向大师学绘画(全3册) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558604621

商品编码：17914168282

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	向大师学绘画(全3册)
作者：	(美)罗伯特·贝弗利·黑尔(Robert Beverly Hale)，(美)特伦斯·科伊尔著
定价：	208.0
出版社：	上海人民美术出版社
出版日期：	2017-05-01
ISBN：	9787558604621
印次：
版次：	修订版
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书包括：人体素描、艺用解剖、素描基础三册。

笔尖下的世界：探索光影、色彩与形体的奥秘 本书系精选了三大艺术领域中的传世之作，旨在为艺术爱好者、初学者乃至有一定基础的绘画者提供一个全面、深入的学习平台。我们摒弃了枯燥的理论说教，转而以大师们的经典作品为引，带领读者走进一个充满无限可能的视觉世界。通过对不同时期、不同风格大师的创作脉络和技法精髓的剖析，本书力求帮助读者理解艺术的本质，掌握绘画的规律，并最终形成自己独特的艺术语言。 第一卷：光影的叙事——捕捉瞬间的生命律动 光与影，是塑造形体、营造氛围、传达情感最直接、最有效的手段。本卷我们将目光聚焦于那些将光影运用到极致的绘画大师。从文艺复兴时期对明暗对比的精妙处理，到巴洛克时期戏剧化的光影效果，再到印象派对自然光色的捕捉，本书将层层剥开光影的秘密。 我们将深入研究伦勃朗的光影处理。这位荷兰黄金时代的巨匠，被誉为“光的画家”。他善于运用“伦勃朗光”，即主体一侧受光，另一侧则处于阴影之中，并在此阴影中巧妙地留下一道细窄的光线，从而塑造出人物深邃的立体感和饱满的情感。本书将通过分析其代表作《夜巡》和大量的肖像画，解析他如何运用不同方向、不同强度的光线来突出人物的面部特征、服装的质感，甚至烘托人物的内心世界。我们将探讨他如何通过对阴影的处理，来引导观者的视线，营造神秘、庄严或忧郁的氛围。你会发现，在他笔下的光影，不仅仅是物理现象，更是情感的载体，是故事的叙述者。 接着，我们会将目光转向卡拉瓦乔，这位巴洛克时期充满争议却又影响深远的艺术家。他的“特内布里主义”（Tenebrism），即极端的明暗对比，将戏剧性推向了顶峰。在卡拉瓦乔的作品中，黑暗占据了画面的大部分，而唯一的光源则如同聚光灯般，精准地照亮画面中最重要的元素。本书将以《圣马太蒙召》和《圣母的安息》为例，分析卡拉瓦乔如何利用强烈的光影对比来强化画面的冲击力，突出人物的动态和情绪，营造出一种紧张、逼真甚至令人不安的现实感。我们将学习到，如何在黑白灰的微妙关系中，创造出强烈的视觉张力，如何让光线成为故事的焦点，引导观者的思考。 印象派的出现，则为光影的研究带来了新的维度。莫奈，作为印象派的奠基人之一，他对自然光色的痴迷，对瞬间光影变化的敏感，彻底改变了人们对绘画的认知。本书将以莫奈的《日出·印象》和《睡莲》系列为例，分析他如何通过短促、破碎的笔触，捕捉不同时间、不同天气下的光线色彩变化。我们将探讨他如何观察并表现阳光照射在水面、树叶、建筑上产生的丰富而微妙的色彩反射。通过对莫奈作品的解析，你将学会如何放下对细节的刻板描绘，转而关注整体的视觉感受，学会用色彩来“绘画”光，而不是仅仅用明暗来塑造体积。 此外，本卷还将涉及其他在光影运用上独树一帜的大师，例如维米尔对室内柔和、均匀光线的细腻描绘，以及德加对舞台灯光下人物瞬间姿态的捕捉。通过对比不同大师对光影的不同理解和运用，读者将深刻体会到光影在绘画中的多样性和重要性，并掌握如何运用光影来增强画面的表现力、感染力和故事性。 第二卷：色彩的交响——调和、对比与情感的共鸣 色彩，是绘画中最直观、最具情感表现力的语言。本卷将带领读者走进一个由色彩构成的斑斓世界，探索色彩的奥秘，学习如何运用色彩来表达情感、营造氛围、塑造和谐或戏剧性的视觉效果。 