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黄均编著 著

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出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102070551

商品编码：1513424905

出版时间：2014-12-01

作  者:黄均 编著 著作 定  价:39 出 版 社:人民美术出版社 出版日期:2014年12月01日 页  数:108 装  帧:平装 ISBN:9787102070551 ●人物画简介
●人物造型
●人物的动态
●人物的表情
●衣纹
●重彩着色法
●附图

内容简介

人物画在*国绘画中占有重要位置，许多艺术珍品，不仅帮助我们了解历史人物的活动、思想和愿望，那惟妙惟肖的形象刻画，内心情感的细致描写，艺术境界的追求，也给我们带来深刻的美地享受。《*国画技法：人物》从造型方法开始讲解，再介绍各种画法和笔墨技法，并融汇西方传入*国的解剖、透视等科学知识，遂使得人物画的技法更趋完善和丰富。《*国画技法：人物》加入了大量的人物画资料为提供美术爱好者了较好地学习资料。

神形兼备：古韵新生的人物画探微 在中国浩瀚的艺术长河中，人物画始终占据着举足轻重的地位。它不仅是技巧的展示，更是情感的寄托、历史的载体、精神的传承。本书并非一本纯粹的技法罗列，而是深入探讨中国传统人物画创作中“神”与“形”的辩证关系，通过梳理历代名家妙笔，解析其精妙之处，并结合当代艺术语境，探索人物画的创新与发展。我们将一同走进一个充满生命力的水墨世界，领略水墨丹青如何勾勒出鲜活的灵魂，又如何承载着千年的文化积淀。 一、形神之辨：中国人物画的灵魂之问 “形”易得，“神”难求。这是中国人物画创作的核心命题，也是本书深入探讨的起点。我们并非从最基础的线条勾勒、结构比例开始，而是直接切入人物画最核心的艺术追求——“传神”。 “形”的维度： 骨骼与比例的科学： 当然，任何绘画都离不开对客观物象的观察与表现。在中国人物画中，虽然不强调西方绘画严谨的解剖学，但历代画家对人体结构的理解和比例的把握，却是炉火纯青的。我们回溯汉代壁画的简洁线条，唐代仕女画的丰腴体态，宋代写实人物画的细腻刻画，以及明清人物画的程式化与写意化，分析其在造型上的不同侧重点。这并非简单的复述，而是探究为何在不同时期、不同风格下，画家会对“形”有如此独特的理解和表现。例如，唐代画家如阎立本、吴道子，他们在描绘人物时，对骨骼的穿透力和身体的体积感有着怎样的把握？宋代画家如李公麟、张择端，他们是如何通过精准的笔墨和巧妙的构图，将人物的动态与神态捕捉得如此生动？这些“形”上的探索，是“神”得以依附的基础。 衣纹的奥秘： 人物画中的衣纹，不仅仅是服装的描绘，更是人物身份、性格、情感的延伸。书中将深入分析历代名家如何运用不同质感的笔触，表现丝绸的垂坠、棉麻的粗犷、甲胄的坚硬。从顾恺之《洛神赋图》中飘逸灵动的衣带，到《清明上河图》中各色人等服饰的细致区分，再到明清人物画中程式化的“十八描”，我们将揭示衣纹在塑造人物形象、烘托气氛、暗示命运方面的独特作用。这其中蕴含着画家对材料、对风的感知，对生活细微之处的洞察。 五官的传达： 眼睛是心灵的窗户，而中国人物画中的五官，尤其是一双眼睛，更是传达人物神韵的关键。我们并非教授如何画眼睛的“点睛”之术，而是深入分析历代画家如何通过眼部的结构、眼神的聚焦、眉心的舒展，来传达人物内心的情感波动。是喜是悲？是静是动？是沉思还是激昂？这些都凝聚在一笔一画之中。书中将选取不同朝代、不同风格的人物画作品，细致剖析其眼部描绘的特点，如唐代仕女画的“杏眼流盼”，宋代文人画中的“沉静内敛”，以及明清戏曲人物画中的夸张变形，来展现五官在表情达意上的无穷魅力。 “神”的维度： 心源性情的表达： “传神”不仅仅是形似，更在于“意似”和“神似”。“神”来源于画家内心对对象的体悟，来源于画家对人情世故的理解。本书将重点探讨如何通过笔墨的提炼、线条的抒发，以及构图的安排，来捕捉并传达人物的内在精神。我们不会提供“标准”的情感表达模板，而是引导读者去思考，如何通过笔墨的刚柔、墨色的浓淡、线条的顿挫，去表达人物的孤高、忧郁、喜悦、坚毅等复杂情感。