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高丰 著

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店铺： 文辉博库专营店

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787810836838

商品编码：19767726448

包装：平装

出版时间：2008-01-01

基本信息

书名：中国设计史

：45.00元

作者：高丰

出版社：中国美术学院出版社

出版日期：2008-01-01

ISBN：9787810836838

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.640kg

编辑推荐

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内容提要

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目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一本图书的详细简介，内容完全围绕“中国设计史”之外的领域展开。 --- 《光影雕刻师：二十世纪西方电影摄影技术革新史》 内容提要 本书旨在深入剖析二十世纪西方电影工业发展历程中，摄影技术如何从早期的机械限制中挣脱，一步步演进为表达情感、塑造叙事深度的核心艺术手段。全书聚焦于关键技术里程碑、杰出摄影指导（Cinematographers）的开创性贡献，以及技术变革对电影美学和叙事范式产生的深远影响。我们不讨论东方艺术或传统文化对设计领域的任何影响，而是纯粹聚焦于西方电影工业内部的技术、光学和光影美学演变。 第一部分：机械时代的黎明与胶片的物理极限（1900-1930） 第一章：早期摄影的“手工艺”时代 本章考察电影技术在诞生初期，摄影师如何被胶片感光度、镜头清晰度和照明条件的物理限制所束缚。探讨早期电影画面的“灰暗”与“粗粝”是如何成为一种偶然的美学，而非主动的选择。重点分析卢米埃尔兄弟和乔治·梅里爱对早期摄影机操作的奠基性工作。 第二章：从自然光到人工光的引入 随着电影制作的复杂化，对光线控制的需求日益迫切。本章详细梳理了钨丝灯泡、弧光灯等早期人造光源在影棚中的应用历程。特别关注D.W.格里菲斯时代，摄影指导如何利用多点照明和反射板，初步建立起对场景情绪的引导能力，即便技术手段相对原始。 第三章：默片时代的景深革命 本章深入探讨了福瑟尔的“动态聚焦”（Rack Focus）技术如何被发展为一种叙事工具，而非仅仅是机械操作。分析光学设计在这一时期如何开始追求更大的景深，以适应快速剪辑和复杂场景的调度需求。 第二部分：声音的降临与色彩的觉醒（1930-1950） 第四章：有声电影对摄影构图的冲击 同步声音的出现，极大地改变了摄影机的运动和位置。