我们将从色彩理论的基础知识入手，但绝不局限于理论。本书将重点分析梵高对色彩的独特运用。这位后印象派巨匠，以其充满激情的笔触和大胆的色彩表达而闻名。他并非遵循写实的色彩原则，而是将主观情感注入色彩之中，用强烈的色彩对比来表达内心的激动、忧郁或狂喜。我们将深入解析《星夜》中扭曲的星空和火焰般的柏树，分析他如何使用互补色（如蓝色与黄色、橙色与蓝色）来制造视觉冲击，如何通过色彩的叠加和并置来营造强烈的动感和情感张力。本书将引导你理解，色彩不仅仅是对客观世界的模仿，更是艺术家内心世界的投射。 接着，我们将聚焦于马蒂斯，这位野兽派的代表人物，他将色彩的解放推向了极致。马蒂斯的作品以其鲜艳、纯粹的色彩和大胆的平面化处理而著称。他相信色彩本身就具有独立的情感力量，无需过多依赖形体的约束。我们将以《舞蹈》和《红色房间》为例，分析他如何运用大胆的平面色块来营造欢快、自由的氛围，如何通过色彩的并置来产生新的视觉感受。你将学到，如何摆脱对色彩的固有认知，大胆尝试各种色彩组合，用纯粹的色彩去“歌唱”。 与此同时，我们也不会忽视那些在色彩运用上追求和谐与微妙的大师。提香，文艺复兴时期威尼斯画派的巨匠，以其丰富、温润的色彩而著称。他善于运用和谐的色彩搭配，营造出一种温暖、奢华、充满生命力的氛围。本书将分析提香的《乌尔比诺的维纳斯》，解析他如何通过丝绸、肌肤和背景之间微妙的色彩过渡，展现出人物的性感与舒适，以及画面整体的和谐统一。我们将学习如何运用色彩的渐变和邻近色来营造柔和、宁静的美感。 此外，本卷还将涉及莫奈在色彩领域的探索，以及德拉克洛瓦在浪漫主义色彩运用上的激情。通过对不同大师色彩风格的比较，读者将深刻理解色彩的语言，学会如何根据自己的创作意图，灵活运用色彩的理论知识和实践技巧，创造出富有表现力、能够触动人心的色彩世界。 第三卷：形体的雕塑——结构、透视与空间的营造 形体，是绘画的骨骼，是构建画面秩序、传递空间感的基础。本卷将带领读者深入探究形体的奥秘，学习如何理解和表现物体的结构、比例和透视关系，从而在二维平面上创造出逼真的三维空间感。 我们将从古典主义的严谨结构讲起。达芬奇，这位文艺复兴时期的博学大师，对人体解剖学和透视学的研究达到了前所未有的高度。本书将以他的《岩间圣母》为例，分析他如何通过精准的素描关系和对人体结构的深刻理解，来塑造出逼真、生动的人物形象。我们将探讨他对“空气透视”的运用，即通过色彩的饱和度和明度变化来表现远处景物的朦胧感，从而增强画面的空间纵深。 接着，我们将转向安格尔，新古典主义的代表画家。他的作品以其清晰的轮廓线、严谨的造型和精致的细节描绘而著称。本书将分析安格尔的《大宫女》，解析他如何通过流畅的线条和对人体曲线的精妙把握，创造出优美、典雅的女性形象。我们将学习到，如何在造型中追求准确与美的结合，如何运用线条来强调形体的力量和韵律。 然而，形体的表现并非只有写实一条道路。毕加索，作为20世纪最重要的艺术家之一，他彻底颠覆了传统对形体的认知。本书将以他的立体主义作品，如《亚维农的少女》为例，分析他如何将物体分解成几何块面，从多个视角同时观察并重组，从而在二维平面上呈现出一种全新的空间感和视觉体验。你将了解到，形体可以被抽象、被变形，以服务于更具表现力的创作意图。 此外，本卷还将涉及丢勒在透视学和比例研究上的贡献，以及塞尚对形体结构的大胆探索。通过对这些不同时期、不同风格大师作品的分析，读者将能够理解形体在绘画中的多重意义，掌握从宏观到微观的造型规律，并学会如何根据不同的创作需求，灵活运用各种技法来塑造富有生命力的形体。 结语： 《向大师学绘画（全3册）》并非一本简单的技法教程，而是一次与艺术史上的伟大灵魂对话的旅程。我们希望通过对这些经典作品的深入解读，激发读者对绘画艺术的热情，培养对光影、色彩和形体的敏锐感知，最终帮助读者找到属于自己的创作之路。绘画的魅力在于其无限的可能性，而大师们的作品，正是引领我们探索这些可能性的最佳指南。翻开本书，让我们一同踏上这段充满启迪的艺术探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

