電影導論/21世紀藝術學係列教材 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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陳濤 著

圖書標籤:

• 電影學
• 電影導論
• 藝術學
• 教材
• 21世紀藝術學係列
• 影視理論
• 電影史
• 電影分析
• 大眾傳媒
• 文化研究

齣版社： 中國人民大學齣版社

ISBN：9787300243795

版次：1

商品編碼：12235051

包裝：平裝

叢書名： 21世紀藝術學係列教材

開本：16開

齣版時間：2017-09-01

用紙：膠版紙

頁數：284

內容簡介

　　本書作為電影學入門教程，既可作為高校影視藝術專業的基礎教材，也可作為其他專業選修類課本。本書不僅具有一定的學術價值，還兼具一定的流行讀物性質。在結構上，本書主要內容分成三大部分共十五章，每一章都以電影的一個基本概念為核心，盡量簡明扼要、深入淺齣地介紹相關電影理論，並精選重要的中外影片內容穿插其中。每一章都包含四個小節，由淺入深、由簡到繁、由遠及近地對與這一概念相關的內容進行介紹；其中第一節都先引入某一部（或幾部）電影的案例分析，由此帶齣本章核心概念的闡釋與分析。每一章中所包含的理論不止於傳統意義的“電影學”，還包括一些文學、心理學、傳播學、社會學、文化研究等學科的相關理論。十五章對應的十五個電影鑒賞的關鍵詞，連綴起來構成瞭鑒賞電影的初步知識和基礎觀念。
　　本書避免機械化的條目羅列式八股風格，采用一種較為文學化和自然化的方式敘述和闡釋，圍繞核心概念將知識、理論和故事娓娓道來，令閱讀更為流暢和隨意。每一章都配以大量的圖片，令閱讀更為輕鬆愜意的同時，也便於生動、多媒和綜閤地教學。每一章提供一些電影視頻段落，這些段落都同文字所述內容相契閤，讀者可以通過掃描文中的二維碼獲取並欣賞。衷心盼望本書能夠進入電影五彩斑斕的世界，飽覽勝景，任意翱翔。

作者簡介

陳濤，新加坡南洋理工大學哲學博士，現任中國人民大學文學院影視與新媒體藝術教研室講師、碩士生導師。主要研究方嚮為中國當代城市電影和新媒體藝術，著有《底層再現：中國當代電影中的城市遊民》（2015），譯有《高行健與跨文化劇場》（2015，閤譯）、《銀色金屬戀人》（2013）、《一隻鳥的選擇》（2012）、《再見，西方文化》（2008，閤譯）等，並在《文藝研究》《當代電影》《當代文壇》《韓中言語文化研究》《南大語言文化學報》《文化研究月報》等國內外期刊發錶論文數十篇。

目錄

引 論　電影是什麼
第一部分　基本元素
第一章 導演
第二章 劇本
第三章 錶演
第四章 觀眾
第五章 影院
第二部分　視聽語言
第六章 影像
第七章 調度
第八章 剪輯
第九章 聲音
第十章 特效
第三部分　文化批評
第十一章 再現
第十二章　認同
第十三章　性彆
第十四章　階級
第十五章　種族
後 記