本章讨论了如何在麦克风技术尚未完善的初期，摄影师如何被迫将摄影机“固定”或置于笨重的隔音箱内，这在初期如何限制了镜头调度，并催生了“对话场景”的固定构图美学。 第五章：三原色分离与特艺彩色（Technicolor）的诞生 这是电影技术史上最具革命性的时期之一。本章详尽解析了三色分离技术的工作原理、其对后期冲印的复杂要求，以及它如何彻底颠覆了黑白时代的阴影美学。重点分析了乔治·库克（George Cukor）等导演与特艺公司合作时，对色彩饱和度和色调的艺术性调校。 第六章：高对比度时代的灯光哲学 随着黑色电影（Film Noir）的兴起，摄影师对光影的运用达到了新的高度。本章集中分析了“低调照明”（Low-Key Lighting）技术，例如蝴蝶光、伦勃朗光在营造心理紧张感方面的应用。探讨摄影指导如查尔斯·罗谢（Charles Rosher）如何利用硬光和强烈的阴影来塑造人物的道德模糊性。 第三部分：宽银幕的扩张与胶片乳剂的飞跃（1950-1970） 第七章：应对电视的挑战：宽银幕格式的军备竞赛 面对电视的威胁，电影工业启动了一场关于“画幅”的竞赛。本章详细对比了CinemaScope、VistaVision和Todd-AO等不同宽银幕系统的光学设计差异、镜头畸变问题，以及它们对广角叙事的推动作用。分析了这种巨大画幅如何迫使摄影师重新思考场景的平衡与空间布局。 第八章：高感光度胶片的登场与纪实风格的渗透 本章关注柯达和富士在乳剂化学方面的突破，高ISO胶片的商业化应用。探讨了高感光度如何解放了摄影机，使得摄影师可以在更少的灯光下拍摄，这直接促进了“现场感”和“自然光模拟”的纪实美学在剧情片中的应用，例如新浪潮电影的早期探索。 第九章：变焦镜头（Zoom Lens）的普及与叙事语汇的拓展 变焦镜头在五十年代末期的普及，标志着镜头运动的解放。本章分析了变焦如何被用于制造不安感、快速聚焦信息点，以及它在视觉上对传统推轨（Dolly）运动的替代和补充，及其对观众心理预期的操纵。 第四部分：运动的解放与数字前夜（1970-2000） 第十章：斯坦尼康（Steadicam）的发明与“漂浮”视角的诞生 本章集中讨论了加勒特·布朗（Garrett Brown）的斯坦尼康系统对摄影机稳定性的革命性突破。分析了其如何首次允许摄影机以平滑、高机动性的方式跟随角色穿越复杂环境，从而创造出前所未有的沉浸式体验。 第十一章：远摄与压缩：长焦镜头的心理学应用 随着镜头制造工艺的进步，专业长焦距镜头被更广泛地应用。本章研究了长焦距如何压缩空间感，增强背景的模糊性（Bokeh），并突出特定前景元素，这成为七十年代末至八十年代动作片和悬疑片中塑造紧张氛围的重要手段。 第十二章：数字成像的先声：早期数字摄影与非线性编辑的融合 本章概述了数字技术的萌芽阶段，讨论了早期数字录制格式（如录像带系统）在专业电影制作中的早期试验。分析了数字时代的早期记录设备如何影响了色彩深度和动态范围的概念，为进入二十一世纪的全面数字化浪潮奠定了基础。本书不探讨任何基于中国文化的设计原则或美学表达。 --- 《光影雕刻师：二十世纪西方电影摄影技术革新史》 作者： [此处留空] 出版社： [此处留空] ISBN： [此处留空]