这套《向大师学绘画(全3册)》绝对是我近年来读过的最实用、最有启发的绘画书籍之一。我之前一直尝试着学习水彩画，但总觉得画面不够通透，色彩也显得有些浑浊。阅读这套书后，我才明白，原来水彩画的魅力在于“轻透”和“灵动”，关键在于对水分的掌控和对色彩的叠加。书中通过分析众多水彩大师的作品，揭示了他们是如何利用水的特性，创造出独特的色彩效果和画面氛围。我尤其对其中关于“水的魔法”这一章节印象深刻。它不再是教你如何调色，而是教你如何去感受水在纸上的流动，如何去引导颜料的晕染，从而创造出意想不到的惊喜。比如，某位大师如何用大量的清水，让色彩在纸上自由地流淌，形成如梦似幻的背景；另一位大师又如何用巧妙的笔触，在干燥的纸面上叠加色彩，表现出鲜明的层次感。这些讲解让我对水彩画有了全新的认识，不再仅仅是颜料的涂抹，而是与水进行一场美妙的对话。此外，书中还深入探讨了不同大师在处理水彩画的留白、以及如何表现透明感方面的独到之处。我之前一直觉得留白很难把握，但通过对大师作品的细致分析，我才发现，原来留白本身就是画面的重要组成部分，它能让画面更具呼吸感和空间感。这套书让我看到了水彩画的无限可能，也激发了我不断探索和尝试的热情。我现在绘画时，会更加注重对水分的控制和对色彩的叠加，尝试着去感受水在纸上的生命力，并大胆地运用留白来丰富画面，相信很快就能画出更具通透感和艺术感的水彩作品。

评分☆☆☆☆☆

这套《向大师学绘画(全3册)》就像一位经验丰富的导师，循循善诱地引导我走进绘画的殿堂。我一直对风景画有着天然的喜爱，但总觉得自己的作品缺少一种“意境”，画面平淡无奇。阅读这套书后，我才意识到，原来风景画的魅力不仅仅在于写实，更在于情感的融入和氛围的营造。书中通过分析不同大师的风景作品，揭示了他们是如何通过对光影、色彩和构图的巧妙运用，来传达自己对自然的独特感受。我尤其对其中关于“捕捉瞬间的风景”这一章节印象深刻。它不再是简单地描绘眼前的景物，而是教我如何去感受自然的光影变化，如何去捕捉那一刹那的美丽。比如，某位大师是如何用明亮的色彩和跳跃的笔触，来表现阳光穿透树林的温暖；另一位大师又如何用灰暗的色调和绵密的笔触，来营造出雨后山林的静谧与忧伤。这些讲解让我对风景画有了全新的认识，不再仅仅是客观的描绘，而是主观情感的抒发。此外，书中还深入探讨了不同大师在表现自然肌理，如水面、岩石、云朵等方面的独到之处。我之前一直觉得这些细节很难画得逼真，但通过对大师作品的细致分析，我才发现，原来关键在于对笔触的掌控和对色彩的敏感度。这套书让我看到了风景画的广阔天地，也激发了我不断探索和尝试的热情。我现在绘画时，会更加注重对景物的情感投入，尝试着去捕捉自然的光影变化和独特的氛围，相信很快就能画出更具感染力的风景作品。

