中国历代绘画珍本:白芙蓉图

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[南宋] 李迪 著,王刘纯,李红 编
图书标签:
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出版社: 大象出版社
ISBN:9787534765650
版次:1
商品编码:11060080
品牌:大象出版社
包装:平装
丛书名: 中国历代绘画珍本
开本:8开
出版时间:2012-04-01
用纸:特种纸
页数:10
正文语种:中文

具体描述

编辑推荐

  

  宋代花鸟画是我国绘画发展史上的一座高峰。当时画院和民间名家众多,表现形式多种多样,画法画风不拘一格,或双勾、或没骨、或点染、或重彩、或淡彩、或水墨、或工笔、或写意,各逞所能。存世名家珍本可谓法度大备,气完神足,对后世影响甚大。

  包括一张高清放大图和一张原大复制品。即可通过原大、原色的复制品体会原作的面貌,又可通过高清放大图细致观察局部,体会原作的敷色及用笔、造型技法。
  采用了散页装帧形式,是为了方便鉴赏者临摹。

  其高清放大部分可用作教学挂图,作为美院或者画院的教材使用。

  《中国历代绘画珍本》第一辑40种之一。

海报:

内容简介

  

  原大尺寸:25.2*26.0cm 高清放大:400%

  《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》所选皆为中国历代名画,原作仿真,高清放大,或遒劲流畅,或粗细顿挫,随心流转,圆润飘逸,节奏鲜明,落笔精道,形神兼备,是学习中国画的临摹经典范本。《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》可供中国画学习者临摹欣赏。

  白芙蓉图被认为是南宋院体花鸟画的高水平之作。画面色彩较厚,晕染采用出没骨画的技巧,过渡自然,表现出芙蓉花瓣形态及色彩细微的变化特征。细腻而透明的色彩,体现出富丽、鲜润的特点。线描的技法也细致入微,叶脉上那种毛茸茸的样子都表现出来了。线描具有五代黄筌一派画风的精神。

作者简介

  李迪,生卒年不详。南宋画家,河阳(今河南省孟县)人,北宋宣和时为画院成忠郎,南宋绍兴时复职为画院副使,历事孝宗、光宗、宁宗三朝(1162年—1224年),活跃于宫廷画院几十年,画多艺精,颇负盛名。工花鸟竹石、鹰鹘犬猫、耕牛山鸡,长于写生,间作山水小景。构思精妙,功力深湛,雄伟处动人心魄。所作《枫鹰雉鸡图》温柔娇嫩可爱,《鸡雏图》形象生动超拔,刻画细致入微,各具神态。山水师李唐法,亦多佳作。论者谓其画鸠“作寒冷状,精俊如生”;画鹡鸰“翘翘欲起”。

