商城正版 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） （日）铃木镇一 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 钰博（北京）图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103044285

商品编码：29482993341

丛书名： 铃木大提琴教材

出版时间：2013-01-01

书籍信息   书名 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） 字数 作者 （日）铃木镇一 编著 页码 29 出版社 人民音乐出版社 版次 1 出版日期 2013-1-1 装帧 平装 ISBN 9787103044285 开本 大16开  内容提要   《铃木大提琴教材（第5、6册）（修订版）》汇集了一些世界名曲、各国流行的名歌，也有一些传统训练用的材料，这种编排较能激发学习者的兴趣。通过熟悉一些人们喜闻乐见的旋律，从掌握音乐语汇的表达能力入门，可避免由于过于枯燥的纯技术练习而削弱音乐对心灵的震撼。当学习者进入自学、兴趣盎然的学习状态时，努力克服更艰深的技术会成为乐趣而不是苦事了。   目录   第五册 E小调奏鸣曲 乡村舞曲 咏叹调——选自第156号康塔塔 回旋曲——选自《第四协奏曲》（节选） 单指音阶练习 装饰性指法练习   第六册 天鹅——选自《动物狂欢节》 快板——选自《D大调协奏曲》 拇指音阶练习 装饰性指法练习 塔兰泰拉舞曲 回旋曲——选自《D大调第二协奏曲》 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（大提琴） 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（第二大提琴）