评分☆☆☆☆☆

这套《向大师学绘画(全3册)》简直是我的绘画启蒙宝藏！我一直以来都对绘画有着浓厚的兴趣，但总是感觉自己摸不着门道，画出来的东西总是不尽人意，缺乏灵魂。直到我遇到了这套书，我才发现，原来绘画并非遥不可及，关键在于如何从真正的艺术家那里汲取养分。书中的大师们，他们不仅仅是传授技巧，更重要的是分享了他们对艺术的理解、对生活的感悟，以及在创作过程中所经历的挣扎与突破。我尤其喜欢其中关于构图的章节，不再是枯燥的理论讲解，而是通过大师的经典作品，一步步拆解出构图的奥秘。例如，某位大师如何巧妙运用黄金分割，让画面既稳定又不失动感；另一位大师又如何通过对角线构图，引导观者的视线，营造出强烈的戏剧冲突。这些分析都极富启发性，让我豁然开朗。而且，书中挑选的大师作品也极为经典，涵盖了不同时期、不同风格的绘画巨匠，从文艺复兴的严谨到印象派的光影，再到现代艺术的奔放，简直是一场跨越时空的艺术盛宴。我常常沉浸在这些大师的画作中，感受他们笔触下的力量与情感，仿佛能与他们进行一场无声的对话。通过对这些作品的细致品味，我开始理解，绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是内心世界的表达。这套书让我看到了绘画更深层次的意义，也点燃了我继续探索的激情。我迫不及待地想将书中的理论与实践结合，尝试着模仿大师们的笔触，感受他们创作时的心境。我相信，只要坚持下去，我一定能在绘画的道路上有所成就。

评分☆☆☆☆☆

《向大师学绘画(全3册)》是一套让我重新审视自己创作方式的书籍。我一直以来都对抽象画有着浓厚的兴趣，但总觉得自己的作品显得杂乱无章，缺乏内在的逻辑和统一性。阅读这套书后，我才明白，原来抽象画并非随意涂抹，而是基于艺术家对形式、色彩和情感的深刻理解。书中通过分析不同抽象艺术大师的作品，揭示了他们是如何通过简化、变形、重组等手法，来表达内在的观念和情感。我尤其对其中关于“形式的语言”这一章节印象深刻。它不再是教你如何“画得像”，而是教你如何去理解点、线、面、体等基本形式元素所能传达的意义，以及如何将它们进行有意识的组合和排列。比如，某位大师如何用粗犷的线条和强烈的色彩对比，来表达内心的焦虑与不安；另一位大师又如何用柔和的曲线和和谐的色彩搭配，来营造出宁静与和谐的氛围。这些讲解让我对抽象画有了全新的认识，不再仅仅是视觉的冲击，而是内在思想的表达。此外，书中还深入探讨了不同大师在探索抽象绘画的边界，以及如何通过材料和技法的创新来拓展艺术的可能性。我之前一直害怕尝试新材料和新技法，但通过对大师们勇于创新的了解，我才发现，原来突破界限才能创造出更具生命力的作品。这套书让我看到了抽象艺术的深刻内涵，也激发了我不断探索和实践的热情。我现在绘画时，会更加注重对形式元素的理解和运用，尝试着去表达我内心最真实的想法和感受，并大胆地运用新的材料和技法来丰富我的作品，相信很快就能画出更具思想性和艺术性的抽象作品。

评分☆☆☆☆☆

毫不夸张地说，《向大师学绘画(全3册)》彻底改变了我对色彩的认知。我之前总觉得色彩就是颜料的简单混合，画出来的东西总是不够和谐，缺乏层次感。阅读这套书后，我才明白，色彩不仅仅是视觉上的感受，更是情感的传达和空间的塑造。书中通过分析不同大师的作品，揭示了他们是如何运用色彩来表达情感、烘托气氛，甚至引导观者的视线。我尤其对其中关于“色彩的情感语言”这一章节印象深刻。它不再是枯燥的色轮理论，而是通过讲解不同色彩所能引发的情感共鸣，来指导我如何选择和搭配颜色。比如，某位大师如何用热烈的红色和橙色，来表现激情与活力；另一位大师又如何用宁静的蓝色和绿色，来营造出平和与安详。这些讲解让我对色彩有了全新的认识，不再仅仅是颜料的堆砌，而是具有生命力的语言。此外，书中还深入探讨了不同大师在处理色彩关系，如对比色、邻近色、复调色彩等方面的独到之处。我之前一直觉得色彩搭配很难，但通过对大师作品的细致分析，我才发现，原来关键在于对色彩关系的理解和对色彩心理的把握。这套书让我看到了色彩的无限可能，也激发了我不断探索和尝试的热情。我现在绘画时，会更加注重对色彩的情感投入，尝试着去理解色彩所能传达的情感，并大胆地运用色彩来表达我的想法，相信很快就能画出更具表现力和感染力的作品。

