电影导论/21世纪艺术学系列教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈涛 著

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• 电影学
• 电影导论
• 艺术学
• 教材
• 21世纪艺术学系列
• 影视理论
• 电影史
• 电影分析
• 大众传媒
• 文化研究

出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300243795

版次：1

商品编码：12235051

包装：平装

丛书名： 21世纪艺术学系列教材

开本：16开

出版时间：2017-09-01

用纸：胶版纸

页数：284

内容简介

　　本书作为电影学入门教程，既可作为高校影视艺术专业的基础教材，也可作为其他专业选修类课本。本书不仅具有一定的学术价值，还兼具一定的流行读物性质。在结构上，本书主要内容分成三大部分共十五章，每一章都以电影的一个基本概念为核心，尽量简明扼要、深入浅出地介绍相关电影理论，并精选重要的中外影片内容穿插其中。每一章都包含四个小节，由浅入深、由简到繁、由远及近地对与这一概念相关的内容进行介绍；其中第一节都先引入某一部（或几部）电影的案例分析，由此带出本章核心概念的阐释与分析。每一章中所包含的理论不止于传统意义的“电影学”，还包括一些文学、心理学、传播学、社会学、文化研究等学科的相关理论。十五章对应的十五个电影鉴赏的关键词，连缀起来构成了鉴赏电影的初步知识和基础观念。
　　本书避免机械化的条目罗列式八股风格，采用一种较为文学化和自然化的方式叙述和阐释，围绕核心概念将知识、理论和故事娓娓道来，令阅读更为流畅和随意。每一章都配以大量的图片，令阅读更为轻松惬意的同时，也便于生动、多媒和综合地教学。每一章提供一些电影视频段落，这些段落都同文字所述内容相契合，读者可以通过扫描文中的二维码获取并欣赏。衷心盼望本书能够进入电影五彩斑斓的世界，饱览胜景，任意翱翔。

作者简介

陈涛，新加坡南洋理工大学哲学博士，现任中国人民大学文学院影视与新媒体艺术教研室讲师、硕士生导师。主要研究方向为中国当代城市电影和新媒体艺术，著有《底层再现：中国当代电影中的城市游民》（2015），译有《高行健与跨文化剧场》（2015，合译）、《银色金属恋人》（2013）、《一只鸟的选择》（2012）、《再见，西方文化》（2008，合译）等，并在《文艺研究》《当代电影》《当代文坛》《韩中言语文化研究》《南大语言文化学报》《文化研究月报》等国内外期刊发表论文数十篇。

目录

引 论　电影是什么
第一部分　基本元素
第一章 导演
第二章 剧本
第三章 表演
第四章 观众
第五章 影院
第二部分　视听语言
第六章 影像
第七章 调度
第八章 剪辑
第九章 声音
第十章 特效
第三部分　文化批评
第十一章 再现
第十二章　认同
第十三章　性别
第十四章　阶级
第十五章　种族
后 记