電影中的敘事結構與視覺語言：從經典到前沿的探索 導言：電影作為時代的鏡子與夢想的載體 電影，作為一種綜閤性的藝術形式，誕生至今已逾百年，它不僅是技術革新的産物，更是人類情感、社會變遷與哲學思辨的獨特載體。本教材旨在係統性地梳理電影藝術的核心構成要素——敘事學、視覺美學、聲音設計以及理論思潮——為學習者構建一個全麵而深入的電影分析框架。我們摒棄僅僅停留在影片介紹或名人軼事的層麵，而是聚焦於電影“如何運作”的內在機製，探究光影背後所蘊含的結構邏輯與文化意義。 第一部分：敘事學的基石——故事的構建與解構 電影敘事是觀眾進入虛構世界的橋梁。本部分將從經典的敘事模型齣發，逐步深入到後現代敘事的復雜性。 第一章：經典好萊塢敘事模型（Classical Hollywood Narrative, CHN）的剖析 我們將詳細解析三幕劇結構（開端、發展、高潮、結局）的精妙平衡。重點探討“因果鏈條”如何驅動情節的推進，以及角色驅動（Character-driven）敘事與事件驅動（Plot-driven）敘事之間的張力。通過對如希區柯剋的經典懸疑片和卡薩布蘭卡的分析，理解“清晰性、連貫性與封閉性”這三大原則如何構建齣令人信服的現實感。 第二章：超越綫性：非綫性敘事與多重敘事路徑 現代電影對傳統敘事模式進行瞭大膽的顛覆。本章著重考察非綫性敘事（如閃迴、閃現、交叉剪輯）在構建復雜人物內心世界和時間感上的效能。我們將深入研究昆汀·塔倫蒂諾（Quentin Tarantino）作品中對時間碎片的重組技巧，以及大衛·林奇（David Lynch）作品中夢境與現實交織的模糊性敘事。此外，多主角敘事（Ensemble Cast）和“俄羅斯套娃”式的故事層疊結構也將被納入分析範疇，探討它們如何挑戰觀眾的認知習慣，並引發更深層次的意義探尋。 第三章：視角與知情度：誰在講述故事？ 敘事視角（Point of View, POV）是控製觀眾信息獲取的關鍵。本章區分瞭主觀鏡頭（Subjective Camera）、客觀鏡頭、以及全知敘事者。討論視角的切換如何影響觀眾的情感代入程度和對角色的判斷。特彆關注“不可靠的敘述者”（Unreliable Narrator）的運用，分析其在黑色電影（Film Noir）和心理驚悚片中製造懸念和誤導的策略。 第二部分：視覺語言的煉金術——攝影、剪輯與場麵調度 電影的本質是運動的影像，其錶達力極大地依賴於視覺元素的組織。本部分將聚焦於電影的“語法”——攝影機、剪輯點和空間布局。 第四章：攝影機的語言：鏡頭、景彆與運動 本章細緻劃分瞭各種鏡頭類型：從極廣角到特寫，從固定鏡頭到復雜的移動攝影（如斯坦尼康、搖臂）。我們不僅分析景深（Depth of Field）如何引導觀眾的注意力，更探討瞭鏡頭運動本身所攜帶的情感意義——例如，緩慢推近（Dolly In）對角色心理壓力的增強，或是快速橫搖（Whip Pan）帶來的突兀感和節奏變化。 第五章：剪輯的節奏與邏輯：連接運動的藝術 剪輯是電影製作中最具魔力的環節。我們將從愛森斯坦的濛太奇理論（特彆是衝突性濛太奇）入手，研究如何通過畫麵的並置産生超越單個鏡頭的意義。隨後，討論連續性剪輯（Continuity Editing）的規則（如180度綫、景彆匹配），以及打破這些規則（如跳切 Jump Cut）對觀眾心理帶來的衝擊和節奏重塑。 第六章：空間構建：場麵調度與景框構圖 場麵調度（Mise-en-scène）涵蓋瞭景框內的一切：燈光、布景、服裝、演員走位。本章強調瞭空間設計對敘事氛圍的決定性作用。我們將對比深焦鏡頭（Deep Focus）對空間層次的強調（如奧遜·威爾斯《公民凱恩》），與淺景深鏡頭對焦點的高度集中。燈光不再僅僅是照明工具，而是情緒的投射，解析高調光（High-key）與低調光（Low-key）如何刻畫角色的道德狀態與環境的基調。 第三部分：聲音的維度與理論前沿的對話 聲音是電影的第二維度，它往往在潛意識層麵影響著觀眾的體驗。 第七章：聲場的設計：對白、音樂與音效的交響 本章將聲音劃分為三個主要元素：對白（Dialogue）、音樂（Score/Song）和音效（Sound Effects）。重點討論“畫內聲”（Diegetic Sound）與“畫外聲”（Non-diegetic Sound）的切換，以及它們如何建立空間感和增強戲劇張力。分析配樂在情感渲染中的微妙作用，探討何種情況下，環境音效（Ambient Sound）的缺失反而能製造齣更強烈的戲劇效果。 第八章：理論視角的拓寬：從結構主義到後殖民批判 電影藝術的成熟伴隨著豐富的理論反思。本部分將引入關鍵的理論工具，以深化對電影文本的理解。我們將迴顧結構主義對電影“語法”的探究，並轉嚮後結構主義和解構主義對單一意義的挑戰。此外，電影身份政治（Identity Politics）的興起，如女性主義電影理論、酷兒理論（Queer Theory）以及後殖民批判，如何重新解讀經典電影中的權力關係和文化錶徵，將是本章探討的重點。 結論：電影作為一種持續演化的文化實踐 電影藝術並非靜止的典範，而是一個不斷吸收新技術、融閤新思潮的動態場域。本教材的終極目標，是培養學習者批判性地觀看和分析電影的能力，使其不僅能欣賞電影的感官愉悅，更能深入洞察其背後的藝術意圖、技術實現和社會文化內涵。通過掌握敘事邏輯、視覺語法和理論工具，學習者將能更自信地參與到對光影藝術的持續對話之中。

評分☆☆☆☆☆

在處理電影的社會文化語境這一主題時，我發現這本書顯得異常保守和“乾淨”，仿佛它描述的電影世界是一個真空中的實驗室，與現實生活中的塵土和硝煙隔絕。作者似乎傾嚮於將電影視為一種純粹的、自洽的藝術形式進行分析，而對電影作為時代精神的反射鏡所扮演的角色，挖掘得不夠深。例如，當它觸及到某個特定時期（比如戰後或新浪潮）的電影風格時，介紹往往止步於技術革新和導演的個人偏好，卻很少探討當時社會思潮、政治氣候或經濟變遷是如何倒逼齣這些新的敘事方式和影像語言的。我更期待看到的是，一部電影如何成為民間情緒的發泄口，或權力機構的宣傳工具，或者在資本的推動下如何迎閤或反叛主流審美。這種“藝術抽離論”的傾嚮，使得書中的論述在宏大敘事麵前顯得單薄，缺乏一種紮根於現實的批判力度，讀完後，我仿佛隻學會瞭如何“看電影”，卻沒能學會如何“理解電影被製造齣來的世界”。

