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白瑩（Masaru Fujimoto） 著

圖書標籤:

• 藝術史
• 藝術
• 繪畫
• 雕塑
• 建築
• 文化
• 曆史
• 圖解
• 藝術入門
• 西方藝術史

齣版社： 信實文化行銷有限公司

ISBN：9789866620997

商品編碼：16004044

包裝：平裝

齣版時間：2009-10-19

頁數：416

正文語種：繁體中文

內容簡介

橫跨世界五大洲，縱橫古今三萬年
涵蓋繪畫、雕塑、建築、工藝品、攝影、裝置藝術、行動藝術
以珍貴的作品圖片、精闢的解說
展現全人類對「美」的豐沛創造力
本書以時間為經、區域為緯，導覽歐、亞、非、美、澳五大洲的藝術作品，並讓世界地圖擔任藝術解說員，讓您一眼就可掌握全球的藝術演變與走嚮。
藝術起源與人類的生產活動密不可分，不同的生活方式，造就齣對美的不同感受力與創造力。中國的秦始皇在建陵墓、造兵馬俑的年代，古希臘人雕齣瞭「斷臂的維納斯」。歐洲誕生瞭天纔達文西的同時，南美洲印加文明也正逢全盛時期，建造齣絕壁上的馬丘比丘城。原本互不相關、獨立發展的藝術，經過瞭大航海時代、工業革命、帝國主義時期直到現代全球化的20世紀，逐漸相互融閤激盪，產生瞭無數混血的聯姻，以及嶄新的藝術形式。
透過時代與區域的雙重架構，整閤各時期重要藝術傢與流派介紹，並精選藝術品圖片解說，最精華的藝術史躍然眼前，一次滿足您對美的知性渴望。

目錄

齣版序
第一編 世界上古藝術
第一章 史前藝術
第一節 石器時代藝術
第二節 歐洲藝術
第三節 亞洲藝術
第四節 非洲藝術
第五節 大洋洲藝術
第六節 美洲藝術
第二編 文明形成時期的藝術
第一章 早期文明時期的藝術
第一節 歐洲古文明的藝術
第二節 亞洲古文明的藝術
第三節 非洲古文明的藝術
第二章 古典文明時期的藝術
第一節 歐洲古典文明時期的藝術
第二節 亞洲古典文明時期的藝術
第三節 美洲古典文明時期的藝術
第三編 中世紀與過渡時期的藝術
第一章 中世紀時期的藝術
第一節 歐洲中世紀時期的藝術
第二節 亞洲中世紀時期的藝術
第三節 美洲中世紀時期的藝術
第四節 非洲中世紀時期的藝術
第二章 15—16世紀的藝術
第一節 歐洲15—16世紀的藝術
第二節 亞洲15—16世紀的藝術
第三節 美洲15—16世紀的藝術
第四節 非洲15—16世紀的藝術
第四編 近現代藝術
第一章 17—18世紀的藝術
第一節 歐洲17—18世紀的藝術
第二節 亞洲17—18世紀的藝術
第二章 19世紀的藝術
第一節 歐洲19世紀的藝術
第二節 美洲19世紀的藝術
第三節 亞洲19世紀的藝術
第三章 20世紀的藝術
第一節 歐洲20世紀80年代之前的藝術
第二節 美洲20世紀80年代之前的藝術
第三節 亞洲20世紀80年代之前的藝術
第四節 20世紀80年代後的主流藝術

精彩書摘

齣版序/許汝紘（本文作者為華滋齣版總編輯）
龍吟虎嘯?爭奇鬥豔的藝術史詩
閱讀是一件愉悅的事情，尤其是閱讀歷史。
歷史告訴我們什麼是文明；什麼是傳承；什麼是人性的善美；什麼是人類思想的真諦；而藝術的歷史，則以具體的視覺圖像，訴說著在地球上各種文明的發展脈絡，與相互之間的影響與連結。
因為有瞭視覺的圖像，所以我們很容易掌握區域文明的發展脈絡，如果再加上空間的元素，我們便能很快跳脫隻觀察斷代歷史的侷限性。但《圖解藝術史》最難能可貴的是，除瞭有具體的視覺圖像、有時間縱

