具体描述
基本信息
- 商品名称：可视的艺术史(从教堂到博物馆)(精)
- 作者：李军
- 定价：188
- 出版社：北京大学
- ISBN号：9787301263853
其他参考信息（以实物为准）
- 出版时间：2016-01-01
- 印刷时间：2016-01-01
- 版次：1
- 印次：1
- 开本：16开
- 包装：精装
- 页数：403
- 字数：495千字
编辑推荐语
什么是博物馆？什么是艺术史？什么是可视的艺术史？ 什么是图像和图像的自主性？图像在表现内容的同时，又如何表现自己？ 《可视的艺术史(从教堂到博物馆)(精)》以作者李军在欧洲研究和工作期间实地考察、采集的大量**手资料为基础，尝试以跨媒介艺术史的视野、细腻的图像分析和充分的个案讨论，穿越历史迷雾，在现代博物馆体制、现代艺术史叙事与前现代的教堂体制和空间布局之间，建构起鲜为人知的因果联系。
内容提要
《可视的艺术史(从教堂到博物馆)(精)》以作者 李军在欧洲研究和工作期间实地考察、采集的大量***手资料为基础，尝试以跨媒介艺术史的视野、细腻 的图像分析和充分的个案讨论，穿越历史迷雾，在现 代博物馆体制、现代艺术史叙事与前现代的教堂体制 和空间布局之间，建构起鲜为人知的因果联系。
本书的研究是中国学者在西方艺术史、思想史领 域，尝试走出编译状态的一次努力，标志着中国学者 在面对人类现代性的普遍问题时，有能力独立地发出 自己的声音。
作者简介
李军，中央美术学院教授，人文学院副院长，1987年毕业于北京大学。1996—1997、2002—2004年、2011—2012年和2013年，分别在巴黎国际艺术城、法国**遗产学院、巴黎*一大学、哈佛大学本部和哈佛大学佛罗伦萨文艺复兴研究中心，从事文化遗产和跨文化、跨媒介艺术史研究。2014年任意大利博洛尼亚大学客座教授。 代表作品：专著《希腊艺术与希腊精神》 《穿越理论与历史——李军自选集》；译著《宗教艺术论》 《拉斐尔的异象灵见》；主编“眼睛与心灵：艺术史新视野译丛”（北京大学出版社）。
目录
导论 从"可视的艺术史"谈起
**编 收藏与展览的考古学
**章 "收藏"的观念
一 什么是"收藏"？
二 收藏什么？
三 为什么收藏？
第二章 从mouseion 到奇珍室：博物馆收藏的起源
一 亚历山大里亚缪斯神庙的真相
二 "奇珍室"：藏品的博物馆
第三章 佛罗伦萨乌菲奇画廊与艺术博物馆的生成
一 乌菲奇之前的古代艺术品收藏
二 乌菲奇之前的当代艺术品收藏
三 乌菲奇之前的美第奇家族收藏
四 瓦萨里：历史、艺术与机构
五 乌菲奇的综合
第四章 美术学院陈列馆与沙龙：博物馆的展览制度
一 佛罗伦萨设计学院开启先河
二 法国王家绘画与雕塑学院的收藏制度
三 法国王家绘画与雕塑学院的展览制度
四 沙龙的"制度创新
五 公众问题
第五章 卢浮宫：公共艺术博物馆之诞生
一 "对所有人开放"：公众普世性的生成
二 "艺术的万神殿"：藏品普世性的生成
三 博物馆体系："普遍的艺术史"之空间化
四 向心力与离心力
第二编 现代艺术史体制
第六章 谁是真正的"艺术史之父
一 黑格尔与艺术史叙事
二 贡布里希的"艺术史之父"假说
三 艺术史的"遗传"：黑格尔、温克尔曼抑或瓦萨里？
第七章 瓦萨里与现代艺术史体制
一 瓦萨里的"世界
二 从瓦萨里回看温克尔曼与黑格尔
三 父－子关系与现代艺术史建构的逻辑
第八章 丹托的"艺术终结论
一 从哲学看丹托
二 丹托的"艺术世界
三 "风格矩阵"与丹托学说的内在矛盾
四 1984年的突破
五 丹托的罹罪
第九章 贝尔廷的"艺术史终结论
一 从"艺术史结束"到"艺术史终结
二 三部著作的叙事
三 "艺术史终结之后"的艺术史叙事