 商城正版 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） （日）铃木镇一

在线时间：09:00AM-24:00AM

书名：乐海拾贝：西方古典音乐史略 作者： 乐海研究组 出版社： 鸿鹄文化出版社 装帧： 精装，全彩插图，附赠数字资源链接 定价： 128.00 元 --- 内容简介 《乐海拾贝：西方古典音乐史略》是一部旨在为音乐爱好者、专业学生以及初学者提供全面而深入的西方古典音乐发展脉络的权威著作。本书摒弃了传统音乐史教科书的枯燥说教，以叙事和赏析相结合的方式，构建了一幅清晰、生动、富有洞察力的音乐画卷，带领读者穿越数个世纪的艺术变革与审美迁徙。 本书结构严谨，内容涵盖了从古代音乐的萌芽到二十一世纪实验音乐的广阔领域，重点聚焦于巴洛克时期至浪漫主义盛期这一古典音乐的黄金时代。我们的目标不仅仅是罗列作曲家及其作品，更在于解析特定历史背景、社会思潮如何塑造了音乐的语言、形式和功能，以及技术革新（如乐器制造、记谱法进步）如何推动了音乐表达的边界。 第一部分：源起与奠基（中世纪至文艺复兴） 本部分追溯了西方音乐的源头。我们首先探讨了早期教会音乐的单音传统，如格里高利圣咏的神秘与宁静，分析了其在确立西方音乐理论基础中的关键作用。随后，我们将目光投向了世俗音乐的兴起，以及复调音乐（Polyphony）的诞生与成熟。 在文艺复兴部分，重点分析了“人文主义”思潮对音乐创作的影响。从弗兰科-佛兰德斯乐派的精妙对位，到意大利牧歌（Madrigal）对文本情感的细腻描摹，本书详尽考察了音乐如何从神性的服务者转变为人性的赞美者。特别地，我们对奥兰多·迪·拉索和帕莱斯特里那等大师的作品进行了深入的风格剖析，阐释了清晰、平衡的复调织体是如何成为那个时代审美的最高标准。 第二部分：巴洛克：辉煌与激情（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最具革命性的阶段之一。本部分详细描绘了歌剧的诞生及其早期发展，从蒙特威尔第对戏剧冲突的音乐化处理，到克劳迪奥·普雷斯蒂的早期咏叹调技巧。我们深入探讨了“对位法”与“数字低音”（Basso Continuo）在确立巴洛克音乐结构中的核心地位。 本书用大量篇幅阐述了巴赫与亨德尔这两位巨匠的贡献。对于巴赫，我们侧重分析其对赋格（Fugue）艺术的集大成，剖析《平均律钢琴曲集》在调性体系建立上的里程碑意义，并赏析其宗教清唱剧和管弦乐作品中蕴含的严谨逻辑与精神深度。而对于亨德尔，则着重于其在清唱剧（Oratorio）领域，特别是《弥赛亚》中的宏大叙事能力和戏剧张力。此外，本书也未忽视洛可可时期过渡风格的细腻之处，以及意大利小提琴协奏曲（如维瓦尔第）对活力与炫技的贡献。 第三部分：古典主义：秩序与完美（约1750-1820年） 古典主义时期是理性与清晰的时代，音乐形式达到了前所未有的规范化。本部分核心在于对奏鸣曲式（Sonata Form）的彻底解析。我们追踪了这种结构如何从巴洛克晚期的初步形态，演变为海顿、莫扎特和贝多芬三位“维也纳古典乐派”大师手中最为灵活、最有表现力的工具。 对于海顿，我们探讨了其作为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”的角色，分析其在幽默感和形式实验上的贡献。莫扎特的部分，则聚焦于其歌剧创作中对人物心理的精准刻画，以及旋律天赋的无与伦比。 最为关键的是对贝多芬的解读。本书将贝多芬视为连接古典与浪漫的桥梁，深入分析了其“英雄精神”在交响曲（特别是第三号与第五号）中的体现，以及他如何通过扩大篇幅、强化戏剧冲突和拓展调性范围，最终打破了古典时期的既有界限，为后世的浪漫主义开辟了道路。 第四部分：浪漫主义：情感的洪流（约1820-1900年） 浪漫主义是音乐史上对个人情感、主观体验和自然崇拜最热烈的颂扬。本部分首先讨论了“抒情性”如何取代“形式美”成为核心追求。 舒伯特开创的艺术歌曲（Lied）传统，被详细剖析为一种“小型戏剧”，探讨了钢琴伴奏如何从简单的和声支持转变为与人声叙事同等重要的角色。随后，本书进入了“标题音乐”（Program Music）的探讨，着重分析了柏辽兹的《幻想交响曲》如何利用创新的配器技术和“主导动机”（idée fixe）来讲述复杂的故事。 肖邦和李斯特的钢琴作品部分，着重于他们对键盘乐器表现力的极致挖掘，以及他们如何将民族元素融入高度个人化的创作中。在后期浪漫主义部分，我们考察了瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，及其对和声语言的激进探索，如何导致了调性体系的瓦解，并最终引向了20世纪的现代主义。 工具与资源 本书最大的特色之一是其丰富的辅助资源。除了精美的乐谱片段插图和作曲家肖像外，我们还提供了一套配套的在线学习资源。该资源包括： 1. 关键作品的结构图解： 针对奏鸣曲式、赋格结构的关键段落进行可视化解析。 2. 时代背景影像资料库： 与书中描述的音乐事件相关的历史照片、画作和乐器实物图。 3. 推荐聆听清单： 涵盖了本书所涉及的每一位核心作曲家的代表作，并附有不同录音版本的导览，帮助读者建立自己的音乐词汇库。 读者对象 本书适合所有对西方音乐抱有浓厚兴趣的人群。对于音乐专业的学生而言，它是一部优秀的辅助教材，能够将复杂的音乐史知识体系化、生动化；对于非专业爱好者来说，它是一扇通往古典音乐殿堂的优雅之门，旨在提升聆赏能力，使每一次音乐会的体验都更加充实和深刻。 --- 《乐海拾贝：西方古典音乐史略》 不仅是知识的汇编，更是一次穿越时空的审美旅程。它邀请读者不仅去“听”音乐，更去“理解”音乐在人类文明长河中的独特回响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处还在于它对演奏情感和音乐哲学的融入。很多技术教材往往只关注“力道”、“速度”这些硬性指标，却忽略了音乐的灵魂——表达力。然而，在这套教材中，我能清晰地感受到作者对每一个音符背后情感色彩的细腻捕捉和引导。它会用非常富有诗意的语言去描述某一乐段应该有的情绪起伏，比如“如同清晨的第一缕阳光穿透薄雾”或是“仿佛在低语中诉说着古老的传说”。这种引导，极大地激发了我作为演奏者的想象力和共情能力。我不再仅仅是按照谱子上的符号去演奏，而是开始尝试去“讲述”音乐的故事。这种内在的驱动力，比任何外部的督促都来得有效，它让枯燥的指法练习变得充满了探索的乐趣，也让每次练习都变成了一次与自我内心深处的对话。对于希望在演奏中注入个人独特理解的乐手来说，这一点简直是醍醐灌顶。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读之后，我才真正体会到“经典”二字的重量。这本书的编排逻辑简直是教科书级别的范本，它并没有急于求成地堆砌高难度技巧，而是采取了一种循序渐进、滴水不漏的方式，将复杂的音乐概念层层剥开，用最直观的方式呈现出来。尤其欣赏它在节奏和音准训练上的处理，那些看似简单的练习曲，实则暗藏玄机，每完成一个小节的练习，都能清晰地感觉到自己的技术壁垒正在被悄悄地打破。我过去在学习某些特定技巧时总会遇到瓶颈，但对照这本书的讲解和示范（虽然只是文字和谱面，但描述得极其到位），很多困惑迎刃而解。它不只是告诉你“怎么做”，更深刻地解释了“为什么这样做”，这种对音乐原理的深入剖析，极大地提升了我对乐器的理解深度，让我从一个机械模仿者，逐渐向一个能主动思考的演奏者转变。这种教育理念的渗透，才是它最宝贵的地方，远超出了单纯的指法教学范畴。