前言/序言

東方畫捲的流光溢彩：中國傳統繪畫的審美與技法深度探究 本書聚焦於中國傳統繪畫的博大精深，通過對曆代名傢作品的精妙解析與技法梳理，帶領讀者深入領略東方藝術的獨特魅力與哲學意蘊。 第一章：水墨精神——中國畫的哲學基石與文人品格 中國畫，並非僅僅是描摹形體，它更是一種精神的寄托與哲思的流露。本章將從“道法自然”的宇宙觀齣發，探討中國傳統美學思想如何滲透於繪畫的每一個筆觸之中。 1.1 陰陽五行與筆墨的辯證統一： 深入剖析墨色的濃淡乾濕如何對應自然界的陰陽變化。水墨的“黑白世界”並非單調，而是蘊含著無窮的變化與張力。解析宣紙的吸水性對墨韻形成的關鍵作用，以及“計白當黑”的構圖哲學。 1.2 文人畫的興起與“士氣”的塑造： 重點考察自唐宋以來，文人階層對繪畫的介入如何改變瞭畫科的格局。探討“詩、書、畫、印”四絕的融閤，以及“胸中有丘壑”如何高於“目中有人間”。通過對蘇軾、米芾等大傢的論述，闡釋“逸筆草草，不求形似”背後的審美追求——追求意境與人格的投射。 1.3 氣韻生動：超越視覺的審美標準： 詳解謝赫“六法”之首“氣韻生動”的內涵。這不僅是技法的圓融，更是畫傢生命力與自然萬物精神相契閤的體現。通過對比宋代院體畫的精謹與元代文人畫的疏朗，來理解“氣韻”在不同曆史時期的側重點變化。 第二章：山水之間——中國山水畫的演變與空間構建 山水畫是中國繪畫體係中最具代錶性、也是哲學意蘊最為深厚的畫科。本章將按時間脈絡梳理其發展，並重點解析其獨特的空間處理方式。 2.1 隋唐之際：開創與巨碑式的空間感： 考察李思訓的青綠山水如何奠定瞭早期山水畫的輝煌基調。重點分析“金碧山水”的材料特性與裝飾性，以及李思訓如何營造齣宏大、莊嚴的皇傢氣象。 2.2 宋代的理性與“可行、可望、可遊、可居”： 分析北宋範寬、郭熙等如何將對自然的觀察推嚮極緻。範寬《溪山行旅圖》中“雨點皴”的運用，展現瞭山體肌理的厚重感；郭熙《早春圖》則體現瞭高遠、深遠、平遠三種視角的交替運用，構建瞭可供人遊曆的完整空間體係。 2.3 元四傢的內化與筆墨語言的解放： 深入探討黃公望、倪瓚等如何從“外師造化”轉嚮“胸中丘壑”。分析董源、巨然的“披麻皴”如何被元代畫傢繼承和演化，以及倪瓚“摺筆”的運用所體現的清冷孤寂的文人情懷。 2.4 明清的“南北宗”論及其格局的再造： 辨析董其昌提齣的“南北宗”對後世山水畫的理論影響。解析“南宗”（以文人畫為主）和“北宗”（以院體與浙派為代錶）在用墨、皴法和意境上的差異，並考察清初“四王”如何集古成傢，將傳統筆墨推嚮集大成的階段。 第三章：花鳥蟲魚——從寫實到寫意的心物交融 花鳥畫是中國日常生活中最貼近人情的畫科，它完美體現瞭中國藝術中“寫意”的靈活多變。 3.1 唐代寫實主義的巔峰——工筆重彩： 重點研習“黃傢富貴”（黃筌父子）的精細描摹，以及“徐傢野逸”（徐熙）開創的寫意風尚。解析唐代花鳥畫如何服務於宮廷審美，強調對物象的精準捕捉與色彩的運用。 3.2 宋代“格物緻知”與生態描繪： 探討宋徽宗的瘦金體書法與院體花鳥畫的結閤，體現瞭皇帝對自然科學的關注。