这是一种“以形写神”的境界，形是载体，神是核心。 时代精神的烙印： 人物画是时代的镜子。不同时代的人物画，往往反映了那个时代的社会风貌、价值观念和审美趣味。我们将通过分析历代具有代表性的人物画作，如东晋顾恺之的“以形写神”的开创，唐代阎立本的“古今人物”，宋代李嵩的“市井风情”，明代唐寅的“风流才子”，清代孙位的“冷逸疏狂”，来展现不同历史时期的人物画所承载的时代精神。这些作品并非孤立存在，而是与当时的政治、经济、文化、哲学思想紧密相连。 笔墨的语言： 在中国画中，笔墨本身就是一种富有表现力的语言。我们将深入探究历代大师如何运用不同的笔法（如兰叶描、铁线描、游丝描）和墨法（如焦墨、浓墨、淡墨、宿墨），来塑造人物的质感、体积感和空间感，更重要的是，如何通过笔墨的韵律和气韵，传达人物的精神气质。这是一种“笔尖上的舞蹈”，每一笔都充满生命力。 二、溯源流变：历代人物画的辉煌印记 本书将带领读者穿越时空，回顾中国人物画的发展脉络，从早期朴拙的线条到宋元写实的精进，再到明清的世俗化与写意化，每一步都凝聚着先人的智慧与汗水。 萌芽与奠基（史前至秦汉）： 早期的人物画，如原始陶器上的纹饰、商周青铜器上的图案，虽然稚拙，却已显露出对人物形象的早期认知。秦汉时期，画像石、画像砖以及墓室壁画，如《马踏匈奴》、《汉宫仕女图》（虽非真迹，但代表了当时风格），开始以更清晰的线条和叙事性的构图，展现人物的活动和生活场景。这里我们将分析这些早期作品的造型特点，以及它们如何为后来的发展奠定基础。 鼎盛与辉煌（魏晋至隋唐）： 魏晋时期，人物画进入第一个高峰，以顾恺之为代表，“以形写神”的理念开始确立。他的作品如《女史箴图》成为后世学习的典范。到了隋唐，中国人物画迎来了最辉煌的时期。阎立本的《步辇图》、《历代帝王图》，吴道子的“吴带当风”，张萱的《虢国夫人游春图》，周昉的《簪花仕女图》，都展现了人物画在技法、造型、色彩、构图等方面的成熟与创新。我们将重点解析唐代人物画雍容华贵、气度不凡的时代特征，以及其精湛的线条运用和色彩表现。 写实与写意并存（宋元）： 宋代是中国绘画的另一个高峰，人物画在写实主义方面达到了极致。李公麟的白描，张择端的《清明上河图》对市井人物的细致刻画，都代表了宋代人物画的写实水准。同时，文人画的兴起也为人物画注入了新的意趣，如梁楷的减笔画，以简练的笔墨写出人物的神韵。元代的人物画，如赵孟頫的人物画，在继承宋代写实技法的同时，也注入了文人画的雅致。我们将探讨宋元时期人物画在写实与写意之间的张力，以及它们如何影响了后世。 世俗化与程式化（明清）： 明清时期，人物画更加关注世俗生活和民间故事。唐寅、仇英、陈洪绶、孙位等画家，在继承传统的基础上，或以风流自赏，或以奇崛见长，或以戏曲人物为题材，创作出大量脍炙人口的作品。同时，人物画的技法也趋于程式化，形成了各种“描法”，如“十八描”。我们将分析明清人物画在题材、风格上的多样性，以及它们如何反映当时的社会文化变迁。 三、笔墨之外：意境的营造与情感的寄托 本书的重点并非枯燥的技法教学，而是强调在掌握基本技法的前提下，如何将笔墨转化为表达情感、营造意境的工具。 意境的构成： 人物画的意境，是形、神、景、情、理的有机统一。我们将探讨如何通过人物的姿态、神情、服饰，以及与环境的互动，来营造出一种含蓄隽永、耐人寻味的意境。例如，一幅描绘文人雅士的山水人物画，如何通过寥寥数笔，勾勒出山高水长、意境幽远的氛围？一幅描绘少女的仕女图，又如何通过人物的静谧与周围环境的和谐，传递出一种宁静致远的禅意？ 情感的传递： 笔墨是情感的载体。高兴、悲伤、愤怒、思念，这些复杂的情感，都需要通过笔墨来传达。我们将通过分析具体作品，讲解如何通过线条的力度、墨色的变化、构图的疏密，来表现人物的内心世界。一个微小的表情，一个不经意的动作，都可能蕴含着丰富的情感信息。 “气韵生动”的实践： “气韵生动”是中国绘画的最高境界。我们并非给出“如何达到气韵生动”的公式，而是通过对历代大师作品的解读，引导读者去体会那种超越形似的生命力和精神感。气韵是一种难以言说的东西，它存在于笔墨之中，存在于画面的整体感觉之中，它需要画家长期的积累、感悟和对生命的深刻理解。 