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• 素描
• 绘画
• 人体写生
• 模特
• 艺术
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• 结构
• 造型
• 绘画素材
• 临摹

店铺： 阳光瑞盛图书专营店

出版社： 山东美术出版社

ISBN：9787533017989

商品编码：27520347164

丛书名： 人体与写生--素描

出版时间：2010-09-01

基本信息

书名:与写生：速写

定价：48.00元

作者:韩玮

出版社：山东美术出版社

出版日期：2003-08-01

ISBN：9787533017972

字数：

页码：46

版次：1

装帧：平装

开本：8开

内容提要

《与写生：速写》试图从绘画的角度，利用为写生提供一种参照，并由专业教师为学习者作了写生示范与写生要领介绍。虽然作品无论多么出色，对美术专业的写生训练而言都不可能与能够直接传达生命信息，活力四射的真相比，但绘画毕竟是一种强调理解的创造性劳动。在理解的基础上，学习者如果能够运用绘画中对物象观察的空间意识来认识，把握本书的作品，应该说这是一本很实用的集子。这也是本书从模特的动态、物象的布置、视解与布光、构图与空间都带有明确目的的原因所在。

应该指出的是，从模特到一件写生作品的完成，美术语言的表达是因而异的，而且不同的画家对美的认识与感悟与不尽相同。本书虽然在模特的选择与态的变化等方面与一般性的物品有着明显的区别，但不可能适应所有的学习者。