四 对贝尔廷的批评
第十章 从"博物馆终结论"到现代艺术史体制之完成
一 "博物馆终结论
二 格罗伊斯与"博物馆非终结论
三 "现成物"与"圣体"：艺术作为宗教
四 现代艺术史体制之完成
第三编 历史与空间
第十一章 瓦萨里艺术史模式的起源
一 几个关键词
二 瓦萨里艺术史模式的基本性质
三 1550年版的《大艺术家传》的空间结构
第十二章 《*后审判》图像与西斯廷礼拜堂的图像程序
一 瓦萨里的《*后审判》图像
二 米开朗琪罗与西纽雷利的《*后审判》图像
三 晚期中世纪的《*后审判》图像
四 西斯廷礼拜堂的图像程序
第十三章 另一类图像传统：《方济各生平》祭坛画
一 圣方济各与祭坛画
二 佛罗伦萨圣十字教堂《圣方济各生平》祭坛画
三 瓦萨里与圣十字教堂
第十四章 原型：阿西西圣方济各教堂的图像与布局
一 图像制作**阶段：1253
二 约阿希姆主义与中世纪晚期历史神学的变革
三 图像制作第二阶段：1288
四 从神学文本到视觉图像
五 东墙图像的秘密
第十五章 从约阿希姆到瓦萨里：空间的历史叙事
一 图像与历史
二 空间优先：大教堂的"宇宙形象
三 空间的历史叙事
第四编 图像的物性
第十六章 弗莱切尔"建筑之树"辨正
一 《比较法建筑史》的特征
二 "建筑之树"的两种图像
三 "历史风格"与"非历史风格
四 图式A与图式
第十七章 "树形图"的图像志："谱系树" "知识树""耶西树
一 家族的生命："谱系树
二 知识的体系："知识树
三 神圣的图谱："耶西树
第十八章 "树形图"的图像志："历史之树"与约阿希姆
一 历史神学：从奥古斯丁到约阿希姆
二 《图像书》：约阿希姆的图像实践
三 图像的逻辑：从刻意隐瞒到普遍误读
第十九章 "树形图"的图像志：追寻"生命树
一 从"法律树"到"血亲树
二 十字架：独占的"生命树
三 伊甸园：另一种"生命树
四 面向东方
代结论：交错的共时
后记
图版来源
参考书目
用户评价
这本书给我带来的最大感受是，艺术史的发展并不是一条直线，而是一个充满曲折和碰撞的复杂过程。从教堂艺术那种以教义传播和信仰强化为主要目的的艺术形式，到后来博物馆中各种风格、各种主题的艺术品，其背后都蕴含着深刻的社会、文化和思想变迁。我尤其对书中关于艺术如何在不同文化之间融合与创新的论述感到着迷。例如，早期基督教艺术就受到了罗马和希腊艺术的影响，而在发展过程中又融入了东方的一些元素。接着，在中世纪，基督教艺术又进一步发展出不同的地域风格，如罗马式、哥特式等。而当文艺复兴到来时，艺术家们重新审视古典艺术，并在其中汲取灵感，发展出新的艺术语言。博物馆的出现，更是将这种文化交流和融合推向了一个新的高度。它使得不同文化背景下的艺术品得以并置，促进了相互理解和学习。本书在这一点上做得非常出色，它没有将艺术史局限于某个地域或某个时期，而是展现了艺术在全球范围内的传播和演变。我特别欣赏作者在分析不同艺术风格时，能够结合当时的社会背景和技术条件，让读者能够更全面地理解艺术的产生和发展。这种跳出单一视角、进行多维度分析的方法，使得本书的解读更加具有说服力和深度。
评分这本书的语言风格非常适合我这样的普通读者，它没有使用过多晦涩的专业术语，而是用一种清晰、流畅、引人入胜的方式讲述艺术史。我尤其喜欢书中对古典艺术的解读，那些古希腊雕塑和古罗马建筑，在书中被赋予了新的生命。我一直觉得，西方艺术的根源可以追溯到古希腊，那里对人体美的极致追求、对理性精神的推崇，为后来的艺术发展奠定了坚实的基础。书中对帕特农神庙、卫城等建筑的介绍，以及对米隆的《掷铁饼者》、菲狄亚斯的帕特农神庙雕塑等作品的分析，都让我对古希腊艺术的辉煌有了更深刻的认识。