四、薪火相传：当代人物画的探索与思考 在继承优秀传统的基础上，当代中国人物画也在不断探索新的方向。 传统与创新的融合： 当代画家如何在汲取传统营养的同时，融入现代审美和时代精神？他们如何处理传统笔墨与当代观念的有机结合？本书将选取一些当代优秀的中国人物画作品，进行赏析，探讨他们在人物造型、笔墨运用、题材选择、表现手法等方面的新尝试。 多元化的表现： 当代人物画呈现出前所未有的多元化景象。从写实的精细描绘，到写意的自由挥洒，从现实题材的关注，到抽象精神的探索，各种风格和流派并存。我们将引导读者去理解这种多元化背后的原因，以及它们各自的艺术价值。 新语境下的“神”： 在快速变化的当代社会，人物画如何重新定义“神”？“神”是否只是对现实人物的模仿，还是可以是对内心世界的挖掘，对社会现象的思考，对人类普遍情感的表达？本书将鼓励读者跳出传统的框架，思考当代人物画在精神层面的可能性。 结语： “神形兼备：古韵新生的人物画探微”，这本书希望成为一扇窗，带领读者走进中国人物画的深邃世界。我们不提供速成的秘籍，而是引导大家去观察、去思考、去感悟。通过对历代名作的细致解读，对“形”与“神”关系的深刻剖析，以及对当代人物画探索的梳理，我们希望能激发读者对中国人物画的兴趣，培养对艺术的鉴赏能力，并最终鼓励大家拿起画笔，用自己的方式，去描绘心中的“形”与“神”。这并非一本简单的“如何画人物”的书，而是一次关于中国传统人物画精神内核的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年的中国画爱好者，我一直在探索如何更深入地理解和掌握人物画的精髓。这本《中国画技法人物》给了我极大的启发。它并非一本简单的“临摹教程”，而是更侧重于“技法原理”的讲解，帮助读者理解“为什么这么画”以及“如何画出神韵”。书中关于“人物的骨法用笔”的讲解让我印象深刻。它并不是枯燥的解剖学讲解，而是从中国画的视角出发，强调了如何通过线条的粗细、刚柔、顿挫来表现人物的骨骼支撑和内在力量。我以前画人物，总觉得“缺乏力量感”，看了这一部分，才明白是自己的用笔不够“骨法”。书中还深入探讨了“人物的衣纹与动态相结合”。它强调了衣纹的处理不仅仅是为了表现服饰本身，更是为了烘托人物的身体动态和内在情绪。例如，飘逸的衣纹能够表现人物的轻盈和洒脱，而紧绷的衣纹则能体现人物的紧张和刚毅。我尝试着根据书中的指导，画了一些动态人物，惊喜地发现，人物真的“动”起来了，不再是僵硬的摆设。此外，书中在讲解“人物的眼神描绘”时，也做得非常到位。它不仅仅是教你如何画出眼睛的形状，更是引导你如何通过眼神的“光彩”、瞳孔的“焦距”以及眼角的“细微变化”来传达人物的内在情感。我感觉自己以前画的眼睛总是“呆滞”，看了这一部分，才明白了眼睛的“灵动”是如何实现的。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余爱好者，平时闲暇时间喜欢临摹一些中国画。但总觉得自己在人物方面，总是画不出那种“精气神”。偶然看到了这本《中国画技法人物》，抱着试试看的心态入手了。这本书给了我太多的惊喜！首先，它在讲解技法时，非常注重“细节”的处理。比如，在讲到“人物的眼睛”时，书中不仅仅提供了眼部的基本结构，还详细讲解了如何通过眼球的黑白关系，眼神的“焦距”，以及眼角的细微变化来表现人物的年龄、性格和当时的情绪。我以前画眼睛，总是觉得“死板”，看了这一部分，才明白了眼睛的“灵动”是如何通过细微的笔触来实现的。其次，书中关于“人物的姿态与动态”的讲解也十分实用。它并不是简单地给出各种姿势的图例，而是分析了人物在不同姿态下身体重心的转移，关节的运动规律，以及如何通过线条的流畅性来表现人物的舒展与放松，或者紧张与僵硬。我尝试着根据书中的指导，画了一些简单的动态人物，惊喜地发现，人物真的“动”起来了，不再是僵硬的摆设。此外，书中在讲解“人物的衣纹”时，也做得非常到位。它不仅仅是告诉你如何去描绘衣褶，而是引导你理解衣纹与人物身体的关联，如何通过衣纹的走向和转折来表现人物的体型和动作。我以前画衣纹，总是显得“生硬”，没有自然的流动感，看了这一部分，才意识到衣纹的处理需要与人物的身体动态紧密结合。这本书的语言通俗易懂，配图精美，非常适合我这样的业余爱好者。

