【后浪直营】美国电影美国文化（插图第4版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 约翰·贝尔顿（John Belton） 著，米静 马梦妮 王琼 译

图书标签:

• 美国电影
• 美国文化
• 电影史
• 文化研究
• 社会文化
• 后浪
• 插图版
• 第四版
• 教材
• 美国

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 四川人民出版社

ISBN：9787220103995

商品编码：26873528840

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

出版时间：2018-05-31

用纸：轻型纸

页数：424

字数：380000

正文语种：中文

编辑推荐

这本书懂电影，更懂历史。

无需电影史、理论和美学等专业知识，不必像看传统电影史一样拼命硬记影人、片名，这本通识经典会用你熟悉的视角——文化，把脑海中一部部零碎的类型片黏合成一片完整清晰的影史地图，帮你轻松建立美国电影史的知识框架！

▲打破线性叙述传统，多主题、多角度审视好莱坞制作模式与大众文化的关系

▲定位具体时期，回顾类型片如何呈现美国大众的身份认同危机和精神矛盾

▲紧贴历史语境，剖析社会转型、技术革新、政治文化问题对电影题材、风格的重塑

▲百余幅剧照及历史照片，全方位展示美国电影与美国大众文化百年变迁

▲第4版新增《社交网络》《大地惊雷》《阿凡达》等奥斯卡获奖影片片例分析

◎独特学术视角 定位类型片的政治文化价值充满现代感的“新历史主义”写作视角，紧扣电影本体论和文化研究，展现美国电影如何编织美国梦、帮大众渡过艰难时期！

◎列举450部电影 各种类型影片一网打尽 情节剧、歌舞片、喜剧片、战争片、西部片、科幻片、黑色电影……每种类型片有自己的专属章节。每章结尾附有丰厚片单！

◎古根海姆奖学者二十多年来修订、校正的心血  罗格斯大学电影课程教授约翰?贝尔顿自1994年来持续关注新影片、新文化现象，一手把握美国大众文化脉搏。

◎百余幅剧照和历史照片不仅重温经典影片场面，还能一窥冷战时期、嬉皮士反文化运动时期的真实社会画面！

◎第4版新增“恐怖电影与科幻电影”一章  类型片部分增加全新的章节，更全面折射美国大众不同时期的心理症结。

◎好莱坞与电视：先交战，再言和！20世纪50年代，观影人数变少的根本原因竟是“民众有钱了”？！电影用巨幕和3D技术宣战，电视产业则用DVD和宽银幕降服好莱坞！

◎信息时代的电影大盘点为了抓住新一代影迷的幻想，好莱坞大拍游戏逻辑、布尔逻辑电影和奇幻电影，数字3D技术成为东风。

◎重要词汇表解决术语难题简洁易懂的中英对照词汇，让介绍性电影史也有扎实的学术基础。

内容简介

       本书立足于文化研究、新历史主义等当代方法论，革新电影史书写方式，把电影作为一种美学、技术、经济、社会机制来描绘，介绍美国电影与文化互相塑造的历史，是美国公共电视台《美国电影》系列节目的配套读物。作者主要论及制作模式、类型和类型体系、美国“二战”后的历史三大部分：首先，梳理了经典好莱坞叙事、风格和制片厂制度；其次，介绍了类型片的美学特色，及其作为一种经济、文化现象如何体现美国民众的身份认同危机；后，以电视普及、冷战、嬉皮士反文化运动、3D 技术等关键词为主题，揭示经济变革、政治事件、科技发展对类型叙事的影响。
      此次新版特别扩充了口碑或票房斩获佳绩的影片范例，如《社交网络》《大地惊雷》《拆弹部队》《阿凡达》《宿醉》，关注游戏叙事、后续市场等新概念，呈现更贴近当下的电影科技潮流和大众文化热点，帮助读者洞悉隐匿其后的美国社会心理。

