正版 从零起步学歌曲创作轻松入门 吴国翥 编著 写作作曲作词编曲入门基础教程 上海音乐学院出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 日新图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787556601974

商品编码：28965861442

开本：16开

出版时间：2017-07-01

音乐创作的无限可能：一部系统化、前瞻性的作曲与音乐制作指南 本书聚焦于现代音乐创作的广阔图景，旨在为有志于深入音乐领域，尤其是对数字音乐制作、跨媒介叙事以及前沿音乐理论感兴趣的创作者，提供一套全面、深入且实用的指导体系。它不局限于传统乐理的范畴，而是将目光投向当代音乐制作的每一个关键环节，从基础的音乐思维构建到复杂的工业级后期处理，力求培养创作者的独立思考能力和实战技能。 --- 第一部分：音乐思维的深度构建与创新基础 本部分旨在超越简单的“如何写旋律”或“如何配和弦”的层面，深入探究音乐作为一种语言的本质，以及如何通过创新的思维模式来构建独特的音乐世界观。 1.1 音乐本体论与审美感知升级 超越调性与和声的边界： 详细探讨了二十世纪以来音乐语汇的扩展，包括微音音乐、复调思维的深化、非西方音乐理论的引入，以及如何系统性地解构和重组现有的和声语言。内容涵盖了对特定音乐风格（如后浪漫主义、爵士和声的现代演变、极简主义的结构美学）的深度剖析，而非简单罗列和弦进行。 听觉记忆与情感投射机制： 探讨了人类如何处理音乐信息，分析不同音高、节奏密度和音色组合对听众情绪影响的心理学基础。内容着重于如何通过精妙的音乐设计，引导听众经历复杂的情感旅程，实现音乐叙事的精准控制。 1.2 节奏的结构化革命与时间艺术 非周期性节奏与复杂计量： 深入讲解了复杂时间签名（如11/8、19/16）的实际应用，以及如何运用波利节奏（Polyrhythms）和复合节奏（Compound Rhythms）来打破线性时间的束缚。特别关注了现代电子音乐和前卫摇滚中对时间切割与重塑的技巧。 律动的“质感”设计： 探讨了重音（Accentuation）、摇摆（Swing）和推拉（Push/Pull）等元素如何赋予节奏以生命力。内容包括对不同历史时期演奏风格中“律动感”差异的细致分析，以及在数字环境中精确模拟这些细微时间差异的方法。 --- 第二部分：现代编曲与音色设计的前沿技术 本卷将创作的核心从纸面转移到数字音频工作站（DAW）环境中，强调音色设计作为现代音乐创作主体地位的重要性。 2.1 数字音频工作站（DAW）的深度驾驭 高级MIDI编程与自动化： 详细介绍如何利用DAW中的调制矩阵、控制器分配和微观自动化曲线，实现传统乐器无法达到的细致动态变化。内容包括多层级MIDI轨道的编排策略，以及利用条件触发（Conditional Triggers）来构建反应式音乐结构。 采样与音源管理的艺术： 探讨了高质量采样库的选择、管理与优化。重点在于高级采样操作技术，如时间拉伸（Time Stretching）、变调（Pitch Shifting）的失真控制，以及如何对现有采样进行切片、重构和纹理化处理，以创造独一无二的音色原材料。 2.2 电子音乐合成器的原理与实践 振荡器设计与波形塑形： 深入讲解了减法合成（Subtractive）、加法合成（Additive）、频率调制（FM）、波表合成（Wavetable）等核心合成原理。内容侧重于如何超越预设音色，从基础波形出发，通过复杂的滤波、包络和LFO设计，构建具有鲜明个性的主音（Lead）、贝斯（Bass）和氛围音效（Pads）。 空间化与三维声场构建： 探讨了如何使用先进的混响（Reverb）算法（如卷积混响）和延迟（Delay）效果器，不仅仅是为了增加空间感，更是为了在声场中为不同元素定义精确的“物理位置”。内容包括Binaural（双耳）音频和沉浸式声音体验的基本概念应用。 --- 第三部分：音乐的工业流程与跨界应用 本部分关注音乐创作如何融入更广阔的媒体和商业环境，强调技术与艺术的结合，以应对复杂的项目需求。 3.1 电影、游戏与交互式音乐的叙事策略 音乐的场景适应性与动态变化： 详细分析了适应性音乐（Adaptive Music）和反应式音乐（Reactive Music）的设计逻辑，特别是在游戏引擎（如Wwise或FMOD）中的实现原理。内容包括如何使用音乐分层（Layering）、循环点（Loop Points）和音乐片段的无缝切换，来匹配屏幕上动作的强度和情绪变化。 音效设计与音乐的融合： 探讨了如何将声音设计（Sound Design）的技巧融入编曲，使人声、打击乐和环境音效相互渗透，模糊音乐与纯粹音效之间的界限，以增强叙事的冲击力。 3.2 混音与母带处理的精准工程学 动态范围控制与电平管理： 深入讲解压缩器（Compressor）和限制器（Limiter）的细微差异与高级应用，包括多段压缩、侧链（Sidechain）技术的创新用法，以确保音乐在不同播放系统中的一致性和冲击力。 频率平衡的心理学： 不仅是提供EQ（均衡器）的设置指南，而是从人耳对不同频率的感知敏感度出发，分析如何在混音中“雕刻”出清晰、有力且不疲劳的声场。内容涵盖了混音阶段对人声、低频（Sub Frequencies）和高频（Air）的专项处理技术。 --- 结语：面向未来的创作者 本书的核心理念是：技术是表达的工具，而非表达的限制。 它鼓励学习者将严谨的音乐理论、前沿的数字技术，以及对人类情感的深刻洞察融会贯通，最终形成一套完全属于自己的、能够应对未来音乐形态挑战的创作方法论。本书为那些渴望在声音领域开拓新领地、而非仅仅模仿现有风格的实践者所设。