评分☆☆☆☆☆

我是一名长期在海外生活的中国画爱好者，一直怀念着故乡的水墨丹青。回国探亲期间，偶然在书店看到了这本《中国画技法人物》，当时就被它精美的封面设计和丰富的内涵所吸引。拿到手中翻阅，更是爱不释手。这本书的编排非常有逻辑性，从人物的五官绘制，到发型、服饰的处理，再到整体的身材比例和神态把握，都进行了系统性的讲解。我尤其欣赏它在“人物五官刻画”这一章节的处理方式。古代中国画对人物的神韵捕捉非常讲究，眼睛是心灵的窗户，鼻子是面部的支撑，嘴唇则能传达情感。书中详细解析了如何运用不同的笔墨技法来表现人物眼睛的炯炯有神，眉毛的疏密飞扬，以及嘴唇的微张或紧闭所传达的不同情绪。它不仅仅是教你画出眼睛的形状，更是教你如何“画出眼睛里的故事”。对于发型的描绘，书中也提供了多种多样的处理方法，无论是飘逸的长发，还是整齐的发髻，都有详尽的步骤解析和范例。我一直觉得发型是人物造型中非常重要的一部分，它能极大地影响人物的整体气质。这本书在这方面给了我极大的启发。此外，关于人物服饰的描绘，书中也花了大量的篇幅。它强调了服饰不仅仅是简单的线条堆砌，更是人物身份、性格、时代背景的体现。通过对衣褶的准确描绘，能够增强人物的立体感和动感，使人物形象更加生动饱满。作者还特别强调了“墨分五色”在表现人物服饰上的应用，如何利用墨色的浓淡干湿来区分不同材质的衣料，以及如何通过飞白来表现服饰的褶皱和阴影。我感觉自己以前对墨色的运用还停留在比较表面的层面，这本书让我对墨色的理解上升了一个高度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在朋友的强烈推荐下才购入这本《中国画技法人物》的。我一直对传统艺术有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统学习过，总觉得自己在绘画方面欠缺一些“功底”。拿到这本书后，我首先被它精美雅致的版式设计所吸引，古色古香的排版风格，与中国画的韵味十分契合。阅读过程中，我发现这本书的讲解非常扎实，不仅仅是停留在“怎么画”的层面，更深入地探讨了“为什么这么画”的道理。例如，在讲解人物的“骨骼结构”时，作者并没有直接给出所谓的“标准人体比例”，而是从中国传统绘画的视角出发，解释了人物造型如何遵循“写意”的精神，强调了“以形写神”的艺术追求。书中对于人物骨骼和肌肉的讲解，并非是解剖学的枯燥分析，而是通过简洁的线条和墨点，勾勒出人物内在的支撑和动态的张力，让我深刻理解了“骨法用笔”的真正含义。我尤其喜欢书里关于“人物的神态把握”这一章节。它并没有提供大量的表情范例，而是通过分析不同年龄、不同身份的人物，如何通过眼神、面部肌肉的细微变化来传达内心的情感。作者用非常细腻的笔触，描绘了老人沧桑的皱纹，孩童天真的笑容，以及女子含蓄的忧愁。这些讲解让我明白，人物画的灵魂在于“神”，而“神”的传达，则需要对生活有细致的观察和深刻的理解。书中还提到了“气韵生动”这一中国画的最高境界，并尝试从技法的角度去解释如何达到这一境界，让我对中国画有了更深层次的认识。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在大学攻读美术的学生，平时接触的绘画技法很多，但总觉得在深入理解中国画的人物方面，还存在一些壁垒。偶然的机会，我看到了这本《中国画技法人物》，并对其进行了深入的研究。这本书最大的特点在于它的“体系化”和“现代化”的结合。它没有回避中国画的传统技法，但又以一种现代人的视角和语言去解读，使得传统技法更容易被当下学习者所理解和接受。书中关于人物头部比例和结构的部分，给出了非常清晰的讲解，它不像西方绘画那样强调绝对精确的比例，而是强调“意会”和“写形”。作者通过对不同脸型的分析，以及不同朝代人物造型的特点，为我们提供了一个理解中国画人物头部造型的独特视角。我印象最深刻的是关于“人物的神情动态”的阐述。它并非简单地罗列表情，而是从中国传统哲学思想出发，探讨人物情绪的表达如何与中国画的写意精神相融合。例如，如何通过眼神的“顾盼”来传达人物内心的喜悦或忧愁，如何通过肢体的“舒展”来表现人物的自信或局促。书中还穿插了大量对历代名家人物画作品的赏析，这些赏析并不是简单的“照搬”，而是结合书中的技法讲解，深入剖析了这些经典作品的妙处，让我受益匪浅。它帮助我将书本上的理论知识与实际的艺术欣赏结合起来，形成了一个更加全面的认识。这本书的语言风格非常严谨而不失活泼，既有学术的深度，又不乏艺术的感染力。