评分☆☆☆☆☆

这是一套让我受益匪浅的书籍，《向大师学绘画(全3册)》给我的绘画学习带来了前所未有的启发。我一直觉得我在绘画上总有一种瓶颈，进步缓慢，即使花费了很多时间练习，也难以达到我理想中的效果。阅读这套书之后，我才意识到，问题可能不在于我的练习不够刻苦，而在于我学习的方法可能存在偏差。书中没有灌输式的教学，而是通过对众多艺术大师的案例分析，让我理解了绘画的本质。我特别喜欢其中关于“透视的奥秘”那一章，以往我对透视的理解停留在简单的消失点原理，而这本书则通过讲解不同时期大师们对透视的创新运用，让我看到了透视的灵活性和表现力。比如，某位大师如何通过夸张的透视，营造出强烈的空间感和戏剧性；另一位大师又如何巧妙地运用多视点透视，来展现画面的丰富性和复杂性。这些讲解让我对透视的理解不再局限于技术层面，而是上升到了艺术表现的层面。此外，书中关于“线条的叙事性”的论述也让我耳目一新。我一直认为线条只是勾勒轮廓的工具，而这本书则通过分析不同大师的线条运用，让我看到了线条所能承载的情感和故事。有的线条粗犷有力，充满生命力；有的线条细腻委婉，如歌如诉；有的线条流畅飘逸，如行云流水。这些不同的线条，都赋予了作品独特的个性和魅力。这套书让我开始审视自己作品中的不足，并尝试着去学习和借鉴大师们的长处。我不再盲目地练习，而是带着目的性去观察、去思考、去实践。我相信，在未来的绘画学习中，这套书将成为我不可或缺的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

老实说，当初买这套《向大师学绘画(全3册)》时，我并没有抱太大的期望，想着大概就是一些陈旧的绘画教程吧。然而，翻开第一页，我就被深深吸引住了。它所讲述的绘画之道，远比我想象的要深刻得多。书中并没有一上来就教你如何握笔、如何调色，而是从更宏观的层面，探讨了艺术家的思维方式和创作哲学。这一点对我来说尤为重要，因为我常常觉得自己的作品缺乏“想法”，只是机械地复制。书中通过剖析不同大师的作品，揭示了他们是如何观察世界、提炼素材、并最终将其转化为艺术的。我尤其对其中关于“光影的魔法”这一章节印象深刻。它不仅仅讲解了如何表现光影的明暗对比，更是深入探讨了光影如何塑造形体、传达情绪，甚至影响画面的整体氛围。通过分析伦勃朗的光影运用，我才真正理解了什么叫做“暗部有层次，亮部有细节”。书中还提到了梵高是如何用色彩来表达内心的激荡，以及莫奈是如何捕捉瞬间的光影变化。这些解读，让我对色彩和光影有了全新的认识，不再仅仅是颜料的混合，而是具有生命力的语言。除此之外，书中还穿插了一些大师的创作手稿和速写，这些珍贵的资料让我得以窥见他们不为人知的创作过程，感受他们最初的想法是如何一步步成形的。这让我明白，即使是伟大的作品，也经历了无数次的尝试和修改。这套书不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于如何思考、如何观察、如何表达的艺术哲学指南。它让我从一个被动的学习者，逐渐转变为一个主动的思考者，开始质疑、探索，并最终找到属于自己的艺术语言。