内页插图


锦绣丹青,千古风韵:中国绘画史的璀璨明珠 中国,这片古老而神秘的土地,孕育了辉煌灿烂的文明,其中,绘画艺术更是其瑰宝中的瑰宝。数千年来,无数巧匠丹青妙手,以笔墨纸砚为媒介,将山川河流、人物百态、花鸟虫鱼之美,凝固于画面之上,传承至今,成为我们窥探历史、感受古人情怀的绝佳窗口。本书《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》并非一部简单意义上的画册,它是一次穿越时空的艺术巡礼,是一场关于中国绘画史的深度探索,更是一次对中华民族审美情趣与文化精神的细致品读。 本书精选了中国绘画史上最具代表性、最具艺术价值的诸多珍品,从远古的岩画萌芽,到唐宋的鼎盛辉煌,再到元明清的传承发展,每个时期最具代表性的画作,都经过了严谨的遴选和深入的研究。我们并非简单地罗列图画,而是试图通过对这些珍品的呈现,揭示中国绘画艺术发展的脉络、美学特征的演变,以及不同时代社会文化背景对绘画创作的深刻影响。 远古的呼唤:岩画与早期绘画的雏形 追溯中国绘画的源头,我们不得不将目光投向遥远的史前时期。那些刻绘在山崖洞壁上的岩画,虽然粗犷质朴,却蕴含着先民们最原始的对自然的敬畏,对生命的渴望,以及最朴素的叙事欲望。本书将精选具有代表性的岩画作品,从构图、造型、题材等方面,分析其作为中国绘画早期形态的意义,探讨它们如何为后世的绘画艺术奠定最初的基础。同时,我们也将介绍商周时期青铜器上的纹饰,以及早期陶器、玉器上的图案,它们同样蕴含着早期中国人的艺术想象力和造型能力,为理解中国绘画从装饰走向表现的过渡提供了重要的线索。 魏晋风骨,神韵初显 魏晋时期,是中国绘画发展史上的一个重要转折点。随着玄学思潮的兴起,士人阶层开始关注个体生命和内在精神的表达。曹操、曹植、嵇康等人的文学作品中,已经流露出对山水景物的描绘和对人物精神世界的探索。在绘画领域,顾恺之、陆探微、张僧繇等大师应运而生,他们将中国画从最初的“工笔细描”逐渐发展为注重“传神写意”。本书将重点解析顾恺之的《洛神赋图》,通过对其人物造型的飘逸、线条的流畅、情感的细腻描摹,展现魏晋时期“以形写神”的美学追求。同时,我们也将介绍其他如《女史箴图》等作品,探讨这一时期佛教艺术的传入对中国绘画的影响,以及“吴带当风”等独特的绘画技法如何在这一时期得到确立。 盛唐气象,雍容华贵 唐朝,是中国历史上一个极为辉煌的时代,其绘画艺术也达到了一个高峰。此时的绘画题材更为广泛,人物画、山水画、花鸟画都取得了巨大的成就。阎立本的《步辇图》以写实的笔法,生动地刻画了唐太宗接见吐蕃使者的场景,展现了唐朝开放包容的国力和君主的威仪。张萱的《虢国夫人游春图》则描绘了贵族妇女的生活场景,画面色彩明丽,人物姿态优美,尽显盛唐的雍容华贵。周昉的《簪花仕女图》更是以其细腻的笔触和对女性美的独特诠释,成为后世仕女画的典范。本书将深入分析这些作品,探讨唐代绘画在技法、色彩、构图以及题材上的创新,以及它们如何反映出当时社会的繁荣昌盛和开放气象。此外,我们也将关注唐代山水画的萌芽,以及佛教壁画的艺术成就,为读者勾勒出更为完整的唐代绘画图景。 两宋风雅,文人情怀 宋朝,是中国绘画的又一个高峰。特别是北宋,文人画开始兴起,绘画不再仅仅是贵族的专属,而是成为文人雅士抒发情怀、寄托思想的重要方式。宋代山水画更是达到了登峰造极的境界,如范宽的《溪山行旅图》和郭熙的《早春图》,以其雄浑壮阔的笔墨,描绘出气势磅礴的山河景象,体现了人与自然的和谐统一。宋代花鸟画也取得了极高的成就,黄荃的工笔花鸟和徐熙的写意花鸟,各有千秋,将花鸟之美表现得淋漓尽致。本书将重点解析范宽和郭熙的山水画,分析其构图的宏大、笔墨的苍劲,以及对自然景物的深刻体悟。我们也将介绍宋代宫廷画院的作品,探讨院体画在精细描摹和写实方面的成就,并对比文人画的写意精神,揭示宋代绘画艺术的多元发展。同时,书中还会穿插介绍宋代人物画的代表作,如张择端的《清明上河图》,以其精细入微的描绘,展现了宋朝都市生活的繁华景象,为我们提供了了解宋代社会生活的第一手资料。 元明清:传承与创新,时代的回响 元代,是中国绘画史上的一个过渡时期。虽然受到蒙古族统治的影响,但文人画依然得到发展,如赵孟頫、管道昇等人的作品,将书法、诗文与绘画相结合,展现了独特的文人意趣。明清两代,中国绘画呈现出更为多元化的面貌。明代吴门画派(沈周、文徵明、唐寅、仇英)以其淡雅的色彩和清逸的笔墨,将文人画推向新的高度。晚明时期,陈洪绶、徐渭等人的作品则表现出更为强烈的个性和反叛精神。清代,宫廷画院依然存在,但海派、扬州八怪等新兴画派的出现,为中国画注入了新的活力。郑燮的《竹石》以其率真奔放的笔法,展现了竹子坚韧不拔的品格。本书将梳理元明清各画派的特点,分析代表性作品,如沈周的《庐山高图》,探讨其笔墨的苍浑与意境的深远。我们将重点介绍“扬州八怪”的艺术风格,分析他们如何打破传统,以奇崛的笔墨和独特的构图,展现时代精神。此外,书中还将涉及海派绘画的兴起,以及晚清西方绘画技法对中国绘画的影响,展现这一时期中国绘画的复杂性和创造力。 艺术的语言:笔墨、色彩与构图的奥秘 本书并非仅仅停留在作品的介绍,更将深入剖析中国绘画的独特艺术语言。我们将详细解读“笔墨”在中国绘画中的核心地位,阐释“皴法”的演变与运用,探讨“晕染”和“渲染”等技法的效果,以及不同笔墨方式所能传达的意境。色彩方面,我们将分析中国画如何运用“墨分五色”,以及如何通过设色的浓淡、冷暖来表达情感和意境。在构图方面,我们将探讨中国画独特的“虚实相生”、“计白当黑”等原则,以及如何通过“散点透视”等手法,创造出丰富的空间感。本书将以具体的作品为例,深入浅出地讲解这些绘画技法的运用,让读者不仅能欣赏画作之美,更能理解其背后的艺术原理。 文化的回响:绘画中的历史、哲学与情感 中国绘画从来不仅仅是视觉的享受,更是承载着丰富的文化信息。本书将探讨绘画作品如何反映不同时代的社会风貌、政治变迁、宗教信仰和哲学思想。例如,山水画中蕴含的道家“天人合一”的思想,仕女画中折射出的女性地位与审美观念,花鸟画中寄托的文人情怀与品格追求。我们将通过对作品题材、意象、题跋、印章等细节的解读,挖掘出隐藏在画面之下的历史故事、哲学思考和个人情感。本书将引导读者超越单纯的审美层面,去理解中国绘画作为一种文化载体,其所承载的深厚底蕴和人文关怀。 结语 《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》是一次献给所有热爱中国传统文化和艺术的朋友的邀约。我们希望通过这部作品,能够让更多人领略到中国绘画的博大精深,感受古人对美的追求和对生活的深刻体悟。每一幅画,都是一段历史的注脚,一次心灵的对话。让我们一同走进这锦绣丹青的世界,感受那穿越千年的艺术风韵。本书的每一个字、每一幅画,都力求真实、严谨,希望能以最真诚的态度,为您呈现中国绘画艺术最璀璨的光辉。

