紋飾法則：奠定當代設計思維的37條造型與色彩基本原則 Owen Jones 易博士出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Owen Jones 著

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• 设计原则
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出版社： 易博士出版社

ISBN：9789864800483

商品编码：29783695297

包装：精装

出版时间：2018-05-10

页数：376

正文语种：繁体中文

书名：紋飾法則：奠定當代設計思維的37條造型與色彩基本原則

作者：Owen Jones

出版：易博士出版社

语种：繁體中文

页数：376 页

装帧：精装

ISBN：9789864800483

出版日期：2018-05-10

?英國美術工藝運動 先鋒鉅作

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◆ 150 年經典重現——重洗時代美學、震撼設計名家觀念

◆ 19 種世界紋飾風格——橫亙東西方歷史長河的文物大觀

◆ 100 幀彩色圖版——透視令人嘆為觀止的精湛細節

【專業推薦】

國立成功大學建築系 吳光庭教授

國立台灣工藝研究發展中心主任 許耿修

【專文導讀】

國立台灣大學藝術史研究所 施靜菲教授

英國紋飾研究學者 查捷克（Iain Zaczek）

【裝幀說明】

霧面書衣圖片為V&A; Museum 授權之莫里斯經典石榴壁紙

硬殼方背精裝封面使用咖啡色布紋紙

英文書名採高質感造型打凹

內頁以雪銅紙印刷，完美呈現高解析精美復刻彩圖

——值得細細品味、永恆典藏

1856年於倫敦初版的《紋飾法則》是史上**本蒐羅東西方不同地域、不同時代各民族設計方法的紋飾集成。英國美術工藝運動（Arts & Crafts Movement）先鋒、水晶宮設計總監歐文瓊斯為了端正當代設計中脈絡紊亂的浮濫抄襲風氣，於本書開宗明義提出建築暨裝飾藝術的37條造形與色彩基本原則，分別探討造形元素的協調、構圖和適當比例，以及如何從色彩的平衡和對比中找出強化造形的用色方法，倡導從過往作品中研擬恰當的創作之道——開創了現代設計和色彩理論之先河，影響遍及十九世紀以降的設計名家如工藝運動領袖莫里斯（William Morris）、建築師萊特（Frank Lloyd Wright）、蘇利文（Louis Sullivan）、柯比意（Le Corbusier）等人，立論一百五十年至今屹立不搖。

書中大量圖文來自瓊斯的異國踏查及其對大量古籍專著的爬梳，他從包羅萬象的歷史文物中粹選出經典之作，編撰成19篇風格獨特的世界紋飾介紹，不僅詳述其整體特色和演繹手法，亦歸納箇中法則並給予優劣評價，藉由文末共100幀匠心獨具的彩色圖版，串起一段清晰具體的裝飾設計史，使讀者更宛如踏上全世界文化遺產的深度之旅。

