我要上央美.静物素描 9787568905992 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈奇巧 著

图书标签:

• 美术教学
• 素描
• 静物
• 央美
• 绘画
• 艺术生
• 考研
• 基础
• 技法
• 入门

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 重庆大学出版社

ISBN：9787568905992

商品编码：29852571809

包装：平装-锁线胶订

出版时间：2017-07-01

图书基本信息
图书名称	我要上央美.静物素描	作者	陈奇巧
定价	32.00元	出版社	重庆大学出版社
ISBN	9787568905992	出版日期	2017-07-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-锁线胶订
开本	8开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《我要上央美·静物素描》一书围绕高考美术中静物塑造的考试重点及技巧提高，由浅入深地进行了专项辅导。《我要上央美·静物素描》重点清晰，结构完整，从单体静物的塑造技巧到组合静物的表现，从静物塑造结构的专项练习到静物塑造光影的专项练习，作了大量全面、精准和凝练的讲解，点出了考试中如结构、光影等重难点内容的破解之道，是一本质量较高的考前辅导用书。

作者简介

陈奇巧，美术高考名师，曾于多个美术高考教学机构担任教学总监。

目录

章 基本知识 1.素描的基本术语 ……………………………………………………… 01 2.素描的要领 …………………………………………………………… 01 3.静物素描描绘对象 ……………………………………………………01 第二章 单体静物练习 1.深度解析苹果 ………………………………………………………… 02 2.深度解析梨 …………………………………………………………… 04 3.课堂内外 ……………………………………………………………… 06 第三章 组合静物入门练习 1.步骤表现 ……………………………………………………………… 10 2.对比练习 ……………………………………………………………… 12 第四章 组合静物提高练习 1.陶罐与水果 …………………………………………………………… 14 2.花卉与水果 …………………………………………………………… 16 3.不锈钢与水果 ………………………………………………………… 18 4.透明物体与水果 ……………………………………………………… 20 5.生活用品与蔬菜 ……………………………………………………… 22 6.陶罐与蔬菜 …………………………………………………………… 24 7.黑白块面分析 ………………………………………………………… 26 8.画面剖析 ……………………………………………………………… 27 9.照片素描 ……………………………………………………………… 28 10.课堂内外 …………………………………………………………… 30

编辑推荐

《我要上央美·静物素描》在书中穿插了构图技巧、照片对比等实用内容，有针对性地帮生快速掌握考试技巧、把握考试重点；同时，书中分步骤地对画面表现进行了细致剖析，点出重要细节，易于考生学习上手。《我要上央美·静物素描》还列举了蔬果、文具等单体静物和组合静物大量高质量的范画，涉及考试中各种常见的静物塑造类型，对美术考生走进考场、取得优异成绩有较好的参考、辅助作用。