評分☆☆☆☆☆

我對這本書的版式設計和整體美學感到些許失望，這對於一本探討視覺藝術的書籍來說，實在是個不小的遺憾。裝幀設計透著一股濃厚的“學院派”氣息，那種樸實到近乎沉悶的風格，讓人在拿起書的那一刻，就預感到瞭內容的嚴肅與僵硬。內頁的印刷質量尚可，但圖例的使用顯得極度吝嗇和乏味。在討論到諸如景深、運動鏡頭設計這些極為依賴視覺輔助的章節時，作者似乎過於自信於讀者的想象力，提供的插圖往往是模糊不清的、低分辨率的黑白截圖，甚至有些關鍵的運動軌跡和場麵調度圖，隻是用簡單的綫條和箭頭敷衍帶過。這讓我在腦海中構建立體空間模型時，産生瞭一種“隔著毛玻璃看世界”的不適感。藝術是直觀的，理論闡釋需要強有力的視覺支撐來錨定抽象概念，這本書在這方麵錶現得像一個摳門的中世紀抄寫員，隻肯提供最低限度的文本信息，卻吝於投資那些能讓理論真正“活”起來的影像資料。如果能增加更多彩色高清的劇照分析，或是關鍵鏡頭的逐幀分解圖，相信其教學效果會翻倍。

評分☆☆☆☆☆

這本書的行文節奏掌握得令人抓狂，它在不同的主題間跳躍時，缺乏必要的“過渡性粘閤劑”。有些章節，比如對早期默片時代技術演進的描述，內容翔實得讓人感覺像是在閱讀一份年代久遠的專利說明書，細緻到令人昏昏欲睡，恨不得每句話後麵都要加上一個“注：此處係為瞭學術嚴謹性”。然而，當涉及到後現代主義電影和數字特效的探討時，筆鋒卻突然變得極其簡略，仿佛隻是匆匆打瞭個卡，生怕多說一句話就陷入瞭它所聲稱要規避的“技術至上論”的泥潭。這種“厚此薄彼”的篇幅分配，直接影響瞭整體的平衡感。對於那些需要對新舊電影技術有一個連貫認知的新手來說，這種忽快忽慢的節奏感，極大地增加瞭知識點之間的銜接難度，讓人總覺得前後的概念是割裂的，而不是在一條清晰的電影發展脈絡上相互印證和推進的。

評分☆☆☆☆☆

這部電影理論的入門書，坦率地說，在我的閱讀體驗中，它更像是一次對電影藝術的不那麼深入的“拉練”，而非一次酣暢淋灕的“馬拉鬆”。我對它抱有的期待，是能揭示齣那些潛藏在銀幕光影背後的、能讓非科班齣身的我茅塞頓開的“黑箱操作”。然而，實際讀下來，感覺作者仿佛是牽著我的手，在電影學院的前院裏走瞭一圈，指著幾棵標誌性的“理論之樹”告訴我：“看，這是Auteur理論，那是敘事結構。” 這種泛泛而談，對於一個渴望深入剖析某部經典影片為何能産生如此強大情感衝擊的讀者來說，未免顯得有些心有餘而力不足。比如，它提到瞭濛太奇手法，但緊接著對庫裏肖夫效應的闡釋，其深度與我先前在其他地方讀到的那些深入到心理學層麵的分析相比，顯得像是一份初級的操作手冊，而非一篇具有啓發性的學術探討。我更希望看到的是，作者如何將這些冰冷的理論工具，精準地“切割”到具體的電影片段中去，用手術刀般的銳利去解剖那些偉大的鏡頭語言。這本書的敘述風格是友好且易懂的，這無疑對初學者很友好，但對於那些已經對電影史和基礎概念有所瞭解的進階愛好者來說，它提供的“新知”寥寥無幾，更像是一種對既有知識的溫和復習，沒有帶來預期的思維上的“撞擊感”。

評分☆☆☆☆☆

從教學工具的角度來看，這本書的最大缺陷在於，它似乎未能有效預設其讀者的知識起點和學習路徑，導緻內容在“入門”和“專業”之間搖擺不定，最終未能完全服務好任何一方。對於完全零基礎的讀者，書中頻繁引用的專業術語，如“去中心化敘事”、“本體論電影”等，往往在第一次齣現時，僅僅給齣瞭一個過於簡化的定義，隨後便跳到更復雜的案例分析，使得初學者在沒有外部參考資料的情況下，很容易迷失在術語的叢林中。而對於那些已經準備好進行深入研究的學生而言，這本書提供的理論框架又顯得過於陳舊和保守，缺乏對近十年內數字敘事、流媒體平颱對電影語言衝擊等前沿議題的探討，使得它在作為一本“教材”時，時效性大打摺扣。它仿佛一本製作精良的、但已經停留在上一個時代的教科書，它能告訴你船是如何建造的，但卻沒能告訴你如何駕駛它穿越最新的風暴海域。