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• 陕西旅游出版社

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出版社： 陕西旅游出版社

ISBN：9787541817342

商品编码：28965852689

出版时间：2005-01-01

《西方音乐史概览：从古希腊到20世纪》 第一部分：古代与中世纪的音乐遗产 第一章：西方音乐的摇篮——古希腊的音乐理论与实践 本章将深入探讨西方音乐理论的源头——古希腊。我们将详细介绍毕达哥拉斯及其学派对音高和音程的数学化理解，以及他们如何奠定西方和声与调性的早期基础。古希腊的音乐（Mousikē）不仅仅是听觉艺术，更是与哲学、伦理紧密结合的“心灵的科学”。我们将分析柏拉图和亚里士多德在《理想国》等著作中对不同“调式”（Modes）的道德影响的论述。此外，本章还会考察古希腊乐器，如里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯（Aulos）的结构及其在戏剧和宗教仪式中的作用。通过对留存下来的古代文献和铭文的研究，我们力求重构这一时期音乐实践的样貌，尽管实物乐谱的缺失使我们只能依赖理论推测。 第二章：早期基督教音乐的兴起与格里高利圣咏的规范化 随着罗马帝国的衰落和基督教的兴起，音乐的中心逐渐从世俗转向宗教。本章聚焦于早期基督教音乐的发展，特别是格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成。我们将追溯教皇格里高利一世（大教皇）在统一和整理罗马圣咏中的传说与历史事实，并详细阐述圣咏的音乐特征：单音性、无固定节拍、基于拉丁文文本的自由节奏以及特定的“调式”（Ecclesiastical Modes）。本章将剖析纽姆记谱法（Neumes）的出现，这种早期的记谱方式如何逐步演变为指示音高的精确系统，为后世记谱法的诞生铺平了道路。此外，也会涉及拜占庭音乐和莫萨拉比克圣咏等其他早期基督教音乐传统的比较研究。 第三章：中世纪的音乐复调与世俗之声 中世纪（约公元900年至1450年）是西方音乐史上复调（Polyphony）诞生的关键时期。本章将首先介绍早期的复调形式，如奥尔加农（Organum），并在巴黎圣母院乐派（Notre Dame School，包括列奥南和佩罗坦）的音乐中，观察平行复调向自由复调的过渡。我们将详细分析“奥尔加农的规则”和节奏模式（Rhythmic Modes）的建立，这些模式为早期有组织的节奏提供了框架。随后，我们将转向世俗音乐，重点介绍游吟诗人（Troubadours，主要在法国南部）和游吟歌者（Trouvères）的作品，他们以法语创作的爱情诗歌和叙事歌曲，为后来的艺术歌曲奠定了基础。同时，德意志地区的“歌者”（Minnesänger）及其音乐主题也将被纳入讨论范围。 第二部分：文艺复兴的和谐与巴洛克的辉煌 第四章：文艺复兴音乐的人文主义精神与技术成熟 文艺复兴（约1450年至1600年）的音乐深受人文主义思潮的影响，追求清晰、平衡与对文本的忠实表达。本章将探讨早期复调技术（如“固定对位”）的完善，特别是以约斯坎·德普雷为代表的“法兰克-佛兰德斯乐派”如何将模仿手法运用得炉火纯青。我们将细致分析弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）的结构，以及世俗音乐体裁——牧歌（Madrigal）在意大利的兴起及其对情感表达的强调。记谱法也在此期间趋于稳定，五线谱系统开始确立。本章还将对比意大利、法兰克学派以及英国圣歌（Anthem）的地域性差异。 第五章：巴洛克早期：歌剧的诞生与音乐的戏剧化 巴洛克时期（约1600年至1750年）以其强烈的情感对比、装饰性的旋律和“巴洛克式”的宏大结构而著称。本章的重点是17世纪初意大利佛罗伦萨“歌剧的诞生”。我们将分析卡梅拉塔小组（Florentine Camerata）如何试图复兴古希腊悲剧的理念，进而催生出宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的区分。克劳迪奥·蒙特威尔第的早期歌剧，如《奥尔费奥》，标志着这一新体裁的成熟。此外，本章还将探讨“巴洛克风格的要素”，如通奏低音（Basso Continuo）的普遍应用，以及大调/小调体系（Tonal System）的确立如何取代了中世纪的调式系统。 第六章：巴洛克晚期的高峰：风格的集大成者 本章深入剖析巴洛克音乐的鼎盛时期，主要围绕两位巨匠——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫和格奥尔格·弗里德里希·亨德尔展开。我们将分析巴赫在对位法（特别是赋格，Fugue）上的无与伦比的成就，通过《平均律键盘曲集》探讨调性体系的彻底确立。