接着，古罗马艺术在继承和发展古希腊艺术的基础上，展现出更加宏伟和实用的特点，例如斗兽场、万神庙等建筑，以及对肖像雕塑的重视，都体现了罗马人的帝国气度和现实主义精神。本书将这些古典艺术置于早期基督教艺术之前，形成了一个有机的整体，让我们能够理解艺术是如何从对自然的模仿和对理想美的追求，逐渐转向对精神世界的探索和对宗教教义的表达。这种前后呼应、层层递进的叙述方式，让我在阅读时能够清晰地把握艺术发展的脉络，感受到不同文化和时代对艺术产生的深刻影响。我特别欣赏作者在阐述不同时期艺术风格时，能够巧妙地引用具体的作品作为例证，使得抽象的理论变得生动具体，易于理解和记忆。
评分我特别欣赏这本书在描述艺术风格演变时，那种抽丝剥茧的细腻。比如，从早期教堂内部那些相对朴素、象征性强的壁画，到后期哥特时期那些精美绝伦的彩色玻璃和雕塑，作者都能够清晰地勾勒出其中的技术进步和审美变迁。那些彩色玻璃，不仅仅是为了采光，更是通过光影的变幻，营造出一种神圣而神秘的氛围，将圣经故事以一种视觉化的方式呈现给信徒。而哥特式建筑的飞扶壁、尖拱，也让教堂的空间得以拓展，更加高耸入云，象征着人类对天堂的向往。接着，当艺术逐渐走出教堂，进入画室，并最终被收藏在博物馆时，其表现形式和内容又发生了新的变化。书中对文艺复兴时期之后，艺术风格的日益多样化做了精彩的阐述。从巴洛克时期的华丽、动感，到洛可可时期的精致、细腻，再到新古典主义的严谨、理性，以及浪漫主义的情感宣泄，每一个时期都展现出不同的艺术特征和时代精神。作者在介绍这些风格的同时，并没有遗漏对重要艺术家及其代表作品的分析，这使得整个艺术史的梳理更加立体和生动。我尤其喜欢书中对不同时期绘画技法、色彩运用和构图方式的对比分析，这让我能够更直观地感受到艺术是如何在继承中创新，在变革中发展。这种对细节的关注，使得这本书不仅具有宏观的历史视野，更不失微观的艺术品鉴价值。
评分这本书的封面设计就足够吸引人，那是一种沉静而又充满力量的视觉语言，仿佛在暗示着一场穿越时空的艺术探索之旅。拿到这本书的时候，我首先被它厚实的装帧和精美的纸张所打动，这本身就是一种对知识的尊重和对读者的诚意。翻开扉页，精美的插图如同一扇扇窗户，瞬间将人带入了艺术的殿堂。我尤其喜欢其中对早期基督教艺术的阐释，那些在昏暗洞穴中绘制的壁画，以及后来在宏伟教堂中逐渐成型的马赛克和雕塑，都以一种令人惊叹的方式展现了信仰的力量和艺术的演变。作者不仅仅是在罗列作品，而是将它们置于历史的洪流之中，让我们看到艺术如何回应时代的需求，如何承载宗教的教义，又如何在技艺和理念上不断突破。从那些朴素而充满象征意义的早期作品，到后来哥特时期那些直插云霄的尖塔和精致的彩色玻璃，再到文艺复兴时期对人性和古典美的极致追求，每一个时期都被描绘得淋漓尽致，仿佛置身其中，能感受到那个时代的呼吸。我能想象到，在那个信息相对闭塞的年代，艺术是人们理解世界、表达情感、甚至是与神灵沟通的重要媒介。那些教堂不仅是宗教场所，更是艺术的宝库，承载着无数的故事和信仰。这种从“教化”到“观赏”的转变，正是这本书所要探索的宏大主题，而我迫不及待地想深入了解这个过程的每一个细节，感受艺术在历史长河中如何潜移默化地改变着人们的认知和生活方式，这种变革的深度和广度，在我看来，远不止于艺术本身，而是关乎文明的进程。