电影中的叙事结构与视觉语言：从经典到前沿的探索 导言：电影作为时代的镜子与梦想的载体 电影，作为一种综合性的艺术形式，诞生至今已逾百年，它不仅是技术革新的产物，更是人类情感、社会变迁与哲学思辨的独特载体。本教材旨在系统性地梳理电影艺术的核心构成要素——叙事学、视觉美学、声音设计以及理论思潮——为学习者构建一个全面而深入的电影分析框架。我们摒弃仅仅停留在影片介绍或名人轶事的层面，而是聚焦于电影“如何运作”的内在机制，探究光影背后所蕴含的结构逻辑与文化意义。 第一部分：叙事学的基石——故事的构建与解构 电影叙事是观众进入虚构世界的桥梁。本部分将从经典的叙事模型出发，逐步深入到后现代叙事的复杂性。 第一章：经典好莱坞叙事模型（Classical Hollywood Narrative, CHN）的剖析 我们将详细解析三幕剧结构（开端、发展、高潮、结局）的精妙平衡。重点探讨“因果链条”如何驱动情节的推进，以及角色驱动（Character-driven）叙事与事件驱动（Plot-driven）叙事之间的张力。通过对如希区柯克的经典悬疑片和卡萨布兰卡的分析，理解“清晰性、连贯性与封闭性”这三大原则如何构建出令人信服的现实感。 第二章：超越线性：非线性叙事与多重叙事路径 现代电影对传统叙事模式进行了大胆的颠覆。本章着重考察非线性叙事（如闪回、闪现、交叉剪辑）在构建复杂人物内心世界和时间感上的效能。我们将深入研究昆汀·塔伦蒂诺（Quentin Tarantino）作品中对时间碎片的重组技巧，以及大卫·林奇（David Lynch）作品中梦境与现实交织的模糊性叙事。此外，多主角叙事（Ensemble Cast）和“俄罗斯套娃”式的故事层叠结构也将被纳入分析范畴，探讨它们如何挑战观众的认知习惯，并引发更深层次的意义探寻。 第三章：视角与知情度：谁在讲述故事？ 叙事视角（Point of View, POV）是控制观众信息获取的关键。本章区分了主观镜头（Subjective Camera）、客观镜头、以及全知叙事者。讨论视角的切换如何影响观众的情感代入程度和对角色的判断。特别关注“不可靠的叙述者”（Unreliable Narrator）的运用，分析其在黑色电影（Film Noir）和心理惊悚片中制造悬念和误导的策略。 第二部分：视觉语言的炼金术——摄影、剪辑与场面调度 电影的本质是运动的影像，其表达力极大地依赖于视觉元素的组织。本部分将聚焦于电影的“语法”——摄影机、剪辑点和空间布局。 第四章：摄影机的语言：镜头、景别与运动 本章细致划分了各种镜头类型：从极广角到特写，从固定镜头到复杂的移动摄影（如斯坦尼康、摇臂）。我们不仅分析景深（Depth of Field）如何引导观众的注意力，更探讨了镜头运动本身所携带的情感意义——例如，缓慢推近（Dolly In）对角色心理压力的增强，或是快速横摇（Whip Pan）带来的突兀感和节奏变化。 第五章：剪辑的节奏与逻辑：连接运动的艺术 剪辑是电影制作中最具魔力的环节。我们将从爱森斯坦的蒙太奇理论（特别是冲突性蒙太奇）入手，研究如何通过画面的并置产生超越单个镜头的意义。随后，讨论连续性剪辑（Continuity Editing）的规则（如180度线、景别匹配），以及打破这些规则（如跳切 Jump Cut）对观众心理带来的冲击和节奏重塑。 第六章：空间构建：场面调度与景框构图 场面调度（Mise-en-scène）涵盖了景框内的一切：灯光、布景、服装、演员走位。本章强调了空间设计对叙事氛围的决定性作用。我们将对比深焦镜头（Deep Focus）对空间层次的强调（如奥逊·威尔斯《公民凯恩》），与浅景深镜头对焦点的高度集中。灯光不再仅仅是照明工具，而是情绪的投射，解析高调光（High-key）与低调光（Low-key）如何刻画角色的道德状态与环境的基调。 第三部分：声音的维度与理论前沿的对话 声音是电影的第二维度，它往往在潜意识层面影响着观众的体验。 第七章：声场的设计：对白、音乐与音效的交响 本章将声音划分为三个主要元素：对白（Dialogue）、音乐（Score/Song）和音效（Sound Effects）。重点讨论“画内声”（Diegetic Sound）与“画外声”（Non-diegetic Sound）的切换，以及它们如何建立空间感和增强戏剧张力。分析配乐在情感渲染中的微妙作用，探讨何种情况下，环境音效（Ambient Sound）的缺失反而能制造出更强烈的戏剧效果。 第八章：理论视角的拓宽：从结构主义到后殖民批判 电影艺术的成熟伴随着丰富的理论反思。本部分将引入关键的理论工具，以深化对电影文本的理解。我们将回顾结构主义对电影“语法”的探究，并转向后结构主义和解构主义对单一意义的挑战。此外，电影身份政治（Identity Politics）的兴起，如女性主义电影理论、酷儿理论（Queer Theory）以及后殖民批判，如何重新解读经典电影中的权力关系和文化表征，将是本章探讨的重点。 结论：电影作为一种持续演化的文化实践 电影艺术并非静止的典范，而是一个不断吸收新技术、融合新思潮的动态场域。本教材的终极目标，是培养学习者批判性地观看和分析电影的能力，使其不仅能欣赏电影的感官愉悦，更能深入洞察其背后的艺术意图、技术实现和社会文化内涵。通过掌握叙事逻辑、视觉语法和理论工具，学习者将能更自信地参与到对光影艺术的持续对话之中。

评分☆☆☆☆☆

这部电影理论的入门书，坦率地说，在我的阅读体验中，它更像是一次对电影艺术的不那么深入的“拉练”，而非一次酣畅淋漓的“马拉松”。我对它抱有的期待，是能揭示出那些潜藏在银幕光影背后的、能让非科班出身的我茅塞顿开的“黑箱操作”。然而，实际读下来，感觉作者仿佛是牵着我的手，在电影学院的前院里走了一圈，指着几棵标志性的“理论之树”告诉我：“看，这是Auteur理论，那是叙事结构。” 这种泛泛而谈，对于一个渴望深入剖析某部经典影片为何能产生如此强大情感冲击的读者来说，未免显得有些心有余而力不足。比如，它提到了蒙太奇手法，但紧接着对库里肖夫效应的阐释，其深度与我先前在其他地方读到的那些深入到心理学层面的分析相比，显得像是一份初级的操作手册，而非一篇具有启发性的学术探讨。我更希望看到的是，作者如何将这些冰冷的理论工具，精准地“切割”到具体的电影片段中去，用手术刀般的锐利去解剖那些伟大的镜头语言。这本书的叙述风格是友好且易懂的，这无疑对初学者很友好，但对于那些已经对电影史和基础概念有所了解的进阶爱好者来说，它提供的“新知”寥寥无几，更像是一种对既有知识的温和复习，没有带来预期的思维上的“撞击感”。