用户评价

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我一直认为,好的绘画作品,不仅仅是形似,更重要的是神似。而《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,完完全全地诠释了这一点。初看这幅《白芙蓉图》,给我的感觉就是“静”。画面中的芙蓉,没有喧嚣,没有张扬,只是静静地绽放着,散发着一种清雅脱俗的气质。我仔细看了花瓣的描绘,画家用非常精妙的笔触,勾勒出花瓣的轮廓,然后用淡墨进行晕染,使得花瓣显得饱满而富有光泽。即使是白色的花,在墨色的晕染下,也显得层次分明,富有立体感。叶子的描绘也同样精彩,有的舒展,有的卷曲,用笔的轻重缓急,墨色的浓淡干湿,都恰到好处地表现了叶片的形态和生命力。我特别欣赏画家对画面空间的运用。花与叶的穿插,留白的部分,并非空无一物,而是引导观者视线的流动,营造出一种宁静、淡雅的意境。我感觉,画家在描绘这幅画的时候,一定是以一种非常平和的心态,与自然融为一体,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的印刷质量非常高,色彩还原度极佳,我几乎能感受到原作的笔墨质感。对于我这样喜欢收藏高品质艺术类书籍的人来说,这本书绝对是物超所值。

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当我在书店偶然翻开《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书时,脑海中立刻被画面所吸引。我一直对中国传统水墨画情有独钟,尤其是写意花鸟,总觉得里面蕴含着一种东方独有的哲学和审美。而这幅《白芙蓉图》,更是将这种意境发挥到了极致。我一直以为芙蓉是一种热情奔放的花,但在这幅画里,它却呈现出一种内敛、高洁的气质。画家寥寥几笔,就勾勒出芙蓉的形态,花瓣的舒展,花蕊的含蓄,都恰到好处。最让我着迷的是画面的色彩运用。虽然主题是白芙蓉,但画家并非只用了单一的白色。在花瓣的阴影处,巧妙地融入了淡墨的晕染,使得花朵有了立体的空间感和层次感。那些绿色的叶子,也并非简单的涂抹,而是用不同的墨色和笔触来表现叶片的质感和向背,有的舒展,有的卷曲,生动地展现了植物的生命力。画面的构图也非常讲究,花与叶的穿插,留白的处理,都营造出一种空灵、静谧的氛围。我感觉画家在描绘这幅画的时候,一定是以一种非常平和的心态,与自然融为一体,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的出版,对于我这样的绘画爱好者来说,无疑是一份珍贵的礼物。我希望能从中学习到更多绘画的技巧,更重要的是,体会到画家笔下所传达的那种对生活的热爱和对自然的敬畏。