同时，也会考察亨德尔在英格兰创作的清唱剧（Oratorio），如《弥赛亚》，以及其在协奏曲（Concerto Grosso）和歌剧中的贡献。器乐方面，本章将详细描述小提琴协奏曲和组曲（Suite）的发展，以及管风琴音乐的辉煌成就，为巴洛克时代的音乐实践做一个全面总结。 第三部分：古典主义的秩序与浪漫主义的激情 第七章：古典主义的清晰与平衡：奏鸣曲式的确立 古典主义时期（约1750年至1820年）追求清晰、对称的结构和清晰的旋律线，这是对巴洛克复杂性的反思。本章将重点解析“奏鸣曲式”（Sonata Form）的结构——呈示部、发展部和再现部——及其在交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏中的核心地位。我们将探讨“维也纳古典乐派”的三位代表人物：海顿（交响曲之父）、莫扎特（歌剧与协奏曲的大师）以及贝多芬早中期作品中结构与旋律的完美结合。本章还将介绍钢琴作为主导乐器的崛起，以及管弦乐队编制的标准化过程。 第八章：贝多芬的革命与浪漫主义的黎明 路德维希·凡·贝多芬的作品是古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。本章将分析其晚期作品（如第九交响曲）中打破传统界限的尝试，包括对调性冲突的深入挖掘和对个人情感的空前表达。随后，我们将进入浪漫主义时期（约1820年至1910年），探索音乐如何更加紧密地服务于文学和想象力的表达。舒伯特、舒曼、肖邦和李斯特等作曲家如何通过艺术歌曲（Lied）、钢琴独奏曲和富有叙事性的“特性小品”（Character Pieces）来描绘内心世界。 第九章：19世纪的民族主义、大型化与“乐思”的运用 浪漫主义后期的特征是音乐体裁的进一步扩大和民族身份的强调。本章将讨论瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，特别是在其主导动机（Leitmotif）系统和和声语言上的激进创新。同时，本章也将考察俄罗斯的“强力集团”、捷克的德沃夏克以及挪威的格里格等民族乐派的兴起，他们如何从民间音乐中汲取灵感来构建独特的国家音乐风格。此外，我们将分析勃拉姆斯等作曲家在继承古典传统的同时，如何注入深刻的浪漫主义情感。 第四部分：20世纪的多元探索与音乐的未来 第十章：现代主义的冲击：调性瓦解与印象主义的色彩 进入20世纪，西方音乐面临着前所未有的变革。本章首先考察德彪西和拉威尔的印象主义，他们如何通过模糊的和声、全音阶和五声音阶，创造出瞬间的听觉“色彩”。随后，我们将分析勋伯格、贝尔格和韦恩贝格开创的第二维也纳乐派，特别是无调性（Atonality）的尝试，以及十二音体系（Twelve-Tone Technique）如何提供一种全新的组织音乐材料的方法，彻底颠覆了自巴洛克以来建立的大调/小调体系。 第十一章：战后实验与极简主义的回响 第二次世界大战后，音乐探索变得更加极端和多元化。本章将探讨斯特拉文斯基晚期对序列主义的借鉴，以及勋伯格学生们对序列手法的延伸。我们将详细讨论电子音乐（Musique concrète）的出现，以及约翰·凯奇对“偶然性”和“不确定性”在音乐创作中的哲学探讨，特别是《4分33秒》所引发的关于“何为音乐”的深刻争论。最后，本章将介绍极简主义（Minimalism）的兴起，以赖利和赖克等人的重复性、渐进变化的音乐风格，作为对复杂序列主义的一种回应。 第十二章：全球化时代的音乐景观与当代趋势 本章将回顾20世纪末至今的音乐图景，探讨全球化对西方古典音乐传统带来的影响。我们将讨论新浪漫主义、后现代主义的各种倾向，以及作曲家如何重新审视调性、节奏和传统技法的可能性。本章还将概述当代音乐在跨媒介合作、科技融入以及对非西方音乐元素吸收方面的最新动向，展望未来音乐创作在理论与实践层面可能的发展方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的惊喜在于它的实践性。我之前也零星看过一些乐器教程，很多都偏重理论，或者知识点过于跳跃，让初学者无从下手。但这本书，从一开始就非常注重“动手”这件事。它不仅仅是告诉你“怎么吹”，更重要的是告诉你“为什么这么吹”。比如，在讲解气息的运用时，作者没有使用一些晦涩难懂的术语，而是通过非常形象的比喻，比如“如同缓缓吹灭蜡烛”、“像小船在平静的湖面上划行”，让我一下子就理解了气息的轻重缓急。更绝的是，书中还穿插了不少关于如何通过呼吸来感受声音的练习，这些小小的练习，却能有效地帮助我们找到正确的发声感觉。指法部分，同样是循序渐进，每一步都讲解得非常细致，配图也很清晰，甚至连手指的放置角度都标注得很清楚，这对于像我这样完全没有乐器基础的人来说，简直是福音。我最欣赏的是，书中并没有急于求成，而是把重点放在基础的稳定上，比如如何稳定地发出第一个音，如何让音色更纯净。这种“慢工出细活”的教学思路，让我觉得学到的东西会更加扎实。