作者简介

约翰·贝尔顿（John Belton），在罗格斯大学教授电影和英文课程，并担任学术期刊《电影史》（Film History）副主编，主攻美国电影史、文化与电影研究、经典电影理论研究。曾获2005—2006 年度古根海姆学者奖、美国电影艺术与科学学院“学术电影学者”称号，曾任美国电影与电视工程师协会的档案文献和历史委员会主席。著有《宽银幕电影》《电影风格家》等书，其中《宽银幕电影》获1993 年克劳斯瑙—克劳斯图书奖；编有《阿尔弗雷德?希区柯克的< 后窗>》《电影与大众文化》等书。

简目

自 序 

导 论 

第一部分 制作模式

第1章 电影作为一种机制的出现 

第2章 经典好莱坞电影：叙事 

第3章 经典好莱坞电影：风格

第4章 制片厂体制 

第5章 明星制度 

第二部分 类型和类型体系

第6章 默片情节剧 

第7章 歌舞片 

第8章 美国喜剧 

第9章 战争和电影 

第10章 黑色电影：黑夜下的某个地方

第11章 制造西部片 

第12章 恐怖电影和科幻电影 

第三部分 战后历史

第13章 好莱坞与冷战 

第14章 电视时代的好莱坞 

第15章 20世纪60年代：反文化的回击

第16章 电影学院派一代 

第17章 进入21世纪 

重要词汇 

译 后 记 

出版后记 

《光影与历史的交织：解析美国电影的文化脉络》 一、 电影作为时代的镜子：从默片时代到新好莱坞的嬗变 本书深入剖析了美国电影自诞生之初，如何作为一面映照社会变迁的镜子，细腻捕捉并深刻影响了美国文化的面貌。 早期的默片时代，电影工业的雏形便已展现出其强大的叙事潜力。我们首先将目光投向那些无声的传奇，探究如D.W.格里菲斯等先驱者如何奠定电影的语言基础。那时的好莱坞，还未完全形成我们今天所熟知的体制，但其对“美国梦”的初步构建——关于乐观、奋斗与新生活的描绘——已悄然埋下伏笔。 随着有声电影的出现，电影的表达力获得了质的飞跃。二十世纪三十年代的大萧条时期，电影成为了民众逃避现实的避难所，也是国家精神的重塑地。本卷详尽分析了“黄金时代”的类型片：西部片中对边疆精神和个人英雄主义的张扬；歌舞片中对繁荣景象的浪漫化处理；以及黑色电影中潜藏的对社会阴暗面的隐晦揭示。我们考察了弗兰克·卡普拉式的乐观主义如何成为战前美国精神的主旋律，以及制片厂制度如何像流水线一样高效地生产着大众文化产品。 二战及战后初期，美国电影的议题开始转向更为宏大和复杂的层面。本部分着重探讨了冷战阴影下，电影如何被用来宣传意识形态，以及同时期，一些富有远见的导演如何开始挑战审查制度，将对社会异化的焦虑植入到惊悚片和科幻片中。例如，对核恐惧的描绘，或是对郊区化生活背后空虚感的探索，都预示着一场文化上的反叛即将来临。 真正的颠覆发生在六十年代末至七十年代初的“新好莱坞”时期。这是一场由电影学院培养出的、深受欧洲艺术电影影响的导演们发起的革命。从科波拉、斯科塞斯到斯皮尔伯格和卢卡斯，他们不再满足于遵循既有的好莱坞叙事规范。本章细致梳理了这一时期作品中对权威的质疑、对越战创伤的反思、对种族议题的深入挖掘，以及对传统英雄形象的解构。这些影片不仅重塑了电影的艺术形态，更直接参与了对美国社会价值体系的辩论。 二、 主题的深度解码：身份、边界与“美国梦”的修正 美国电影的魅力，很大程度上源于其对核心文化主题的反复探讨与修正。本书将这些主题结构化，进行多角度的解读。 1. 种族与多元文化的呈现： 我们追踪了少数族裔（非裔、拉丁裔、亚裔）在美国电影中形象的演变历程。从早期刻板化的配角，到民权运动后争取正面、复杂角色的过程，再到当代电影中对身份政治的探讨。本部分重点分析了主流文化如何逐渐接纳，或者仍旧排斥不同的声音，并探讨了例如“黑人电影”（Blaxploitation）的兴起及其复杂遗产。 2. 性别与家庭的重塑： 电影对女性角色的刻画经历了从“好妻子/贤内助”到“蛇蝎美人”，再到独立、多维职业女性的转变。通过分析特定时代背景下的家庭伦理剧和浪漫喜剧，我们揭示了好莱坞如何反映并塑造了美国社会对婚姻、母职与女性解放的认知变化。特别关注了八十年代以来，女性导演在主流叙事中争取话语权的历史节点。 3. 边疆精神与城市迷思： 西部片不仅仅是关于马匹和牛仔的动作片，它是美国“向西拓展”集体意识形态的象征。本书考察了西部片中“文明”与“蛮荒”的张力，以及随着美国社会重心从西部转向城市，电影主题如何从广阔的荒野转向拥挤、疏离的都市空间。现代城市惊悚片和犯罪片，正是对“美国梦”在高度工业化和异化社会中破灭的深刻反思。 4. 科技进步与末世焦虑： 科幻电影常常是美国社会对未来不确定性的集体投射。