文摘

序言

《艺海拾贝：形色之间》 引言： 艺术的魅力，在于它能捕捉瞬间的光影，赋予静止的生命。素描，作为造型艺术的基石，更是如此。它剥离色彩的浮华，直抵物象的本质，以黑白灰的韵律，勾勒出世界的肌理与情感。《艺海拾贝：形色之间》并非一本技法指南，也非某个特定考试的秘籍，而是一次对静物素描精神内涵的探索，一次对视觉感知与艺术表达之间微妙联系的沉思。本书旨在引导读者超越单纯的“画得像”的层面，去感受光影的舞蹈，体悟形态的对话，品味质感的差异，最终在平凡的静物中发现不凡的美学意义。 第一章：目光所及——静物的哲学 何为“静物”？它不是被动的存在，而是艺术家选择与凝视下的鲜活个体。从古至今，艺术家们钟情于静物，是因为它们承载着丰富的信息与情感。一个饱满的果实，诉说着丰收的喜悦；一块粗糙的陶罐，记录着时光的痕迹；一束枯萎的花朵，低语着生命的易逝。本书将从哲学的高度审视静物，探讨艺术家在选择与组合静物时所注入的思考，以及这些思考如何通过画面传递给观者。我们将分析不同文化背景下，静物画所呈现出的独特美学观念，以及艺术家如何借由静物来表达对生活、对宇宙的理解。 静物的选择与意义： 偶然与必然的交织： 画面中的每一个物体，都是艺术家有意或无意的选择。这些选择背后，隐藏着艺术家对色彩、形态、肌理的敏感，也可能折射出其当下的心境与思考。例如，一个精美的瓷器可能代表着对精致生活的追求，而一个饱经风霜的工具则可能象征着辛勤的劳作与生命的韧性。 象征与隐喻的对话： 许多静物具有象征意义。水果常常象征着丰饶与青春，花朵则可能代表短暂的美丽与生命的循环，骷髅头更是传递着对死亡的警示与思考。艺术家通过巧妙的组合，可以构建出丰富的叙事，引发观者对生命、时间、存在等议题的联想。 日常的诗意： 街角的花店，厨房的果篮，书桌上的摆件，这些我们司空见惯的场景，在艺术家的笔下，却能焕发出别样的光彩。本书将鼓励读者在日常生活中发现那些被忽略的美，学会用艺术的眼光去重新审视周遭的世界，体会平凡中的不平凡。 静物的历史回响： 古典静物中的秩序与宏大： 从古代壁画中的祭祀贡品，到文艺复兴时期对自然万物的细致描摹，静物画逐渐发展出独立的艺术门类。巴洛克时期的静物，常常以丰盛的题材、强烈的戏剧性光影，展现出物质的富足与生命的张力。范特西时期静物画中的“虚空画”（Vanitas），则以骷髅、时钟、烛火等元素，深刻地提醒观者生命的短暂与世俗的虚幻。 印象派与后印象派的色彩革新： 莫奈、雷诺阿等印象派大师，将对光与色的迷恋投射到静物上，画面色彩斑斓，充满生机。塞尚则在静物中探索几何形体与空间关系，为现代艺术奠定了基础。他的苹果，不再仅仅是水果，更是构成画面结构的严谨元素。 现代与当代的多样表达： 20世纪以来，静物画的边界不断拓展。立体主义将物体重构，超现实主义将梦境带入现实，波普艺术将日常消费品融入艺术。当代艺术家则以更加多元的媒介与观念，继续挖掘静物画的潜能，使其成为反映社会变迁与个体情感的载体。 第二章：光影的芭蕾——明暗的叙事 素描的魅力，很大程度上在于它对光影的精准捕捉与巧妙运用。光，是唤醒物体的魔法师，它勾勒出轮廓，塑造出体积，营造出氛围。影，是光的伴侣，它隐藏着神秘，暗示着深度，增强着真实感。本书将深入探讨光影在静物素描中的作用，不仅仅是技术层面的光影关系，更是光影所能传递的情感与故事。 光线的语言： 光源的种类与特性： 自然光与人造光，直射光与散射光，强光与弱光，它们各自带来不同的视觉效果。理解光源的特性，是塑造画面真实感与氛围感的基础。例如，午后的阳光会带来温暖而柔和的光线，而顶部的聚光灯则可能制造出强烈的明暗对比，强调物体的戏剧性。 高光、亮部、灰部、暗部与反光： 这是塑造物体体积感的关键要素。高光是光线最直接的反射点，它锐利而短暂；亮部是受光面中最明亮的区域；灰部是介于亮部与暗部之间的过渡；暗部则是物体背光面或被遮挡的部分，但并非一片漆黑；反光则是物体周围环境光线在暗部产生的微妙反射。准确地刻画这些区域的明暗变化，能够让画面中的物体“站”起来。 体积感与空间感的营造： 光影的变化直接影响着我们对物体体积的感知。明暗对比越强烈，体积感越突出。同时，通过光影的穿透与遮挡，也能有效地表现出物体之间的空间关系，拉开画面的层次。例如，一个被阴影笼罩的物体，会显得更加深邃，而一个被强光照亮的物体，则会显得更加突出。 影子的哲学： 投射影与自影： 投射影是物体在表面形成的影子，它能准确地指示光源的方向和物体的轮廓。自影则是物体自身背光面的阴影，它直接塑造了物体的体积。两者缺一不可，共同构成了物体的完整形态。 