评分我一直对艺术品从其原始的创作语境中分离出来，进入到博物馆这一特殊空间后的意义变化感到好奇。这本书恰恰满足了我对这个问题的探索欲。在教堂时期，艺术品是宗教体验不可分割的一部分，其价值和意义与信仰紧密相连。而当这些艺术品被收藏进博物馆，它们便开始承担起新的使命：作为历史的见证，作为文化传承的载体，也作为纯粹的审美对象。书中对文艺复兴时期之后，艺术品从“服务于宗教”转向“服务于艺术本身”的过程进行了深入的剖析。那个时期，艺术家们更加关注个人的创造力和表现力，艺术的题材也从宗教领域拓展到世俗生活。而当这些作品最终进入博物馆，它们便不再仅仅是为某个特定群体服务的物品，而是成为了全人类共享的文化遗产。我特别欣赏书中对于不同时期艺术品在博物馆中陈列方式的探讨。例如，早期博物馆可能更注重按历史时期或艺术流派进行分类，而现代博物馆则可能更加强调主题性展览，或者将不同时期的艺术品进行跨时空的对话。这种陈列方式的变化，也反映了我们对艺术的理解和欣赏方式的不断演进。这本书让我深刻地认识到，艺术品的意义是流动的，它随着时代、随着语境而不断被重塑。
评分不得不说，这本书在梳理艺术从宗教场所走向公众博物馆这一过程上的把握非常精准。在我看来，这不仅仅是艺术品物理空间的转移，更是艺术功能和价值的重塑。在教堂时期，艺术是为信仰服务的，它的存在与宗教仪式紧密相连，其意义和解读也往往围绕着神圣的教义展开。而当艺术逐渐进入博物馆，它的属性开始发生微妙的变化。它从“神圣的”走向了“被研究的”、“被欣赏的”，从“教化的工具”转变为“历史的见证”和“审美的对象”。书中对于文艺复兴时期艺术的论述，让我看到了这种转变的端倪。那个时期，艺术家们开始将目光从神转向人，关注人体的结构、情感的表达以及世俗生活的描绘。虽然宗教题材依然占有重要地位，但其表现方式和侧重点已经发生了根本性的改变，人性的光辉和艺术家的个人创造力得到了前所未有的重视。达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师的作品，不仅仅是宗教的图解，更是对人类精神和智慧的赞颂。而当这些作品，包括后来更多样化的艺术品，最终被系统地收藏、整理并陈列在博物馆中时，艺术的意义边界被极大地拓宽了。博物馆的出现，使得艺术的普世价值得以凸显，不同时代、不同地域、不同风格的作品得以并置，为后人提供了更广阔的比较和学习的平台。这种从“神圣的殿堂”到“知识的殿堂”的演变，是人类文明发展的一个重要标志，也是这本书所要揭示的深层内涵。
评分这本书的开篇就让我眼前一亮，那种叙述方式不是枯燥的学术理论堆砌，而是一种娓娓道来的故事感，仿佛一位经验丰富的导游，耐心地为我们讲解着历史的脉络和艺术的精华。我对书中关于中世纪艺术如何从模仿到创新的论述印象尤为深刻。在早期，艺术更多地是一种服务于宗教的工具，强调的是传达教义和象征意义，形式上的自由度相对有限。然而，随着社会经济的发展和思想的解放，艺术家们开始尝试更自由的表现方式。书中对拜占庭艺术的描绘，那些金碧辉煌的圣像画和穹顶壁画，展现了一种独特的东方审美情趣和宗教的神秘感，与西方早期相对朴素的风格形成了鲜明的对比。接着，随着罗马帝国的分裂和基督教的传播，各地艺术风格也开始呈现出多元化的趋势。书中对罗马式和哥特式建筑的对比分析，尤其让我着迷。罗马式的厚重、敦实，带有防御性的特点，与当时的社会环境息息相关；而哥特式的轻盈、高耸，充满向上感，则体现了人们对精神世界的无限追求。那些飞扶壁、尖拱和花窗，不仅仅是建筑的结构，更是当时人们宗教虔诚和艺术想象力的结晶。作者在分析这些艺术风格的同时，并没有忽略其背后的社会、政治和文化背景，而是将艺术与历史紧密地联系在一起，让读者能够更深刻地理解艺术的产生和发展并非孤立的现象，而是历史进程的必然产物。我特别欣赏作者对于细节的捕捉，比如对不同时期绘画技法、色彩运用和构图方式的细致讲解，这让我能够更直观地感受到艺术的进步和演变。