分析宋代花鳥畫中對光影、動態的細膩把握，使畫麵充滿生命力。 3.3 文人寫意花鳥的誕生與創新： 深入解析以趙孟頫、王冕為代錶的文人如何將花鳥作為“托物言誌”的載體。重點剖析“梅蘭竹菊”四君子的文化符號意義。特彆是對竹子的描繪，如何從“寫竿”到“寫節”再到“寫心”的演變過程。 3.4 明清的潑墨與寫意水墨的深化： 考察徐渭的大寫意風格，其筆法狂放，將水墨的隨機性推嚮極緻。分析八大山人通過奇特的造型（如翻白眼魚、白眼鳥）來錶達的孤憤與衊視。探討清代惲壽平開創的“沒骨”新法，如何以色彩的渲染直接塑造形體，實現筆墨的簡化與意境的提升。 第四章：人物畫科的敘事與肖像傳統 人物畫承載瞭中國古代的倫理教化與曆史敘事功能。本章將側重於不同曆史時期對人物精神狀態的捕捉。 4.1 早期人物畫的功用與“顧陸之爭”： 概述漢魏六朝時期人物畫的宗教與曆史題材的傾嚮。重點對比顧愷之“傳神寫照，妙在象外”的理論與陸機的“形神兼備”的實踐，理解“形似”與“神似”的早期探討。 4.2 盛唐氣象與世俗生活的描繪： 分析吳道子“吳帶當風”的筆法，如何賦予人物以飄逸的動感。考察周昉《簪花仕女圖》所展現的盛唐貴族女性的豐腴與哀愁，體現瞭唐代社會審美的高峰。 4.3 宋代的世俗化與心理深度： 探討宋代人物畫如何走嚮市井與日常。重點分析張擇端《清明上河圖》的百科全書式描繪，展現瞭宋代市民階層的生動群像。解析李公麟白描技法的精妙，如何通過綫條的粗細、頓挫來塑造人物的內在氣質和身份特徵。 4.4 筆墨造型的轉型與宗教人物的演變： 考察明清時期對古代人物畫技法的迴歸與再創造。分析陳老蓮（洪綬）的人物造型如何吸收版畫的造型特點，形成誇張、奇崛的個人風格。討論清代“改畫”風氣下，人物畫對傳統程式的堅守與對民間藝術元素的吸納。 第五章：筆墨技法與材料的科學探究 本章將從技術層麵拆解中國畫的物質基礎與操作規範，為實踐者提供堅實的技法支撐。 5.1 筆法：綫條的語言體係： 係統梳理中國畫的十八描，如鐵綫描、蘭葉描、高古遊絲描等，並解析其在不同畫科（人物、山水、花鳥）中的適用性。探討“中鋒用筆”的本質——對毛筆彈性和韌性的精確控製。 5.2 墨法與渲染：水墨的無窮變幻： 詳細講解“墨分五色”的實現途徑，包括焦、濃、重、淡、清的層次構建。分析濕畫法（破墨法）與乾畫法（皴法）的對立統一，以及如何通過控製水分實現墨色的自然暈化效果。 5.3 設色：礦物顔料的穩定與光澤： 介紹中國畫所用顔料的來源與特性，如石青、石綠等礦物顔料的附著力與曆代保存的睏難。講解“罩染”和“退暈”的技法，是如何在工筆畫中實現色彩的層次感和透明感。 5.4 題跋與印章：完成畫麵的儀式： 探討書法在畫麵中的重要地位，它不僅是說明，更是構圖的有機組成部分。分析不同書體（篆、隸、楷、行、草）在畫作中的角色，以及印章的硃紅如何作為畫麵的“點睛之筆”，平衡整體的黑白關係。 本書力求以嚴謹的學術視角，結閤詳盡的圖例分析，還原中國傳統繪畫從哲學構想到具體筆墨實踐的完整鏈條，旨在為讀者提供一個全麵而深入的藝術考察路徑。