评分☆☆☆☆☆

作为一个从小就喜欢画画，但一直没有接受过正规训练的人来说，这本书简直是打开了我新世界的大门！我一直觉得中国画人物非常神秘，那些飘逸的衣袖，灵动的眼神，仿佛是用一种我无法理解的语言在诉说着故事。拿到这本《中国画技法人物》之后，我才发现，原来学习中国画人物并没有那么遥不可及。书中从最基础的“运笔”开始讲解，让我理解了中国画的线条不仅仅是“画形”，更是“画骨”和“画神”。我以前画人物，总是觉得线条生硬，没有生命力，看了这一章，才明白是自己的运笔方式不对，没有把笔的力量和速度运用好。作者还花了很大的篇幅讲解“人物的结构比例”，并且提供了多种参考比例，让我知道如何去构建一个合理的人物骨架。我以前画人物，总是画得“不成比例”，要么头太大，要么腿太短，有了这本书的指导，我感觉我的画作开始有了“骨骼”，人物形象也更加稳健了。最让我惊喜的是，“人物的脸部表情”这一章节。作者并没有像一些教程那样，直接给出各种表情的图例，而是教我如何通过分析五官的细微变化来表现不同的情感。例如，如何通过眉毛的弯曲程度来表达喜悦，如何通过嘴角的轻微上扬来传达一丝笑意。这种“授人以渔”的方式，让我即使在没有范例的情况下，也能自己去创作出各种表情。而且，这本书的插图非常精美，无论是人物的示范图，还是名家作品的局部赏析，都极具艺术价值，每次翻阅都能给我带来新的灵感。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对中国画人物的写意风格情有独钟。那些不拘泥于形似，但又能抓住人物神韵的画作，总是让我心生向往。这本《中国画技法人物》可以说是满足了我对这方面的所有期待。它在讲解技法的同时，非常注重对中国画“写意”精神的阐释。书中关于“人物的衣纹表现”让我印象深刻。作者并没有简单地告诉你如何画出褶皱，而是引导我们去理解衣纹背后的结构和动态，如何通过笔墨的变化来表现衣料的质感，以及如何用衣纹来烘托人物的气质和情感。我以前画衣纹，总觉得是“生硬”的，没有流动的生命力，看了这一部分，才意识到衣纹的处理需要与人物的身体动态和整体气质相结合。它不仅仅是“形”，更是“神”。书中还对“人物的动态捕捉”进行了深入的探讨。作者强调了“势”在人物画中的重要性，以及如何通过线条的组合和墨色的变化来表现人物的动势和节奏感。我尝试着根据书中的指导，画了一些简单的动态人物，惊喜地发现，人物真的“活”了起来，不再是静止的图像，而是充满了动感和生命力。此外，书中还花了大量的篇幅讲解了“人物的设色与晕染”。中国画的色彩运用非常讲究，如何运用淡雅的色彩来烘托人物的神韵，如何通过色彩的变化来表现人物的年龄和身份，都有非常详尽的讲解。我以前对色彩的运用比较大胆，但这本书让我意识到，在中国画人物的设色中，“留白”和“淡雅”同样重要，它们能更好地衬托出人物的气韵。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国画的写意人物有着深深的向往，但苦于找不到一本能够系统讲解技法的书籍。这本《中国画技法人物》的出现，简直是解开了我心中长久的困惑。它在讲解技法时，非常注重“理论与实践相结合”。书中关于“人物的衣纹处理”让我受益匪浅。它不仅仅是教你如何画出褶皱，而是从理解衣料的垂坠感、人物的身体动态出发，来表现衣纹的自然流动。作者通过分析不同材质的衣料，以及不同姿态下衣纹的变化，让我明白衣纹的处理是多么的重要。我以前画衣纹，总觉得“生硬”，缺乏生命力，看了这一部分，才明白衣纹的处理需要与人物的身体动态和整体气质相辅相成。