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大震撼，在于它打破了“古代设计”与“现代设计”之间那道人为设置的鸿沟。我过去总觉得，工业革命之后，一切都变了，但《中国设计史》清晰地展示了，即便是面对新技术和新材料的挑战，那些植根于本土的审美原则依然顽强地保留了下来，并且在不断适应。特别是书中对清末民初，西方设计思潮涌入时，本土设计师如何进行“消化、吸收与再创造”的过程，分析得入木三分。它没有简单地将那个时期定性为“学习期”，而是展现了一场充满张力的文化对话。作者对“尺度感”和“空间哲学”的探讨，也十分深刻，古代建筑中对“人”与“环境”关系的处理，远比我们今天许多强调效率和功能的现代设计要来得温暖和有深度。我发现，很多困扰当代设计师的平衡性、和谐性问题，古人早已通过朴素而高明的经验法则解决了。读完后，我有一种强烈的冲动，想去亲眼看看那些书中所提及的古建筑和老物件，去感受那种历经岁月沉淀的设计力量。

评分☆☆☆☆☆

我是一个从业多年的平面设计师，过去总觉得“中国设计”这个概念在当代语境下有些模糊，要么过于符号化，要么就是对西方现代主义的简单模仿。《中国设计史》的出现，就像一束强光，照亮了我们知识体系中的一个巨大盲区。书中对于“符号系统”的演变分析尤其具有启发性。例如，对“龙凤”纹样在不同朝代功能和寓意上的微妙转移，以及“祥云”、“回纹”等母题如何被抽象化、功能化，最终融入到更复杂的视觉结构中，这为我们当代设计中的图形语言重构提供了无穷的借鉴。更重要的是，它探讨了“文脉”的延续性，即古代设计中的空间组织逻辑、韵律感和留白哲学，是如何潜移默化地影响了我们今天的版式设计、界面设计乃至城市规划的底层逻辑。它不是在“复古”，而是在挖掘一种深层的“设计基因”。读完后，我感觉自己看世界的角度都变了，面对任何一个设计难题，我都会下意识地去追溯其历史渊源，这种“回望过去以求创新”的方法论，对我个人职业发展来说，是无价的财富。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我最初购买这本书是抱着一种“完成任务”的心态，想对中国传统文化有个基本的了解，但阅读过程中的沉浸感远超我的想象。这本书的叙事手法非常具有画面感，与其说是在写历史，不如说是在“重现”一个又一个设计场景。作者对宫廷生活和民间风俗的描摹栩栩如生，让你仿佛能闻到宋代点茶的香气，看到明代服饰在阳光下的光泽。它没有将历史分割成僵硬的模块，而是用一种流畅的、近乎文学的方式，将建筑、陶瓷、纺织、家具等设计门类编织成一张巨大的文化网。比如，书中描述的匠人如何根据一年四季的光照变化来调整窗棂的设计，那种对环境的精微感知和顺应，让人感到震撼。对于非专业读者来说，这本书的友好度极高，它避开了晦涩的专业术语，而是通过讲述“设计背后的故事”来传递知识，比如某个帝王对某种颜色的偏爱如何引发了一场全国性的色彩风潮。这本书极大地拓宽了我对“设计力”的定义，它不仅仅是“如何制作”，更是“如何生活”。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国设计史》简直是为我这种对传统美学和现代设计交织的脉络充满好奇的人量身定做的。我一直觉得，我们日常接触到的很多设计，从瓷器的纹理到园林的布局，背后都藏着深厚的文化积淀，但苦于没有系统性的梳理。《中国设计史》的厉害之处就在于，它没有将设计仅仅视为某种技术或商业活动，而是将其置于宏大的历史和社会语境下去考察。书中对古代的“匠人精神”有着令人耳目一新的解读，不再是简单的重复劳动，而是融入了哲学思辨和对自然秩序的敬畏。尤其让我印象深刻的是，作者如何将不同历史时期的政治经济变动，巧妙地映射到当时的器物造型、色彩偏好乃至空间规划上。比如，汉代的厚重浑朴与唐代的雍容华贵在设计语言上的显著差异，绝非偶然，而是那个时代精神面貌的直观投射。这本书的叙事节奏张弛有度，既有宏观的时代概览，又不乏对具体案例的微观剖析，读起来既有学术的严谨性，又不失引人入胜的故事性，让我对“中国设计”有了更立体、更具纵深感的认识。它真的让我开始重新审视自己周围的一切“设计品”，不再走马观花，而是试图去挖掘其背后那条绵延千年的文化长河。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种厚重的“史”类书籍是有些抵触的，总觉得会充斥着枯燥的年代和人名，但《中国设计史》完全颠覆了我的预期。它更像是一部波澜壮阔的视觉文化编年史。它的切入点非常新颖，没有一上来就谈什么设计理论，而是从“材料的革命”谈起——比如玉石在不同时期的象征意义如何变化，丝绸的织造工艺如何影响了服饰的形态美学，乃至竹木在建筑中的结构智慧。这种由物及人的考察方式，非常接地气。我特别喜欢它对“工匠”与“文人”关系的处理，很多时候，设计成果是这两种身份互相渗透、互相影响的结果。书里对宋代文人审美如何渗透到家具和案头清玩的细节中，描述得极其精妙，那种内敛、洗练、追求“不着痕迹”的境界，仅仅通过文字和图片就能让人感受到扑面而来的那种高级感。这本书的插图和图例选择也极其考究，不是那种常见的教科书式翻拍，而是精选了一些罕见或具有代表性的文物细节，极大地提升了阅读的体验和对知识点的理解深度。它让我意识到，我们今天所追求的极简、自然，其实古人早已在实践中达到了相当的高度。