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坦白说,初拿到《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》时,我并没有抱有太高的期待。毕竟市面上关于中国古代绘画的书籍琳琅满目,要能真正打动我,着实不易。然而,当我逐页翻阅,当我沉浸在那幅《白芙蓉图》之中时,我完全被它征服了。画作的构图,不是那种对称、规整的安排,而是带着一种天然的、随意的姿态,几朵芙蓉,错落有致地舒展着。我特别留意到,画家在描绘花瓣时,并不是一味地追求形似,而是抓住了芙蓉那种含蓄、内敛的美。花瓣的卷曲,花蕊的含藏,都用非常写意的笔法表现出来,但又不失其神韵。最让我惊叹的是画面的色彩。虽是以白色为主,但画家巧妙地运用了墨色的浓淡变化,使得白色的花瓣也呈现出丰富的层次感和立体感。叶片的描绘也十分精彩,有的是嫩绿,有的则带着些许成熟的深沉,笔触多变,生动地展现了植物的生长姿态。我反复观察画面的细节,比如花瓣上的纹理,叶片上的脉络,甚至是几根细微的绒毛,都描绘得一丝不苟,却又毫不做作。我觉得,这幅画不仅仅是对芙蓉外形的描摹,更是画家对芙蓉内在精神的一种理解和升华。这本书的印刷质量很高,色彩还原度极佳,我几乎能感受到原作的笔墨质感。对于我这样喜欢收藏高品质艺术类书籍的人来说,这本书绝对是物超所值。

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《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,带给我的不仅仅是一幅画的欣赏,更是一次穿越时空的对话。我反复地翻阅着,试图从每一根线条,每一个墨点中,读出画家的心声。这幅《白芙蓉图》给我的第一印象是“淡”。它不像一些工笔画那样浓墨重彩,而是以一种极简的笔触,勾勒出芙蓉的形态。然而,这种“淡”却一点也不单薄,反而充满了张力。我注意到,画家在描绘花瓣的时候,用了非常细腻的线条,勾勒出花瓣的轮廓,然后用淡墨进行晕染,使得花瓣显得饱满而富有光泽。即使是白色的花,在墨色的晕染下,也展现出了丰富的变化。花叶的处理同样精彩。那些舒展的叶子,用笔遒劲有力,墨色浓淡变化,仿佛能感受到叶片的生命力。而画面中的几点露珠,更是画龙点睛之笔,晶莹剔透,栩栩如生,为画面增添了一抹灵动。我特别欣赏画家对画面空间的运用。花与叶的疏密关系,虚与实的对比,都处理得恰到好处。留白的部分,并非空白,而是引导观者视线的流动,营造出一种宁静致远的意境。这本书的装帧也做得非常精美,纸张的质感,印刷的清晰度,都让人赏心悦目。我想,这不仅仅是一本书,更是一件可以珍藏的艺术品。

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《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,带给我的不仅仅是视觉上的享受,更是一种精神上的启迪。画中的白芙蓉,在我看来,不仅仅是一朵花,更是高洁品格的象征。画家寥寥数笔,便勾勒出了芙蓉的形态,花瓣的舒展,花蕊的含蓄,都恰到好处。我尤其欣赏画面中色彩的运用。虽是以白色为主,但画家巧妙地运用了墨色的浓淡变化,使得白色的花瓣也呈现出丰富的层次感和立体感。那些绿色的叶子,也并非千篇一律,有的舒展,有的卷曲,用笔的轻重缓急,墨色的浓淡干湿,都恰到好处地表现了叶片的形态和生命力。画面的构图非常巧妙,花与叶的穿插,空间的留白,都营造出一种宁静、淡雅的意境。我感觉,画家在描绘这幅画的时候,一定是以一种非常平和的心态,与自然融为一体,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的印刷质量很高,色彩还原度极佳,我几乎能感受到原作的笔墨质感。对于我这样喜欢收藏高品质艺术类书籍的人来说,这本书绝对是物超所值。