从对原子弹的恐惧到对信息时代的担忧，科幻片不仅展示了奇观，更预示了我们对技术失控、环境破坏以及人工智能可能带来的伦理困境的集体潜意识反应。 三、 工业的运作逻辑与全球化影响 除了内容分析，本书也详尽考察了好莱坞作为一种全球性工业的运作模式。 1. 明星制与类型工业的巩固： 探究了“明星制”如何作为一种营销策略，跨越几代人持续运作。同时，分析了类型片（如超级英雄片、灾难片）在进入二十一世纪后，如何与跨媒体特许经营（Franchise）的概念结合，成为稳定盈利的商业模式。 2. 审查制度与抵制文化的博弈： 从早期的海斯法典（Hays Code）到当代对政治正确的敏感性，电影制作始终在艺术表达自由与社会保守力量之间寻求平衡。我们梳理了审查制度的演变，以及电影如何通过隐喻和符号化处理来绕过限制，传递敏感信息。 3. 跨文化传播与文化帝国主义的辩论： 好莱坞电影的全球发行不仅是商业行为，也是文化输出。本书讨论了美国电影如何在世界范围内传播其价值观、审美标准和生活方式，并探讨了关于“文化帝国主义”的持续争论，以及非好莱坞电影工业（如欧洲、亚洲电影）对好莱坞模式的反思与挑战。 四、 视觉叙事与技术革新 电影不仅是故事，更是视觉的艺术。本部分侧重于电影技术如何服务于叙事和美学追求。从早期对光影的运用，到宽银幕时代的来临，再到CGI（电脑生成图像）技术的普及对叙事边界的拓宽。我们将分析关键导演在摄影、剪辑和声音设计上的创新，以及这些技术变革如何深刻地影响了观众的体验和对现实的感知。例如，探讨了马丁·斯科塞斯在剪辑中对节奏的把控，以及斯坦利·库布里克在空间调度上的极致追求，是如何定义了特定时代的电影美学。 通过对上述诸多方面的细致梳理与深入分析，本书旨在提供一个多维度、富有批判性的视角，使读者能够超越单纯的娱乐消费，理解美国电影在全球文化版图中占据的核心地位及其复杂的文化意涵。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书拿到手上，沉甸甸的，光是看着那密密麻麻的目录和大量的插图，就让人对美国文化有了初步的敬畏感。我本来是抱着随便翻翻的心态，想了解一些好莱坞的幕后花絮，没想到这本书的深度和广度完全超出了我的预期。它不是那种肤浅的“爆米花”读物，而是真正致力于剖析美国电影背后的社会土壤和文化基因。我特别喜欢它对不同年代电影流派的梳理，从早期的默片时代到新好莱坞的叛逆，再到后来的商业大片时代，作者似乎用一种近乎人类学家的严谨态度，把那些光影魔术背后的意识形态、种族议题、性别观念都给扒拉得清清楚楚。读完关于西部片那一部分，我差点就想立刻重温一遍《搜寻者》，但这次我会带着一种全新的、审视的眼光去看待那些所谓的“美国英雄”。书中那些对经典台词的解析和对导演风格的对比，简直就像是为我私人定制的电影赏析课，让我原本模糊的观影体验变得清晰而有层次感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对“插图第4版”这个宣传语有点不以为然，觉得无非是加了几张模糊的剧照凑数。结果，我大错特错。这里的插图绝非点缀，它们是理解文本的钥匙。每一张剧照、每一份海报、甚至是那些看似不起眼的电影宣传材料的截取，都承载着特定的历史信息和审美指向。比如，书中有一处对比了五十年代和七十年代的家庭场景布置，光是家具和色彩的差异，就能立刻勾勒出美国社会心理的巨大变迁。我花了一个下午的时间，单纯对着那些黑白剧照发呆，想象着当时观众看到这些画面时的反应。作者在配图上的考究程度，体现了一种对“视觉文化”的尊重。这不像某些为了充实篇幅而堆砌的图册，这里的每一张图片都像是精心挑选的物证，有力地支撑着作者关于文化演变的论点。阅读体验因此变得非常立体，不再是枯燥的文字灌输，更像是一场跨越时空的视觉考古。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对文化史有强烈兴趣，但又常常被学院派术语吓退的普通读者。这本书的叙事风格对我来说简直是及时雨。它的文字流畅自然，即使在讨论一些复杂的文化理论，比如身份政治或者媒介批判时，也能用非常直白且富有洞察力的方式来阐述，绝不故作高深。我记得有一章在分析纪录片如何构建“真实”的叙事时，作者举了一个非常生活化的例子，让我瞬间领悟了那种理论上的微妙之处。读这本书的过程，与其说是学习，不如说是和一位博学的、风趣的朋友进行深入的对谈。它没有强迫你接受任何单一的观点，而是抛出各种视角，鼓励读者自己去形成判断。这种开放的态度，让我在阅读时始终保持着高度的参与感和思考的乐趣，而不是被动地接受“标准答案”。