评分☆☆☆☆☆

从实操性来看，这本书的设计充分考虑到了不同学习阶段演奏者的实际需求。它非常注重基础的扎根，即便是看似简单的练习，也反复强调了持弓的稳定性、按弦的准确性以及发音的饱满度，这些都是决定未来上限的关键因素。我发现，当我把精力重新投入到这些基础练习中时，过去困扰我的很多高难度曲目中的难题，竟然因为基础的巩固而迎刃而解。更值得称赞的是，它对于乐器维护和日常保养的篇幅虽然不长，但内容极其实用且精准，避免了许多初学者常犯的错误，延长了我心爱乐器的使用寿命。它提供的是一个完整的音乐人养成体系，而不是一个孤立的演奏技巧手册。这种全方位的关怀，让使用者感到非常安心，仿佛身边随时有一位经验丰富的大师在默默指导，让人少走了很多弯路。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的“修订版”给我带来了极大的惊喜。可以明显感觉到，相较于以往的版本，这次的改动是基于大量一线教学反馈的深度优化，非常贴合当代学习者的学习习惯和挑战。那些冗长复杂的注释被精炼和重组，关键点被加粗或用特殊符号标记出来，大大提高了学习效率。同时，它似乎更注重了跨文化背景下的理解兼容性，一些过去可能需要额外背景知识才能领会的术语，现在都做了清晰的对照解释，这对于像我一样，可能主要依靠非母语资料学习的爱好者来说，简直是福音。它在保持原著精髓的同时，完成了与时俱进的蜕变，这需要极大的勇气和对音乐教育的持续投入。这本书不仅仅是一本教材，更像是作者与后辈们进行的一场跨越时空的、充满智慧的交流，让人在学习技艺的同时，也领悟到了教育传承的伟大意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的气质，仿佛预示着里面内容必然是经过精心打磨的精品。初次翻开，那种纸张的质感就让人心生喜爱，厚实且带着微微的纹理，翻阅起来既有分量感又不失轻盈。我尤其欣赏它排版上的匠心独运，字体的选择非常考究，既保证了阅读的舒适度，又在视觉上营造出一种专业而严谨的氛围。那些乐谱的印刷更是无可挑剔，清晰度极高，即便是像我这样视力不太顶尖的业余爱好者，也能毫不费力地分辨出细微的记号和指法提示。说实话，现在市面上很多教材为了追求成本，在装帧和印刷上都显得敷衍了事，但这本教材完全没有这种廉价感，它散发着一种对音乐教育的尊重，让人在拿起它的那一刻，就对手中的学习内容充满了敬畏之心。光是这份对细节的执着，就已经让人觉得物有所值，它不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的艺术品，让人在学习之余，也能享受到美好的视觉体验。