环境色与冷暖变化： 影子并非全然是“黑色”，它会受到环境色的影响，呈现出微妙的冷暖变化。例如，在暖色调的环境中，影子的色调可能会偏暖；在冷色调的室内，影子则可能呈现出蓝色或紫色。捕捉这些色彩的微妙变化，能让画面更加生动自然。 氛围与情绪的烘托： 阴影的深浅、明暗的对比，都能有效地烘托画面的氛围。柔和的阴影可以营造出宁静、温馨的氛围；而强烈、深邃的阴影则可能带来神秘、压抑或戏剧性的感觉。艺术家可以通过对光影的控制，来引导观者的情绪。 第三章：形神的对话——轮廓与结构 素描不仅仅是形体的模仿，更是对物象内在结构与生命力的理解与表达。轮廓是物体的外衣，结构是它的骨骼。深刻理解并准确把握物体的轮廓与结构，是构建真实可信的素描形象的关键。本书将带领读者深入研究形体，体悟结构之美。 轮廓的魅力： 外在形态的定义： 轮廓线是物体与背景的分界线，它定义了物体的基本形状。然而，轮廓并非僵硬不变的，它会随着观察角度、光线条件而产生微妙的变化。 动态的观察： 即使是静止的物体，其轮廓也可能蕴含着动态的暗示。例如，一条流畅的曲线，可能传递出柔美与优雅；而一条棱角分明的折线，则可能显得坚毅与力量。学会观察和表现轮廓的“节奏感”，是提升画面表现力的重要途径。 虚实相生的边界： 并非所有的轮廓都需要用实线勾勒。在光影的对比下，有些轮廓会变得模糊，有些甚至消失在阴影中，形成“虚”的效果。而有些地方，由于光线的照射，轮廓会显得格外清晰，形成“实”的效果。虚实相生的处理，能让画面更加富有层次感与真实感。 结构的内在逻辑： 几何形体的基础： 任何复杂物体都可以分解为基本的几何形体，如球体、圆柱体、立方体、圆锥体等。理解这些基本形体的体积特征和透视变化，是准确把握复杂形体的基础。 解剖学的视角（广义）： 这里的“解剖学”并非指人体解剖，而是指对物体内部结构、构成原理的深入理解。例如，一个水果的构成，并非单一实体，而是由果皮、果肉、果核等部分组成，它们之间存在着相互连接和支撑的关系。理解这种内在的逻辑，才能画出具有生命力的形体。 比例与透视的法则： 物体的比例关系和透视变化，直接决定了其在画面中的大小、长短、形状。准确运用比例尺和透视原理，是构建真实空间感和立体感的必要条件。 材质的暗示： 不同的材质，其结构特征也各不相同。光滑的金属表面，其结构变化主要体现在光泽与反射；粗糙的麻布，其结构则体现在肌理与褶皱。通过对结构的刻画，也能间接传达出物体的材质信息。 第四章：触觉的诉说——质感的表达 除了形与光影，质感是赋予静物生命与个性的另一重要维度。光滑的陶瓷、粗糙的麻布、晶莹的玻璃、温润的木头，它们各自拥有独特的触感，也带来不同的视觉体验。本书将探讨如何通过素描的语言，去“触摸”物体的质感，并将其“呈现”在画面上。 细微之处的玄机： 表面肌理的捕捉： 粗糙的表面，如陶土、石头，其肌理通常表现为细小的凹凸不平，需要用细密的笔触或排线来表现。光滑的表面，如金属、玻璃，则主要通过对光泽和反射的处理来体现其光滑感。 透明与半透明的挑战： 玻璃、水晶等透明物体，其描绘的关键在于对内部结构、折射光线以及对背景的“穿透感”的把握。半透明物体，如纸张、薄纱，则需要表现出光线在其内部的散射和晕染。 柔软与硬朗的对比： 柔软的织物，其褶皱的变化是表现其柔软度的关键。硬朗的金属，则需要通过其坚实的轮廓和强烈的反光来表现。 时间与磨损的痕迹： 许多静物都承载着时间的印记。旧物上的划痕、锈迹，水果表面的斑点，都在诉说着它们的故事。捕捉这些细节，能让画面更具真实感和历史感。 笔触与媒介的配合： 铅笔的运用： 不同硬度的铅笔，以及不同的运用方式（如擦、揉、点、划），都能产生丰富的质感表现。硬铅笔适合刻画精细的纹理，软铅笔则适合表现细腻的过渡与柔和的表面。 炭笔的特性： 炭笔具有极强的表现力，其浓重的黑色和细腻的灰色过渡，非常适合表现厚重、粗糙的质感。 其他媒介的联想： 虽然本书以素描为主，但对于质感的理解，也鼓励读者联想其他媒介。例如，油画的厚涂和肌理，水彩的晕染和透明，都能为素描的质感表现提供启发。 第五章：意境的营造——氛围与情感 优秀的素描作品，绝不仅仅是对形体、光影、质感的简单复现，它更是一种情感的传递，一种意境的营造。通过对画面整体的把握，艺术家可以将自己的感受与思考融入其中，引发观者的共鸣。 整体的和谐： 构图的巧思： 画面中物体的摆放、疏密、大小关系，都直接影响着画面的整体视觉效果。好的构图能够引导观者的视线，突出主题，营造出稳定或动感的画面。 黑白灰的乐章： 素描中的黑白灰，并非简单的颜色，它们构成了一首视觉的乐章。