评分这本书在“从教堂到博物馆”这一主题的切入点上，让我感受到了作者独到的视角和深刻的洞察力。我一直觉得，艺术品从其最初的创作环境（如教堂）转移到博物馆，不仅仅是物理上的位移，更是一个意义生成和转化的过程。教堂中的艺术，往往与宗教仪式、信仰体验紧密相连，它的存在本身就是一种神圣的表达。而当这些艺术品进入博物馆，它便从“被崇拜”的对象转变为“被研究”、“被欣赏”、“被收藏”的对象。这种转变，意味着艺术的功能从“教化”和“启迪”转向了“教育”和“审美”。书中对于宗教艺术如何逐渐融入世俗审美的过程的描写，让我受益匪浅。例如，在中世纪的教堂里，艺术是为了帮助信徒理解圣经故事，凝聚信仰。而到了文艺复兴时期，即使是宗教题材的作品，也开始更多地展现人性的光辉和艺术家的个人风格。这种转变，预示着艺术的独立性和自主性正在逐渐增强。而博物馆的出现，则为这种趋势提供了更加广阔的舞台。它将不同时期、不同地域的艺术品汇集在一起，形成了一个跨越时空的艺术对话场域。读者在博物馆中，不再是被动的接受者，而是可以主动地去比较、去思考、去感受艺术的多样性和共通性。这本书让我看到了，艺术品在博物馆中，不仅仅是静止的展品，它们依然在诉说着历史的故事，传递着人类的情感和智慧，只是其叙述的方式和语境发生了变化。
评分这本书的结构设计让我印象深刻，它以“从教堂到博物馆”为主线，将艺术史的发展过程梳理得井井有条。我一直觉得，艺术品在创作之初，其生存环境和功能往往决定了它的风格和意义。比如，教堂中的艺术，其首要目的是为了服务于宗教，帮助信徒理解教义，引发敬畏之情。因此，那些艺术品往往具有强烈的象征意义，色彩运用也多以庄重、神圣为主。而当艺术逐渐从教堂走向世俗的画室，并最终被陈列在博物馆时，艺术家的个人情感、对现实世界的观察以及对形式美的探索，则占据了更重要的位置。书中对文艺复兴时期之后，艺术品内容和形式的极大拓展，做了精彩的描绘。从肖像画的兴起，到风景画、静物画的独立，再到抽象艺术的出现，艺术的边界不断被拓宽。博物馆的出现，更是为这种多样性提供了展示的平台。它将不同时代、不同地域、不同风格的艺术品汇集在一起，让观众能够在一个相对集中的空间内，完成一次跨越时空的艺术之旅。这种从“宗教的附属品”到“独立的艺术品”的转变，是一个漫长而复杂的过程，而这本书恰恰将这个过程的核心环节——从教堂到博物馆——进行了深刻的剖析。我特别欣赏作者对于不同时期艺术品在博物馆中呈现方式的探讨，这让我意识到，艺术品被陈列的方式，也会影响到观众的解读和体验。
评分读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一场漫长而精彩的艺术史的“穿越”。从那些在教堂昏暗壁画中诉说着古老信仰的图像，到如今陈列在明亮展厅中，以各种形式呈现的艺术杰作，这个过程本身就充满着故事。我尤其对书中关于艺术在不同时代如何扮演不同角色的描述印象深刻。在教堂时代，艺术是宗教的仆人，是教义的载体，是连接人与神之间的桥梁。它以一种直接、象征性的方式，传递着力量和慰藉。而当艺术逐渐走向独立，进入画室，并最终汇聚于博物馆，它则扮演了更多元的角色。它成为了历史的记录者，社会现象的反映者，艺术家个人情感和思想的表达者，更是人类对美和未知探索的象征。这本书让我看到了，艺术的发展并非一蹴而就，而是与人类文明的进程相互交织，相互影响。从最初的集体创作、服务于宗教，到后来艺术家个体的崛起，再到如今博物馆这种集艺术品收藏、研究、展示、教育于一体的机构的出现，艺术的形式和功能都发生了翻天覆地的变化。这种“从教堂到博物馆”的演变，不仅是艺术品的物理空间转移，更是人类对艺术价值和意义的不断探索和重新定义。我感叹于人类的创造力，也惊叹于艺术品穿越时空的生命力，它们在不同的语境下，依然能触动人心，引发思考。
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