评分☆☆☆☆☆

在处理电影的社会文化语境这一主题时，我发现这本书显得异常保守和“干净”，仿佛它描述的电影世界是一个真空中的实验室，与现实生活中的尘土和硝烟隔绝。作者似乎倾向于将电影视为一种纯粹的、自洽的艺术形式进行分析，而对电影作为时代精神的反射镜所扮演的角色，挖掘得不够深。例如，当它触及到某个特定时期（比如战后或新浪潮）的电影风格时，介绍往往止步于技术革新和导演的个人偏好，却很少探讨当时社会思潮、政治气候或经济变迁是如何倒逼出这些新的叙事方式和影像语言的。我更期待看到的是，一部电影如何成为民间情绪的发泄口，或权力机构的宣传工具，或者在资本的推动下如何迎合或反叛主流审美。这种“艺术抽离论”的倾向，使得书中的论述在宏大叙事面前显得单薄，缺乏一种扎根于现实的批判力度，读完后，我仿佛只学会了如何“看电影”，却没能学会如何“理解电影被制造出来的世界”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文节奏掌握得令人抓狂，它在不同的主题间跳跃时，缺乏必要的“过渡性粘合剂”。有些章节，比如对早期默片时代技术演进的描述，内容翔实得让人感觉像是在阅读一份年代久远的专利说明书，细致到令人昏昏欲睡，恨不得每句话后面都要加上一个“注：此处系为了学术严谨性”。然而，当涉及到后现代主义电影和数字特效的探讨时，笔锋却突然变得极其简略，仿佛只是匆匆打了个卡，生怕多说一句话就陷入了它所声称要规避的“技术至上论”的泥潭。这种“厚此薄彼”的篇幅分配，直接影响了整体的平衡感。对于那些需要对新旧电影技术有一个连贯认知的新手来说，这种忽快忽慢的节奏感，极大地增加了知识点之间的衔接难度，让人总觉得前后的概念是割裂的，而不是在一条清晰的电影发展脉络上相互印证和推进的。

评分☆☆☆☆☆

从教学工具的角度来看，这本书的最大缺陷在于，它似乎未能有效预设其读者的知识起点和学习路径，导致内容在“入门”和“专业”之间摇摆不定，最终未能完全服务好任何一方。对于完全零基础的读者，书中频繁引用的专业术语，如“去中心化叙事”、“本体论电影”等，往往在第一次出现时，仅仅给出了一个过于简化的定义，随后便跳到更复杂的案例分析，使得初学者在没有外部参考资料的情况下，很容易迷失在术语的丛林中。而对于那些已经准备好进行深入研究的学生而言，这本书提供的理论框架又显得过于陈旧和保守，缺乏对近十年内数字叙事、流媒体平台对电影语言冲击等前沿议题的探讨，使得它在作为一本“教材”时，时效性大打折扣。它仿佛一本制作精良的、但已经停留在上一个时代的教科书，它能告诉你船是如何建造的，但却没能告诉你如何驾驶它穿越最新的风暴海域。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的版式设计和整体美学感到些许失望，这对于一本探讨视觉艺术的书籍来说，实在是个不小的遗憾。装帧设计透着一股浓厚的“学院派”气息，那种朴实到近乎沉闷的风格，让人在拿起书的那一刻，就预感到了内容的严肃与僵硬。内页的印刷质量尚可，但图例的使用显得极度吝啬和乏味。在讨论到诸如景深、运动镜头设计这些极为依赖视觉辅助的章节时，作者似乎过于自信于读者的想象力，提供的插图往往是模糊不清的、低分辨率的黑白截图，甚至有些关键的运动轨迹和场面调度图，只是用简单的线条和箭头敷衍带过。这让我在脑海中构建立体空间模型时，产生了一种“隔着毛玻璃看世界”的不适感。艺术是直观的，理论阐释需要强有力的视觉支撑来锚定抽象概念，这本书在这方面表现得像一个抠门的中世纪抄写员，只肯提供最低限度的文本信息，却吝于投资那些能让理论真正“活”起来的影像资料。如果能增加更多彩色高清的剧照分析，或是关键镜头的逐帧分解图，相信其教学效果会翻倍。