【收錄篇章】

1. 原始部落紋飾 Ornament of Savage Tribes

2. 埃及紋飾 Egyptian Ornament

3. 亞述與波斯紋飾 Assyrian and Persian Ornament

4. 希臘紋飾 Greek Ornament

5. 龐貝紋飾 Pompeian Ornament

6. 羅馬紋飾 Roman Ornament

7. 拜占庭紋飾 Byzantine Ornament

8. 阿拉伯紋飾 Arabian Ornament

9. 土耳其紋飾 Turkish Ornament

10. 摩爾紋飾 Moresque Ornament

11. 波斯紋飾 Persian Ornament

12. 印度紋飾 Indian Ornament

13. 印度教紋飾 Hindoo Ornament

14. 中國紋飾 Chinese Ornament

15. 凱爾特紋飾 Celtic Ornament

16. 中世紀紋飾 Medi?val Ornament

17. 文藝復興紋飾 Renaissance Ornament

18. 伊莉莎白時期紋飾 Elizabethan Ornament

19. 義大利紋飾 Italian ornament

20. 自然花草 Leaves and flowers from Nature

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建築的靈魂與材質的對話：解析歷史的空間結構與工藝傳承 書籍簡介 本書深入探討西方建築史中幾個關鍵轉折點上，空間、結構與材質之間複雜的互動關係。它不著重於單純的風格羅列，而是著眼於材料的物理特性如何塑造了建築師的設計思維，以及這些思維又是如何與當時的社會結構、技術能力及美學觀念相互影響、共同演進的。 全書分為四個主要部分，層層遞進，從最基礎的材料屬性分析，過渡到複雜的結構體系構建，再到文化語境下的空間表述，最後聚焦於材料工藝在當代設計中的轉譯與再創造。 --- 第一部：從自然到規範——古典基石的材料科學 本部分回溯至古希臘羅馬時期，重點分析了石材（特別是大理石與石灰石）在早期建築中的角色。我們探討了這些天然材料的採集、運輸、切割和接合技術，如何直接決定了柱式結構的標準化（如多立克、愛奧尼克、科林斯柱式）的形成。 關鍵探討點： 1. 重力的哲學： 探討古希臘人如何將對穩定性的追求轉化為一種視覺上的秩序感。石塊堆疊的力學平衡如何被抽象化為黃金分割與模數系統，成為西方建築美學的基礎。 2. 羅馬混凝土的革命： 詳細分析了波佐蘭灰（Pozzolana）的使用，這種火山灰如何賦予了羅馬結構超越傳統石砌的跨度能力，從而催生了萬神殿等龐大穹頂結構。此處的分析著重於“隱藏的結構”如何解放了外部的視覺表達。 3. 光線與材質的對話： 在早期基督教和拜占庭建築中，馬賽克和彩色玻璃的引入，展示了材質如何從承重結構轉變為光線的媒介。材質的表面處理（拋光、著色）如何用來烘托神聖空間的崇高感。 --- 第二部：中世紀的垂直野心——結構的語彙與光影的敘事 中世紀的哥德式建築是人類在不依賴現代鋼筋混凝土的情況下，對高度和空間開闊性所能達到的極致探索。