評分☆☆☆☆☆

我個人特彆欣賞這本書在解讀藝術作品時所采用的那種細膩入微的分析角度。它不僅僅是簡單地告訴我們“這是誰畫的，哪個時期的作品”，而是深入到瞭作品的“肌理”層麵。舉個例子，當我們談論立體主義時，書中不是簡單地提及畢加索如何解構物體，而是通過對比分析他不同階段的畫作，詳細闡釋瞭從早期的“藍色時期”到“立體主義解構”過程中的關鍵轉摺點和思想掙紮。這種層層剝繭的分析，讓原本感覺高深莫測的現代藝術變得可以觸摸、可以理解。書中對那些標誌性作品的“微觀解讀”尤其精彩，比如某幅畫中人物眼神的微妙變化、背景色彩的選擇是如何烘托主題情緒的等等。這些細節的挖掘，極大地豐富瞭我對藝術作品的感知力。現在，當我再去看那些博物館裏的名作時，我的目光不再是走馬觀花，而是會下意識地去尋找書中提到過的那些“綫索”——光綫的處理、構圖的平衡、象徵符號的運用。這本書成功地教會瞭我如何“看”藝術，而不是僅僅“欣賞”藝術。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事邏輯和時間脈絡梳理得非常清晰，簡直是為我這種零基礎的“小白”量身定製的導覽圖。它不像有些學術專著那樣，動輒就從史前洞穴壁畫開始，讓人望而生畏，而是以一種非常流暢且富有節奏感的方式，帶著讀者逐步深入。作者似乎深諳非專業人士的認知習慣，總能找到最恰當的切入點。比如在介紹印象派時，它沒有一味糾結於晦澀的光學理論，而是先從當時的社會背景——巴黎的快速工業化和生活方式的改變入手，讓你明白為什麼藝術傢們突然要走齣畫室，捕捉稍縱即逝的光影。這種“情景代入式”的講解，讓那些看似抽象的藝術流派突然變得鮮活起來，充滿瞭生活氣息。更棒的是，書中對於不同藝術時期之間的過渡和影響，做瞭非常細膩的勾勒。比如，如何從古典主義的嚴謹過渡到浪漫主義的激情四射，再到後印象派對色彩和形式的顛覆，每一步的邏輯鏈條都扣得很緊，讓你不會在龐大的藝術史長河中迷失方嚮。讀完一章，你對那個時代藝術傢的思考方式和創作動機都會有一個豁然開朗的認識。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格可以說是非常接地氣，完全沒有傳統藝術史著作那種高高在上的學術腔調。作者的文筆非常生動，甚至帶有一絲幽默感，讀起來一點也不覺得纍。它更像是與一位博學的朋友坐在咖啡館裏，聽他娓娓道來那些藝術史上的軼事和八卦。比如，關於某些藝術傢與贊助人之間錯綜復雜的關係，或者某次藝術展上引發的巨大爭議，這些內容都被作者描述得繪聲繪色，讓人聽得津津有味。這種輕鬆的敘述方式，極大地提升瞭閱讀的愉悅感。我通常很難長時間專注於閱讀嚴肅的非虛構類書籍，但這本書的節奏把控得極好，每隔一段時間就會穿插一些有趣的小知識點或“你知道嗎？”的側邊欄，像是在為你提供一個短暫的休憩點，然後又重新把你拉迴到主綫中。它成功地將藝術史從一個遙遠、高冷的學科，拉到瞭我們日常生活的語境下，讓我覺得藝術鑒賞其實是一件可以融入生活、隨時隨地都能享受的樂趣。

評分☆☆☆☆☆

對於我這種經常需要跨領域學習的人來說，這本書最大的價值在於它提供的“關聯性思考”。它沒有將藝術史孤立地看待，而是頻繁地將其置於更宏大的曆史、哲學、科技背景下進行考察。比如，在談到哥特式建築的崛起時，書中會同步探討中世紀神學思想的演變，以及當時工程技術上的突破，解釋瞭為什麼那個時代的人們會追求那種直插雲霄的尖頂結構。這種多維度的關聯分析，讓我對藝術的理解不再是零散的知識點集閤，而是一個相互影響、相互塑造的復雜係統。當我瞭解到攝影術的發明是如何直接衝擊瞭傳統繪畫的記錄功能，從而推動瞭後來的抽象藝術運動時，那種豁然開朗的感覺是無與倫比的。這本書成功地構建瞭一個知識網絡，讓我明白藝術的發展從來都不是憑空齣現的，而是特定時代思潮、技術和需求的産物。它培養瞭我一種批判性思考的習慣，讓我開始追問“為什麼是這樣？”而不是滿足於“就這樣”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版簡直是一場視覺盛宴！我拿到手的時候就被它精美的插圖吸引住瞭。那種高清的印刷質量，色彩的還原度極高，簡直就像把原作搬到瞭眼前。尤其是那些文藝復興時期的油畫細節，連筆觸的紋理都能清晰地感受到。作為一名對藝術史有興趣的普通讀者，我最怕的就是那種文字堆砌、圖文分離的枯燥教材，但這本書完全沒有這個問題。它巧妙地將文字介紹和對應的視覺材料無縫融閤，每當講到一個流派或一位大師時，相關的代錶作就會立刻呈現在旁邊，這種“所見即所學”的方式，極大地降低瞭理解的門檻。我以前對巴洛剋風格那種戲劇性的光影效果總是理解得一知半解，但配閤著書裏精心挑選的特寫圖片，那種強烈的對比和情感的張力瞬間就被捕捉到瞭。而且，裝幀設計也很有質感，拿在手裏沉甸甸的，完全可以當做一本精美的畫冊來收藏。對於想要係統性入門藝術史，又不想被晦澀學術語言勸退的讀者來說，這本書的視覺呈現效果絕對是教科書級彆的典範。它讓我真正體會到瞭“藝術是直觀的錶達”這句話的含義，純粹的文字描述永遠無法取代親眼“看見”的震撼力。