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《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,当我第一次翻开它的时候,那种震撼是难以言喻的。我一直觉得,中国画的魅力在于其“写意”,在于其“留白”,在于其“气韵生动”。而这幅《白芙蓉图》,正是这些特质的完美体现。画面中的芙蓉,没有那种咄咄逼人的姿态,而是呈现出一种沉静、内敛的美。我仔细观察了花瓣的描绘,画家用极简的笔触,勾勒出花瓣的轮廓,然后用淡墨进行晕染,使得花瓣的层次感和立体感呼之欲出。即使是白色的花,在墨色的晕染下,也显得饱满而富有光泽。叶子的描绘更是精彩,有的是嫩绿,有的则带着些许成熟的深沉,用笔的轻重缓急,墨色的浓淡干湿,都恰到好处地表现了叶片的形态和生命力。我特别欣赏画家对画面空间的运用。花与叶的穿插,留白的部分,并非空无一物,而是引导观者视线的流动,营造出一种宁静、淡雅的意境。整幅画作,无论从构图的疏密,还是笔墨的浓淡,都达到了一个相当高的艺术水准。这本书的装帧也十分精美,纸张的质感,印刷的清晰度,都让人赏心悦目。它不仅仅是一本书,更是一件可以珍藏的艺术品。

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我一直认为,真正的艺术作品,能够穿越时空,与观者产生共鸣。而《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,就做到了这一点。第一次看到画中的白芙蓉,我脑海里浮现出的是那种清晨带露的、在微风中轻轻摇曳的画面。画家寥寥数笔,就勾勒出了花瓣的轻盈和柔美,那种半开未开的状态,充满了生命力和诗意。我尤其喜欢画面中色彩的运用。虽然是白芙蓉,但画家并没有仅仅停留在一片白。在花瓣的转折处,运用了非常微妙的墨色晕染,使得花瓣显得饱满而富有质感。而那些绿色的叶子,也并非千篇一律,有的舒展开来,有的则略带卷曲,用笔的轻重缓急,墨色的浓淡干湿,都恰到好处地表现了叶片的形态和生命力。画面的构图非常巧妙,花与叶的穿插,空间的留白,都营造出一种宁静、淡雅的意境。我感觉,画家在描绘这幅画的时候,一定是在一个非常安静的环境中,内心平和,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的纸张选择也非常出色,触感细腻,印刷清晰,色彩还原度很高,几乎能感受到原作的笔墨质感。这本书不仅仅是艺术的呈现,更是一种生活态度的传达。

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初次接触《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,我便被其独特的艺术魅力所吸引。画面中的白芙蓉,没有浓墨重彩的渲染,却以一种极其写意的方式,展现了花朵的清雅与高洁。我反复审视画中的每一笔每一划,仿佛能感受到画家下笔时的心境。花瓣的勾勒,用笔轻盈而富有弹性,仿佛在风中轻轻摇曳;墨色的晕染,淡雅而富有层次,使得花瓣的立体感呼之欲出。即使是细微的脉络,也描绘得恰到好处,显示出画家精湛的技艺。叶子的描绘同样精彩,或舒展,或卷曲,用笔的刚柔并济,墨色的浓淡变化,都生动地展现了植物的生命力。画面的构图更是别具匠心,花与叶的穿插,留白的运用,都营造出一种空灵、静谧的意境,让人心旷神怡。我能想象,画家在创作这幅画时,一定是怀揣着一颗宁静的心,与大自然融为一体,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的装帧设计也非常考究,纸张的质感,印刷的清晰度,都让人赏心悦目。它不仅是一本画册,更是一次与古代艺术的对话,一次心灵的洗礼。

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我一直觉得,艺术的魅力在于其能够触动人心最深处的情感。而《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》这本书,恰恰做到了这一点。画中的白芙蓉,没有惊艳的美丽,却有一种素雅、高洁的气质,仿佛一位不染尘埃的女子,静静地伫立在尘世之中。我仔细研究了画面的细节,花瓣的纹理,叶片的脉络,甚至是几根细微的绒毛,都描绘得一丝不苟,却又毫不做作。画家用非常精妙的笔触,勾勒出花瓣的轮廓,然后用淡墨进行晕染,使得花瓣显得饱满而富有光泽。即使是白色的花,在墨色的晕染下,也显得层次分明,富有立体感。叶子的描绘也同样精彩,有的是嫩绿,有的则带着些许成熟的深沉,用笔的轻重缓急,墨色的浓淡干湿,都恰到好处地表现了叶片的形态和生命力。画面的构图非常巧妙,花与叶的穿插,空间的留白,都营造出一种宁静、淡雅的意境。我感觉,画家在描绘这幅画的时候,一定是以一种非常平和的心态,与自然融为一体,才能捕捉到芙蓉最真实、最动人的神韵。这本书的装帧设计也非常考究,纸张的质感,印刷的清晰度,都让人赏心悦目。它不仅仅是一本画册,更是一次与古代艺术的对话,一次心灵的洗礼。