本章節將結構邏輯視為一種語言，探討飛扶壁、肋拱和尖拱是如何共同編織出宏偉的敘事結構。 關鍵探討點： 1. 力學的解構與重組： 深入解析肋拱（Rib Vault）的誕生。它如何將屋頂的重量集中傳導至特定的點（柱墩），從而允許牆體變得輕薄。這不僅是工程上的突破，更是對封閉、厚重牆體傳統的顛覆。 2. 飛扶壁的隱形支撐： 探討飛扶壁（Flying Buttress）作為一種外置的結構語言。它如何將結構的“負擔”暴露在外部，使其成為建築立面的一部分，從而使得教堂內部空間得以最大化地向天空延伸。 3. 彩色玻璃作為“非物質”的材料： 探討中世紀工匠如何處理玻璃這種易碎材料，使其成為講述聖經故事的媒介。玻璃的色彩與透明度如何影響信徒在特定時間進入教堂時的心理體驗，這是一種對“光學心理學”的早期實踐。 --- 第三部：文藝復興至工業革命的轉折點 文藝復興時期對古典規範的復興，體現了對精確幾何和人體尺度的回歸。然而，隨著文藝復興晚期和巴洛克時期對戲劇性效果的追求，材質的運用開始變得更具表現力，雕塑感和錯覺效果抬頭。 關鍵探討點： 1. 材料的“誠實”與“偽裝”： 比較文藝復興時期強調材料本質（如磚石的質感）的設計傾向，與巴洛克時期對灰泥、大理石貼面和雕刻的濫用。探討這種美學上的張力如何反映了當時社會階層對外在炫耀的需求。 2. 玻璃與鐵的覺醒： 工業革命前夕，鑄鐵和鋼的應用開始進入建築領域（如橋樑、早期工廠）。本章節將分析這些新材料最初是如何被視為“實用性”而非“美學性”的，以及它們的線條與承載能力如何挑戰了傳統的磚石美學。 3. 孟薩德（Mansart）與屋頂的空間定義： 分析屋頂結構從單純的遮蔽轉變為可居住空間的過程，特別是材料（如石板瓦片）在定義城市天際線中的作用。 --- 第四部：現代性的解放與材質的純粹化 20世紀初，現代主義的興起本質上是一場對材料和結構的“去裝飾化”的革命。本書將重點放在材料如何與新的結構技術（鋼筋混凝土、結構鋼）結合，從而實現了柯布西耶所說的“光與影的純粹體量”。 關鍵探討點： 1. 混凝土的雕塑潛能： 分析勒·柯布西耶和埃羅·沙里寧等人如何將混凝土從單純的填充物提升為主要的表達語言。探討“粗野主義”（Brutalism）的興起，即對混凝土表面模板紋理的刻意保留，將製造過程本身轉化為最終的審美價值。 2. 玻璃幕牆的空間模糊化： 深入探討玻璃在密斯·凡德羅（Mies van der Rohe）作品中的應用。分析玻璃如何創造出內外空間的連續性，以及它在不同時間光照下對建築實體感帶來的消解作用。 3. 結構外露的倫理學： 探討結構鋼材外露（如蓬皮杜藝術中心）所代表的設計哲學。當承重系統不再被隱藏，而是被賦予色彩和韻律時，材料的“功能性”與“裝飾性”之間的界限如何被徹底打破。 --- 結論：材質的永恆循環與未來語境 本書最後總結了材料應用中永恆的張力：穩定性與表現力、實用性與美學追求之間的持續辯證。我們將檢視當代建築師如何在強調可持續性、參數化設計的背景下，重新審視從粘土、木材到高性能複合材料的選擇，試圖在繼承歷史的結構智慧的同時，創造出符合當下環境倫理的空間解決方案。本書旨在提供一個從材料科學、力學基礎到文化詮釋的完整視角，幫助讀者理解每一棟建築的“皮膚”和“骨架”背後所蘊含的深刻設計邏輯。