评分☆☆☆☆☆

终于到货了！迫不及待地翻开这本书，第一眼就被它的封面设计吸引了。整体风格古朴典雅，没有过于花哨的装饰，正是那种沉静下来学习音乐的氛围。翻开内页，纸张的质感也很不错，不刺眼，摸起来也很舒服。内容方面，从目录就能看出编排的用心。开头部分，作者似乎非常注重对初学者心态的引导，这一点我特别喜欢。要知道，学一样新乐器，光有技术还不够，内在的坚持和对音乐的热爱同样重要。这本书里，没有上来就讲复杂的指法和乐理，而是花了不少篇幅去营造一种学习箫的乐趣，比如箫的历史渊源、不同箫的特点、以及如何培养对箫音色的感知。这让我觉得，作者不是把我们当成流水线上被灌输知识的机器，而是真正地想把我们带入箫的世界，让我们感受到箫的魅力。我个人一直对传统乐器情有独钟，但又担心入门太难，这本书的这种循序渐进、注重情感连接的方式，真的让我安心了不少。后面的内容，我还没来得及细看，但初步浏览，排版清晰，字体大小也适中，阅读起来应该不会有什么障碍。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的特色在于它非常“接地气”。作者好像特别了解初学者在学习过程中会遇到哪些困惑和瓶颈。我最开始担心的是，买到一本看起来很专业，但实际操作起来却非常难的教程。然而，这本书恰恰相反，它用一种非常平易近人的方式，一步一步地引导我。比如，在讲解如何吹出第一个声音时，作者就特别提醒我们不要着急，要放松，要找到那个“最舒服”的发声点。他还分享了一些自己作为初学者时遇到的困难，以及如何克服它们的故事，这让我觉得非常亲切，也减轻了我对未知领域的恐惧。书中很多练习，都非常简单，但却能有效地帮助我们巩固前一步的知识。比如，反复练习同一个音，但是要求用不同的气息去表现，或者用不同的力度去吹奏。这种由浅入深，由易到难的练习设计，让我觉得每一点进步都是真实可见的，这极大地增强了我的自信心。而且，书中的语言风格非常幽默，读起来一点也不枯燥，有时候甚至会让我忍俊不禁。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书在音乐性和文化性的融合上做得非常出色。我一直觉得，学习乐器不仅仅是掌握技巧，更是去感受和理解它背后的文化。这本书在这方面做得非常到位。在介绍箫的基本奏法时，作者并没有枯燥地列出指法表，而是巧妙地融入了一些中国传统音乐的元素。比如，在讲解某个指法时，会联系到某个经典的箫曲片段，或者引用一些关于音乐意境的描述。这让我在学习指法的同时，也能逐渐领略到箫曲的韵味，而不仅仅是机械地记忆。书中还花了相当的篇幅来介绍箫的调式和音阶，但不是以生硬的理论讲解，而是通过一些简单的旋律练习来呈现。我尤其喜欢书中关于“宫、商、角、徵、羽”的介绍，以及它们在箫曲中的运用，这让我感觉自己不仅仅是在学吹奏，更是在学习一门古老的音乐语言。这种将音乐理论与实际演奏相结合，并将文化背景融入其中的方式，极大地激发了我学习的兴趣，也让我觉得，我不仅仅是在学习一门乐器，更是在传承一种文化。

评分☆☆☆☆☆

从这本书的整体编排来看，作者真的非常用心。它不是一本简单的“乐谱集”，而更像是一位耐心细致的良师益友。首先，它的结构非常清晰，从最基础的持箫、含嘴，到如何发出第一个声音，再到简单的旋律练习，每一个环节都衔接得很自然，不会让人觉得突兀。我尤其喜欢它在每个章节的开头，都会有一个小小的“本章目标”或者“知识点提示”，这让我能清楚地知道自己接下来要学习什么，学完后又会掌握什么。这种清晰的指引，对于我这种容易迷失方向的初学者来说，简直太重要了。此外，书中对于一些容易出错的地方，都做了特别的标注和提醒，比如“注意不要咬嘴唇”、“气息要平稳，不要太猛”，这些细节的提示，真的能帮我少走很多弯路。而且，书中还加入了一些关于如何正确练习的方法论，比如“每次练习的时间不宜过长，但要保证练习的频率”、“练习时要学会倾听自己的声音”等等。这些都是非常宝贵的经验之谈，让我觉得这本书不仅仅是在教我吹箫，更是在教我如何有效地学习。