书中还花了大量的篇幅讲解了“人物的神态捕捉”。它并非简单地提供表情图例，而是教你如何通过眼神的“顾盼”、眉毛的“飞扬”以及面部肌肉的细微变化来传达人物的内心世界。我尝试着根据书中的指导，画了一些人物的眼神，惊喜地发现，人物真的“活”了起来，仿佛拥有了自己的情感。此外，书中还对“人物的设色技巧”进行了深入的讲解。中国画的色彩运用非常讲究，如何运用淡雅的色彩来烘托人物的神韵，如何通过色彩的变化来表现人物的年龄和身份，都有非常详尽的讲解。我感觉自己以前对色彩的运用比较随意，这本书让我对色彩有了更深的理解和运用。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对中国传统文化有着浓厚兴趣的普通读者，我一直在寻找一本能够帮助我了解和学习中国画人物绘制的入门书籍。这本《中国画技法人物》无疑是我的最佳选择。它将复杂的中国画人物技法，以一种清晰、条理分明的方式呈现在读者面前。书中从“人物的头部结构”开始，细致入微地讲解了各个部分的绘制要领，比如如何运用不同的笔触来勾勒出脸部轮廓的圆润或方正，如何通过墨色的浓淡变化来表现面部的明暗关系，以及如何精准地描绘出人物的眉、眼、鼻、口等关键部位。我尤其赞赏它关于“人物的神情刻画”的讲解。作者并没有仅仅停留在“画出表情”的层面，而是深入探讨了如何通过眼神的“光彩”和嘴角“微澜”来传达人物内心的情感。例如，如何通过眼神的“聚散”来表现人物的专注或迷茫，如何通过嘴角“向上”或“向下”的弧度来传达喜悦或忧伤。这种对细节的关注，让我深刻体会到中国画人物的魅力所在。书中还详细讲解了“人物的身体比例与动态”。它不像西方绘画那样强调绝对精确的比例，而是从中国画的写意精神出发，强调了“以形写神”，即在掌握基本比例的前提下，更注重人物的内在气质和动态的表现。我以前画人物，总觉得“四肢不协调”，有了这本书的指导，我感觉人物的整体造型变得更加和谐、生动。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了新世界的大门！我一直对中国画的人物塑造有着浓厚的兴趣，总觉得古代的大家们笔下的古人，神情各异，栩栩如生，仿佛能穿越时空与我对话。但自己动手尝试时，却总感觉抓不住神韵，线条显得僵硬，色彩也不够自然。偶然间翻到这本《中国画技法人物》，简直是救星！书中从最基础的笔墨运用讲起，线条的顿挫、转折，墨色的浓淡干湿，都讲解得细致入微，配上大量精美的范例，让我这个初学者也能看得懂，学得会。它没有上来就讲复杂的构图和人物比例，而是循序渐进，先让你熟悉“笔”这个中国画的灵魂。尤其是关于“线描”的部分，作者详细剖析了不同线条的表现力，如何用不同的线条来勾勒人物的衣褶，如何通过线条的粗细变化来表现人物的肌肉感和体积感。我以前画的人物总觉得是“扁平”的，看了这一段，才意识到是线条运用不够灵活，没有“立起来”。书中的讲解还很注重理论与实践的结合，每一项技法都配有相应的练习方法，并给出了一些常见的误区提示，让我少走了很多弯路。我特别喜欢书里关于“人物的动态表现”的章节，它通过分析大量的古代画作，总结出了人物在不同姿态下的重心转移、肌肉舒展等规律，并给出了实用的绘制技巧。我尝试着根据书中的指导，画了一些简单的动态人物，惊喜地发现，人物真的“动”起来了，不再是呆板的站立或坐着。这本书的语言也很通俗易懂，没有过于学术化的术语，即使是零基础的读者也能轻松上手。它就像一位循循善诱的老师，耐心地引导着你走进中国画人物的世界。