评分☆☆☆☆☆

我必須承認，一開始接觸這類強調「法則」的書籍，我內心是有些抗拒的，總覺得藝術和設計最終還是要回歸到直覺和創造力的爆發，過分強調規則不就成了匠氣嗎？然而，這本《紋飾法則》卻巧妙地避開了這種陷阱。它並不是要束縛你的手腳，而是提供了一套高階的「語言詞彙表」。作者群並沒有把這37條原則塑造成不容置疑的教條，反而像是在解密一套被歷史反复驗證的視覺密碼。他們探討的色彩部分尤其令人震撼，不是簡單地羅列色輪上的冷暖關係，而是深入探究了不同色調組合在不同媒介和文化語境下的情感投射。比如，他們如何解析「鄰近色」的穩定感與「對比色」的戲劇性張力，並且展示了如何通過微小的飽和度或明度調整，就能將同一組色彩從「和諧」推向「衝突」，反之亦然。讀完這些章節，我才意識到，我過去對色彩的運用多半是憑感覺，而現在，我擁有了更精確的工具去預測和控制我的視覺效果，這對於需要與客戶溝通設計意圖的我來說，無疑是巨大的加分項。它將抽象的美學概念，轉化成了可量化、可討論的設計參數。

评分☆☆☆☆☆

與市面上許多只關注當下流行趨勢的設計書不同，《紋飾法則》真正做到了「溯源」與「展望」的結合。它將那些看似過時的古典裝飾母題，如螺旋、迴紋、連珠紋等，重新置於當代設計的語境下進行審視。重點不是教你如何模仿它們，而是讓你理解這些母題之所以流傳千年，必然蘊含著某種深層次的認知優勢或情感共鳴機制。書中對「韻律與節奏」的分析尤其讓我受益匪淺，它將音樂中的節拍概念引入視覺設計，探討如何通過元素（無論是文字、圖標還是留白）的重複、間隔與漸變，來創造出讓觀者感到舒適或興奮的視覺流程。這種跨學科的視角，讓這本書超越了單純的「設計指導手冊」的範疇，更像是一部關於人類視覺心理學和文化傳承的綜合讀本。它讓你明白，你今天使用的現代排版網格，其實是數千年來人類組織信息慾望的結晶。

评分☆☆☆☆☆

这本《紋飾法則：奠定當代設計思維的37條造型與色彩基本原則》的作者群真是眼光獨到，他們似乎能看穿設計的本質，將那些看似隨機的視覺現象，抽絲剝繭地整理成一套套精煉的「法則」。我印象最深的是關於對稱與非對稱的探討，過去我總覺得這只是美學上的選擇，但書中深入分析了不同文化背景下，這兩種結構如何影響觀者的心理感知和信息傳達效率。例如，在強調穩定與權威的場景中，如何巧妙地運用軸線對稱來建立信任感；而在追求動態和現代感的作品中，如何利用動態平衡而非絕對對稱來維持視覺張力。書中列舉了大量跨時代的範例，從古希臘的建築紋飾到二十世紀初的包浩斯運動，再到如今的界面設計，每一個案例都不是單純的展示，而是作為驗證某一「法則」的有力證據。這使得閱讀的過程像是在進行一場高強度的設計解構實驗，每讀完一條原則，都彷彿為我打開了一扇通往更深層次理解的大門。這絕不是一本讓你輕鬆翻閱的書，它要求你帶著筆記和懷疑精神去審視你所見過的一切設計，從排版、包裝到空間佈局，每一個細節背後似乎都有跡可循。

评分☆☆☆☆☆

總的來說，這本書帶給我最大的改變，是心態上的轉變——從「追求驚豔」轉向「追求精確」。過去，我會因為一個設計元素看起來「很酷」而使用它；現在，我會先問自己，這個元素是否符合這37條基本原則中的某幾條，它是否在信息傳達、情感共鳴和視覺穩定性上達到了最佳平衡。這本書的價值在於，它提供了一套建立在歷史沉澱和人類認知基礎上的「批判性框架」。它不是教你如何取悅潮流，而是教你如何建立一套堅不可摧的設計內核。書中對空間留白（負空間）的處理規則，尤其強調了其作為「主動元素」的重要性，而非僅僅是背景的延伸，這極大地改變了我對簡潔設計的理解。這是一部需要反覆研讀、時常翻閱的工具書，它的內容紮實到足以支撐你未來十年的設計實踐，讓你從一個模仿者，真正成長為一個有能力建立自己設計哲學的創作者。

评分☆☆☆☆☆

這本書的編排方式非常考究，它顯然不是為了迎合快速閱讀的趨勢而設計的。每一條法則都配有詳盡的圖解和對比分析，結構嚴謹得如同學術論文，但文字表達上卻保持了極高的可讀性與啟發性。我特別欣賞它在介紹「肌理與材質的視覺重量」那一節時的論述，這往往是新手設計師最容易忽略的維度。我們通常只關注二維平面上的線條和形狀，卻忘了實體設計中，粗糙的木紋、光滑的玻璃、編織的織物，它們本身就帶有強烈的視覺語義。作者通過對比高光反射率和紋理密度，清晰地展示了這些物理特性如何被視覺化地轉譯為設計中的「分量感」。這種對細節的執著，使得這本書的厚度與其內容的密度完全成正比。對於那些已經有一定設計基礎，渴望從「會做」提升到「做好」層次的設計師來說，這無疑是一本能讓你的作品增添深度的實用指南。它強迫你跳出軟件界面，重新審視設計的物理根源。