《形色之间：解构与重塑的视觉艺术之旅》 这是一本关于视觉艺术探索的书籍，它将带领读者深入理解造型艺术的本质，并提供一种全新的视角来审视和创作。本书并非简单的技巧罗列，而是旨在构建一个能够触类旁通的知识体系，让读者在掌握基础的同时，更能领悟艺术创作的深层逻辑。 第一部分：素描的基石——形的感知与表达 在这一部分，我们将从最基础的素描入手，但并非停留在“画得像”的层面。我们关注的是“形”的感知与表达。 视觉语言的解码： 图像是如何传递信息的？线条、明暗、轮廓、体积，这些构成素描基本元素的背后，蕴含着怎样的视觉语言？我们将探讨艺术家如何运用这些元素来构建空间、塑造形体、传达情感。这不是教你如何去临摹，而是教你如何去“看”。通过对经典作品的案例分析，我们会拆解大师们是如何通过精准的线条和微妙的明暗变化，赋予画面生命力的。例如，伦勃朗的光影运用，如何营造出人物的内心世界；安格尔的线条，如何精确地勾勒出人体优雅的曲线。 形态的结构与逻辑： 任何物体，无论是自然形态还是人造形态，都遵循着内在的结构逻辑。我们并非仅仅观察物体的外在轮廓，而是要去理解其内部的骨骼、肌肉、生长规律。本书将深入剖析人体、静物、建筑等不同对象的核心结构，以及这些结构如何影响其在二维平面上的呈现。我们会探讨透视的基本原理，但更重要的是理解它如何服务于造型，如何创造出逼真的空间感和立体感。对于人物造型，我们会从骨骼结构、肌肉走向出发，分析不同姿态下的形体变化，帮助读者建立起扎实的造型基础。 从观察到表现： “写生”不仅仅是简单地复制眼前的事物，它更是一个主动观察、分析、提炼和再创造的过程。本书将引导读者掌握高效的写生方法，如何在有限的时间内捕捉对象的关键特征，如何在速写中抓住动态的本质，如何在精确的素描中表现出对象的质感和体积。我们会讨论不同媒介（铅笔、炭笔、钢笔等）的特性，以及如何运用它们来丰富表现力。例如，如何用炭笔粗犷的线条表现出雕塑的厚重感，如何用细密的铅笔线条刻画出布料的细腻纹理。 第二部分：色彩的魔术——黑白与彩色的对话 当素描的“形”被牢牢掌握，我们便开始探索“色”的奥秘。本书将特别关注色彩在视觉艺术中的作用，并探讨黑白与彩色之间的辩证关系。 黑白世界的逻辑： 在许多艺术表现中，色彩并非必需。黑白灰的微妙变化，同样能够传递丰富的视觉信息和情感。本书将深入解析黑白照片和黑白绘画中的明暗关系、对比度、影调层次。我们将探讨如何在没有色彩的情况下，依然能够有效地塑造体积、表现质感、营造氛围。这对于理解色彩的构成原理至关重要，因为它能够帮助我们剥离色彩的干扰，专注于光影本身的力量。我们会分析黑白摄影大师的作品，如安塞尔·亚当斯如何在黑白影调中捕捉到自然的壮丽，以及一些经典黑白漫画如何用线条和灰度创造出引人入胜的故事。 色彩的语言与心理： 色彩并非简单的颜料堆砌，它承载着丰富的文化内涵和心理暗示。本书将探讨色彩的基本原理，如色相、饱和度、明度，以及它们之间的相互关系。更重要的是，我们将深入研究色彩的心理效应，不同颜色组合如何影响观者的情绪和感知。我们将分析色彩在不同艺术流派中的运用，如印象派如何捕捉光线下的瞬间色彩，表现主义如何运用大胆的色彩来抒发情感。 从彩色到黑白，从黑白到彩色： 本书将提供一种独特的视角，即如何在理解黑白灰的造型语言后，再去理解色彩是如何在这个基础上进行丰富和升华的。反之，我们也会探讨如何从彩色的世界中提取出有价值的黑白影调，如何进行色彩的简化和提炼。这种“形色转换”的训练，能够极大地提升读者的色彩感知能力和造型表现力。例如，我们可以分析一张复杂的彩色照片，并尝试用素描的方式将其中的光影关系提炼出来；反之，我们可以分析一幅黑白画作，并设想如果添加色彩，会是怎样的效果，又会带来何种不同的感受。 第三部分：动态的艺术——速写、雕塑与绘画的关联 艺术的生命力在于其动态性和空间感。本书将拓展读者的视野，将素描和色彩的知识延伸到更广阔的艺术领域。 速写：捕捉瞬间的灵魂： 速写是训练观察力、反应力和造型能力最直接有效的方式。本书将探讨速写不仅仅是快速的线条，更是对对象运动轨迹、情绪状态、空间关系的快速捕捉。我们将提供多种速写方法，从人物速写到场景速写，从动态速写到结构速写，帮助读者在短时间内抓住对象的本质特征，并将其转化为生动的画面。我们会分析不同速写风格的魅力，如埃贡·席勒笔下人物的扭曲与张力，以及如何从速写中提炼出绘画的创意。 雕塑的体积感与三维思考： 雕塑是三维空间的艺术，它直接关乎体积、空间和造型的构成。本书将探讨如何从二维的素描视角，去理解和构建三维的雕塑形态。我们会分析雕塑作品中的结构、比例、动态，以及艺术家如何运用材料来表现不同的质感和情绪。即使读者不直接进行雕塑创作，理解雕塑的造型逻辑，也能极大地增强对物体体积和空间关系的认知，从而反哺绘画创作。例如，我们可以分析米开朗琪罗的大卫像，理解其人体结构的严谨和肌肉的张力，然后思考如何将这种理解转化为二维的素描画面。 绘画的综合表现——结构、造型与意境的融合： 绘画是将二维平面转化为三维幻觉的艺术。本书将强调，优秀的绘画作品是结构、造型、色彩、笔触以及艺术家情感表达的综合体现。我们将探讨如何运用前面学到的素描和色彩知识，来构建更具表现力的画面。这包括如何安排画面构图，如何利用光影塑造形体，如何运用色彩渲染情绪，以及如何通过笔触来传递艺术家的情感。我们会分析不同绘画大师的创作思路，看他们是如何将结构、造型、色彩等元素融会贯通，最终创作出震撼人心的作品。 本书的特色与价值： 强调“理解”而非“模仿”： 本书的核心在于帮助读者建立一套独立思考和解决问题的能力，而非死记硬背的技巧。我们鼓励读者去探索、去尝试、去形成自己的艺术语言。 融会贯通的知识体系： 本书将素描、色彩、速写、雕塑等不同艺术形式的知识相互关联，构建一个完整的视觉艺术学习框架，使读者能够触类旁通，举一反三。 丰富的案例与分析： 通过对大量经典艺术作品的深入剖析，本书为读者提供了宝贵的学习范本，并引导读者从更深层次理解艺术的魅力。 面向未来的艺术探索： 在数字艺术日益发展的今天，本书所强调的扎实的造型基础和对艺术本质的理解，将是任何形式创作的基石。它将帮助读者更好地适应不断变化的艺术媒介，并创作出更具深度和价值的作品。 《形色之间：解构与重塑的视觉艺术之旅》旨在为每一位对视觉艺术充满热情的人提供一份深度探索的指南。它不仅仅是一本教材，更是一次引导读者深入理解艺术世界，发掘自身创造潜能的旅程。通过本书，你将学会如何“看”得更深入，“想”得更透彻，并最终“画”出属于你自己的独特风景。