评分☆☆☆☆☆

我通常不喜欢在阅读学术性较强的书籍时做笔记，因为那样会打断阅读的流畅性。但对于这本书，我忍不住频繁地在空白处做下批注，甚至多次停下来，去查阅作者提到的那些背景资料，比如某个法案的通过时间，或者某个社会运动的具体细节。这种“求知欲的连锁反应”正是衡量一本好书的重要标准。它就像是撒下了一串诱人的面包屑，引导着读者沿着知识的链条不断向前探索。特别是书中对少数族裔电影人以及独立电影运动的详尽介绍，拓宽了我对“美国电影”边界的认知。我原以为美国电影就是主流大片，但这本书展现了一个更加多元、更具张力、充满内部矛盾的电影世界。它不只是介绍“看什么”，更教会了我“怎么看”，这种思维方式的提升，是我收获的最大财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“美国文化”视角，给我带来了极大的冲击，因为它绝非只谈艺术成就。它大胆地将电影工业与美国的政治、经济体制紧密地捆绑在一起讨论。我尤其对其中关于“审查制度”和“全球化扩张”的章节印象深刻。它不再把好莱坞描绘成一个纯粹的造梦工厂，而是细致地剖析了它如何作为一种软实力工具，在全球范围内推销特定的美国价值观和消费模式。这种批判性的审视，让我对许多从小看到大的经典影片产生了全新的认识——那些光鲜亮丽的背后，隐藏着多么复杂的权力运作和文化输出策略。这种穿透力，让这本书的价值远超了一般的电影评论集，它俨然成了一本解读当代美国社会脉络的侧写手册。