评分☆☆☆☆☆

这本《歌曲创作完全指南》（暂定名），绝对是新手踏入音乐世界的一本宝藏。我一直对歌曲创作充满了好奇，但又苦于无从下手。市面上很多书籍要么过于理论化，要么讲解不清，读起来就像在啃一本天书。然而，当我翻开这本书的第一页，就被它那种循序渐进、深入浅出的讲解方式深深吸引了。作者没有一开始就抛出一堆复杂的音乐术语，而是从最基础的和弦、旋律概念讲起，用生动形象的比喻和贴近生活的例子，让我这个音乐小白也能轻松理解。 书中在讲解如何构思歌词时，也给我提供了很多实用的技巧。比如，如何从生活琐事中挖掘创作灵感，如何运用不同的修辞手法来增强歌词的表现力，甚至是如何调整歌词的节奏和韵律，让它们与旋律更契合。这一点对我来说尤为重要，因为我一直觉得写出好歌词比写出好旋律更具挑战性。这本书让我明白，歌词创作并非遥不可及，只要掌握了方法，人人都能写出动人的篇章。

评分☆☆☆☆☆

如果说这是一本歌曲创作的“速成班”，那绝对毫不夸张。我一直认为创作一首完整的歌曲需要天赋和多年的积累，但这本书的出现彻底颠覆了我的认知。作者用一种极其接地气的方式，将创作歌曲的过程分解成一个个可以理解、可以操作的小步骤。 书中最让我受益匪浅的部分是关于“歌曲结构”的讲解。它详细地阐述了主歌、副歌、桥段等不同部分的功能和作用，以及它们如何有机地组合在一起，形成一首完整且富有吸引力的歌曲。我曾经尝试写过一些零散的片段，但总感觉不成体系，读了这本书之后，我才明白原来歌曲的结构是如此重要。通过学习书中提供的不同结构模板，我能够更有目的地去构思和组织我的创作，不再是信马由缰的乱写一气。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我音乐创作道路上的“及时雨”。我一直梦想着用自己的方式去表达音乐，但现实是，我对乐理一窍不通，对创作更是摸不着头脑。这本书就像一位耐心的老师，把我从一无所知带到了豁然开朗。 书中对于“和声”的讲解，是我之前最头疼的部分。很多教程都把和声讲得非常枯燥，让人望而生畏。但这本书却用非常形象的比喻，比如把和弦比作“色彩”，把和弦进行比作“情绪的起伏”，让我瞬间理解了和声的奥秘。我甚至迫不及待地按照书中的讲解，尝试着为自己构思的旋律配上简单的和弦，虽然还很稚嫩，但那种成就感是无法言喻的。

评分☆☆☆☆☆

这是一本能够点燃你创作激情的书籍。我之前总觉得创作歌曲是一件很“酷”的事情，但自己尝试起来却困难重重，常常是灵感枯竭，或者写出来的东西不伦不类。这本书的魅力在于，它不仅仅教你“怎么做”，更重要的是，它教你“为什么这么做”。 书中对于“编曲”的部分，让我看到了歌曲创作的另一个维度。我一直以为编曲是那些音乐大师才懂的领域，但这本书却用简单易懂的方式，介绍了不同乐器的音色特点，以及如何运用它们来烘托歌曲的情感。虽然书中没有涉及复杂的编曲软件操作，但它提供的基本原理和思路，足以让我对编曲有一个初步的认识，并为我未来的深入学习打下了坚实的基础。这本书让我觉得，创作一首完整的歌曲，并不是一件遥不可及的事情，而是我通过努力可以实现的梦想。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让人眼前一亮的歌曲创作教材。我之前尝试过一些其他的入门书籍，但总觉得内容不够系统，要么侧重于理论，要么侧重于实践，很难找到一个平衡点。而这本书的结构非常清晰，从歌曲的骨架——旋律，到歌曲的血肉——歌词，再到歌曲的灵魂——编曲，层层递进，让读者能够全面地掌握歌曲创作的各个环节。 尤其让我印象深刻的是，书中在讲解旋律创作时，并没有简单地给出一些固定的模式，而是强调了旋律的“情感表达”。作者通过分析大量经典歌曲的旋律走向，让我体会到不同的音高、节奏和音程如何传达不同的情绪。这种从“为什么”到“怎么做”的引导方式，让我不仅学会了创作旋律的技巧，更重要的是，学会了如何用音乐来抒发内心的情感。