评分☆☆☆☆☆

这本书在色彩与光影的处理上，展现了一种非常成熟的、偏向学院派的严谨态度。虽然书名中提到了“彩色黑白照”，但它所呈现的素描光影关系，其丰富程度完全不亚于复杂的油画作品。我尤其欣赏作者对于高光、中间调和暗部过渡的处理技巧，那些细腻的排线和擦拭技法，清晰地展示了如何通过不同的笔触密度来模拟材质的粗糙或光滑。当我对照书中的范例，用铅笔尝试模仿同一束光照在不同曲面上时的微妙变化时，我明显感觉到自己对“体积感”的理解上升到了一个新的高度。这不仅仅是技术层面的展示，更是一种审美训练，它教导我们如何透过表面的信息，去捕捉和表达物体深层的物质属性。对于那些希望提高写实功底的绘画者来说，这部分内容简直就是一份不可多得的实战指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑和内容的组织方式，体现了极强的逻辑性和循序渐进的教学理念。它不像市面上很多画集那样只是炫技，而是非常注重基础的打磨。从最初的几何形体结构练习，到逐步过渡到复杂的人体解剖速写，再到最终的艺术化处理，每一步都有明确的指向性。我个人认为，对于那些想系统性地重塑自己绘画基础的进阶爱好者来说，这本书的价值远超其定价。它不像某些速成书籍那样承诺立竿见影的效果，而是脚踏实地地引导读者建立起一套稳固的观察和表达体系。书中的一些“反面教材”的对比分析也非常有启发性，它坦诚地展示了常见错误在哪里，以及如何通过修正来达到更理想的效果，这种坦率的态度让人倍感亲切和信任。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这类素材集持保留态度，总觉得它们更像是工具箱而不是艺术导师。然而，这本书在“素材”的呈现上，却充满了艺术性。它所提供的那些高清的人物结构图和动态捕捉，绝非简单的照片翻拍，而是经过了艺术家提炼和概括的精华。这些素材的价值在于，它们为我们提供了一个极好的临摹对象，让我们可以在不依赖真人模特的情况下，反复揣摩人体结构在不同运动状态下的力与美。我将其中几张经典的侧面剪影临摹了下来，发现即便是最简单的轮廓线，也能通过精准的结构把握，传达出强烈的运动节奏感。这让我对“艺术”与“素材”之间的关系有了新的思考：真正的素材是经过思考的、被提炼过的视觉信息，而这本书正是提供了一座这样的信息宝库，值得我们反复品味和消化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，尤其是封面的那种质感，拿在手里沉甸甸的，完全能感受到出版方的用心。内页的纸张选择也相当考究，即便是面对大量的线条和灰度表现，也丝毫没有油墨渗透的烦恼，非常适合反复翻阅和在上面做笔记。我特别喜欢它在排版上的留白处理，既不会让人觉得画面拥挤，又能让每一幅“作品”都有足够的呼吸空间去展现其内在的张力。那种从古典到现代，从严谨结构到自由笔触的过渡，处理得非常流畅自然，仿佛作者在引导读者进行一场视觉上的漫游。特别是那些关于光影层次的解析部分，即便是初学者也能通过清晰的图例和简洁的文字说明，迅速掌握如何用简单的线条勾勒出复杂物体的体积感，这对于我这种长期在平面设计和基础绘画之间徘徊的人来说，无疑是一盏指路明灯。整体而言，这本书从硬件到软件的每一个细节，都透露出一种对艺术学习者体验的尊重和细致的考量。

评分☆☆☆☆☆

我花了好几天时间仔细研读了其中关于人体动态速写的章节，感触最深的是作者对于“瞬间性”捕捉的强调。很多速写集只是简单地罗列图片，但这本书却穿插了大量的解构分析图，它不仅仅展示了最终的成品，更像是把“雕刻”这个动作本身拆解成了无数个可观察的步骤。比如说，对于模特不同坐姿和站姿下重力线的追踪，作者的标注极其精准，让人明白结构是如何在看似放松的状态下依然保持平衡的。我尝试着模仿书中的一些简化线条练习，发现原本总是僵硬的身体比例，在运用了这些基于结构透视的简化方法后，瞬间就变得生动起来，仿佛有了内在的生命力。这套方法的精妙之处在于，它打破了死记硬背肌肉名称的传统窠臼，转而从力学和几何学的角度去理解形体，这无疑是拓宽了我的绘画思维边界，让我意识到绘画的本质是理解世界的三维结构。