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这本《中国历代绘画珍本:白芙蓉图》的装帧,我刚拿到手就觉得分量十足,沉甸甸的,打开来更是惊喜连连。纸张的质感非常考究,那种哑光、略带韧性的触感,光是抚摸就已经能感受到制书人的用心。我特别喜欢它印制的色彩,那种浓而不艳、淡而不失神韵的调调,完全复刻了原作的墨色和色彩的微妙变化。翻开扉页,首先映入眼帘的是关于这幅《白芙蓉图》的简要介绍,文字不多,但字字珠玑,点出了画作的历史背景、艺术价值以及其在画家创作生涯中的地位。虽然我不是专业的书画鉴定师,但光是看着这些文字,就能感受到一种历史的厚重感扑面而来。随后,就是那幅魂牵梦萦的《白芙蓉图》的呈现。我反复仔细地端详着每一笔、每一划。画中的白芙蓉,花瓣的层次感,那微微卷曲的花瓣边缘,仿佛能闻到淡淡的清香。叶子的舒展,根茎的遒劲,都展现了画家对自然生命的细致观察和深刻理解。尤其是那几片带露的花瓣,水珠晶莹剔透,光泽的晕染处理得恰到好处,仿佛真的凝结在花瓣之上,触手可及。画家对于光影的把握,对于空间的处理,都让我惊叹不已。画面的留白并非空无一物,而是与画面内容相互映衬,营造出一种宁静、淡雅的意境。整幅画作,无论是从构图的疏密,还是笔墨的浓淡,都达到了一个相当高的艺术水准。我迫不及待地想去了解更多关于这幅画背后的故事,关于这位画家,以及它流传至今的传奇。

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果熟来禽图页,宋,林椿绘

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《荣宝斋画谱 · 伍嘉陵绘》

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开本很大,有三分之一是留白,折痕又刚好在画面正中,很无语。哑光纸,印刷还行。

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亦记其荣枯语默之候,所以绘事之妙,多寓兴于此,与诗人相表里焉。”在中国画中,凡以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画,称之为花鸟画。

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统画科。又可细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等支科。中国花鸟画集中体现了中国人与作为审美客体的自然生物的审美关系,具有较强的抒情性。它往往通过抒写作者的思想感情,体现时代精神,间接反映社会生活,在世界各民族同类题材的绘画中表现出十分鲜明的特点。其技法多样,曾以描写手法的精工或奔放,分为工笔花鸟画和写意花鸟画(又可分为大写意花鸟画和小写意花鸟画);又以使用水墨色彩上的差异,分为水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画与没骨花鸟画。

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宋人经典之作,教学、临摹皆佳@!

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的壁画《双鸦栖树图》,也是较早的独幅花鸟画。花鸟画发展到两汉六朝则粗具规模。南齐谢赫《画品》记载的东晋画家刘胤祖,是已知第一位花鸟画家。经唐、五代北宋,花鸟画完全发展成熟。五代出现的黄筌、徐熙两种风格流派,已能通过不同的选材和不同的手法,分别表达或富贵或野逸的志趣。北宋的《圣朝名画评》更列有花木翎毛门与走兽门,说明此前花鸟画已独立成科。北宋的《宣和画谱》在总结以往创作经验的基础上撰写了第一篇花鸟画论文。文章《花鸟叙论》,深入地论述了花鸟画作为人类精神产品的审美价值与社会意义,阐述了花鸟画创作“与诗人相表里”的思维特点。此后,画家辈出,流派纷呈,风格更趋多样。在风格精丽的工笔设色花鸟画继续发展的同时,风格简括奔放以水墨为主的写意花鸟画,水墨写意“四君子画”(梅、兰、菊、竹)相继出现于南宋及元代。以线描为主要手段的白描花卉亦兴起于同时。随着写意花鸟的深入发展,以明末的徐渭为代表自觉实现了以草书入画并强烈抒写个性情感的变革。至清初朱耷则达到了史无前例的高水平。经过数千年的发展,中国花鸟画积累了丰富的创作经验形成了自立于世界民族之林的独特传统,终于在近现代产生了吴昌硕、齐白石、潘天寿、李苦禅、朱宣咸、关山月,等花鸟画大师。

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