亲切，仿佛一位经验丰富的音乐导游，带着你一步步走进室内乐的殿堂。它没有强迫你记住一大堆枯燥的乐理知识，而是通过生动的讲解，让你在不知不觉中领悟到室内乐的魅力。我尤其喜欢书中对作品的背景介绍，以及对作曲家创作意图的解读。这让我感觉自己不仅仅是在听音乐，更是在与历史对话，与作曲家的灵魂交流。我期待通过这本书，能够对室内乐有一个更全面的认识，能够区分出不同时期、不同作曲家的风格特点，并且能够更自信地去欣赏那些我以前觉得“听不懂”的作品。这绝对是一本能够帮助我提升音乐素养的入门级读物，也是一本能够引发我进一步探索兴趣的敲门砖。

评分☆☆☆☆☆

中国智慧这次购物真的太爽了，赶上京东618，活动这么给力，商品品类又齐全，正好零食吃没了，看到恰恰在搞活动，满199-100，而且很多商品参加618活动，单价已经比平时降了好多了，所以现在一起买必须是非常的划算，一口气下了这么多东西，瓜子、零食、蚕豆、花生、肉酱，各种非常齐全，到货后第一时间拆开，日期都很新鲜，而且保证的都很到位，这次确实是一次非常满意的购物体验，以后继续支持京东，支持恰恰搞活动，好评！不许满分走起！

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这种书 不可或缺！

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正版图书有帮助质量好

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新作品，名家大作！京东什么都有！方便啊！

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希望有实质性的内容，书的质量、印刷倒是挺满意的！

评分☆☆☆☆☆

书还不错，增加不少了解。

评分☆☆☆☆☆

同步聆听，同步阅读，加深理解

评分☆☆☆☆☆

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