评分☆☆☆☆☆

《向大师学绘画(全3册)》为我打开了一扇通往绘画艺术更深层面的大门。我一直以来都对古典绘画的严谨和细腻着迷，但总觉得在表现人物的细腻情感方面力不从心。阅读这套书后，我才明白，原来表现情感并非仅仅依靠表情，更在于对人物神态、肢体语言以及光影的整体把握。书中通过深入剖析文艺复兴时期大师们的作品，揭示了他们是如何通过精湛的技巧和敏锐的洞察力，来刻画人物丰富的内心世界。我尤其对其中关于“情感的细微之处”这一章节印象深刻。它不再是简单地描绘人物的五官，而是教我如何去捕捉人物眼神中的微光，如何去表现人物嘴角一丝若有若无的笑容，以及如何通过肢体的细微动作来暗示人物的情绪。比如，某位大师如何通过人物微微低垂的眼帘，来表达内心的忧伤；另一位大师又如何通过人物挺拔的站姿，来展现其坚毅的性格。这些讲解让我对人物的刻画有了全新的认识，不再仅仅是形似，更要追求神似。此外，书中还详细讲解了古典大师们在处理布料纹理、金属光泽等方面的精妙之处。我之前一直觉得这些细节很难画得逼真，但通过对大师作品的细致分析，我才发现，原来关键在于对光影的精准运用和对笔触的细腻控制。这套书让我看到了古典绘画的深邃魅力，也激发了我不断学习和实践的热情。我现在绘画时，会更加注重对人物情感的理解和表达，尝试着去捕捉那些转瞬即逝的神态，并用我最擅长的方式去呈现，相信很快就能画出更具感染力和生命力的人物作品。

评分☆☆☆☆☆

这套《向大师学绘画(全3册)》让我看到了绘画的艺术性和创造性，而不仅仅是技巧的堆砌。我一直以来都觉得自己的作品总是缺乏“灵魂”，只是机械地模仿，没有自己的想法。阅读这套书后，我才意识到，原来绘画更重要的是一种表达，是一种与世界对话的方式。书中通过分析众多大师的创作理念和实践过程，让我理解了艺术家的独特视角和创新精神。我尤其对其中关于“从生活中汲取灵感”这一章节印象深刻。它不再是教你如何画得像，而是教你如何去观察生活，如何去发现身边的美，并将这些感受转化为艺术。比如，某位大师是如何从一片落叶中看到生命的轮回；另一位大师又如何从孩童的嬉戏中捕捉到纯真与快乐。这些讲解让我对生活有了全新的认识，不再仅仅是日复一日的重复，而是充满了艺术的灵感。此外，书中还探讨了不同大师在探索新媒材、新技法方面的勇气和魄力。我之前一直害怕尝试新事物，但通过对大师们大胆创新的了解，我才发现，原来创新才是艺术的生命力所在。这套书让我看到了艺术创作的无限可能，也激发了我不断探索和尝试的热情。我现在绘画时，会更加注重对生活的观察和体验，尝试着去捕捉那些打动我的瞬间，并用我自己的方式去表达，相信很快就能画出更具个性和创造力的作品。

评分☆☆☆☆☆

《向大师学绘画(全3册)》简直就是为我量身定做的！我一直以来都对人体素描有着浓厚的兴趣，但总觉得画出来的人物缺乏生动感，好像一个没有生命的玩偶。阅读这套书后，我才恍然大悟，原来问题出在对人体结构的理解不够深入。书中没有生硬地罗列骨骼肌肉名称，而是通过剖析大师们的经典人体作品，一步步揭示了他们是如何精准地把握人体比例、动态以及肌肉的起伏。我尤其对其中关于“动态的捕捉”这一章节印象深刻。它不再是枯燥的解剖学知识，而是通过分析不同姿态下的人物，讲解如何通过线条的走向、体块的转折来表现人体的力量感和韵律感。例如，某位大师是如何通过身体的S形曲线，来展现人物的优雅与柔美；另一位大师又如何通过肌肉的紧绷与放松，来表现人物的紧张与爆发力。这些讲解让我对人体动态有了全新的认识，不再仅仅是摆个pose，而是要让画面中的人物“动”起来，充满生命力。此外，书中还详细讲解了不同大师在表现肌肤质感、毛发纹理等方面的独到之处。我之前一直觉得这些细节很难把握，但通过对大师作品的细致分析，我才发现，原来关键在于对光影的理解和对笔触的运用。这套书让我看到了人体素描的无限可能，也激发了我不断探索和尝试的热情。我现在绘画时，会更加注重对人体结构的理解，尝试着去捕捉人物的动态和情感，相信很快就能画出更加生动、有灵魂的人物作品。