深浅、虚实、浓淡的对比与变化，共同谱写出画面的节奏与旋律。 留白的智慧： 画面中的留白，并非“空无”，它同样具有重要的意义。留白可以突出主体，营造呼吸感，引发观者的想象。 情感的共振： 艺术家内心世界的投射： 艺术家在创作过程中，会不自觉地将自己的情感、审美倾向融入画面。有时是对生命的热爱，有时是对时光的感慨，有时是对某种情感的宣泄。 观者的想象空间： 画面中的暗示与留白，为观者提供了想象的空间。观者可以根据自己的经历和感受，去解读画面所传达的信息，与艺术家产生情感上的共振。 超越具象的表达： 优秀的静物素描，能够超越对具体物体的描绘，触及到更深层次的情感与精神世界。它可能引发我们对生活的热爱，对自然的敬畏，对人生的思考。 结语： 《艺海拾贝：形色之间》所倡导的，是一种细致入微的观察，一种深刻的理解，一种富有情感的表达。它希望引导读者，在拿起画笔的瞬间，不仅仅是描摹，更是感悟。在静物的世界里，我们发现光影的舞蹈，聆听形体的低语，触摸质感的诉说，最终，在黑白灰的国度里，找到属于自己对美的理解与表达。这趟艺海拾贝之旅，没有终点，只有不断前行的发现与创造。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了很多意想不到的惊喜，它远不止是一本简单的静物素描练习集。我个人一直觉得素描是绘画的基础，但很多时候，很多素描教程都过于枯燥，缺乏趣味性。而这本书在内容和形式上都有很大的创新。首先，它的内容涵盖的范围很广，不仅有我们常见的静物，还涉及一些更有挑战性的题材，例如一些复杂的器皿、花卉等，作者在处理这些题材时，都有非常独到的见解。其次，它的语言风格非常亲切，就像是一位朋友在和你分享他的绘画心得，而不是生硬的教科书。让我印象深刻的是，书中有很多关于“如何培养画面感”的讨论，这是一种非常抽象但又至关重要的能力，作者通过具体的案例和方法，为我们提供了一个可行的途径。此外，书中还包含了一些关于如何构图、如何安排画面层次的技巧，这对于提升作品的整体表现力非常有帮助。总的来说，这本书让我对素描有了全新的认识，它不仅仅是关于“画得像”，更是关于“如何去感受和表现”。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受就是它提供了一个非常系统且具有指导性的学习路径。对于很多初学者来说，素描最难的地方在于不知道从何下手，或者在学习过程中容易迷失方向。这本书的编排就非常巧妙，它从最基础的线条训练开始，循序渐进地引入光影、结构、透视等核心概念。我特别欣赏的是它对“观察”的强调，作者反复强调要学会“看”，要去理解物体的内在结构和外在形态是如何相互作用的。书中的案例非常丰富，从简单的几何体到复杂的静物组合，都进行了详细的讲解。更重要的是，它不仅仅展示了最终的 완성品，还包含了大量的绘制过程图，一步步揭示了从草稿到最终效果的演变过程，这对于我理解绘制的逻辑非常有帮助。另外，书中还穿插了一些关于艺术史和大师作品的介绍，虽然不是直接的素描技法，但却能极大地拓宽我们的视野，激发我们的学习兴趣。这种将技法与理论、实践相结合的方式，让我觉得这本书的价值远超一本单纯的素描教材。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我眼前一亮的静物素描教程。当我拿到它的时候，就被它装帧的质感和内容的充实感所吸引。首先，它在基础知识的讲解上非常细致，从最基本的笔触运用、明暗关系的处理，到如何观察和表现物体的形体结构，都做了非常深入的剖析。我尤其喜欢它对不同材质的描绘技巧的讲解，比如玻璃的通透感、金属的光泽感、布料的褶皱质感，都通过大量的实例和清晰的步骤图进行了展示，让我对如何准确地捕捉这些细节有了更深刻的理解。书中不仅提供了大量的范图，而且这些范图的风格多样，涵盖了写实、写意等不同方向，让我在学习过程中能够接触到更广阔的艺术视野。同时，作者在讲解过程中，并没有一味地灌输理论，而是穿插了很多实用的练习建议，引导读者动手去尝试，去发现问题，并找到解决的方法。这种实践导向的学习方式，让我觉得非常有价值。总的来说，这本书不仅仅是一本简单的技法书，更像是一位经验丰富的老师，在耐心地引导我一步步走向专业。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书在静物素描的学习上，提供了一种非常实用且易于理解的方法论。作为一名对绘画有着浓厚兴趣但又缺乏系统指导的学习者，我常常在面对复杂的静物时感到无从下手。这本书的出现，恰好解决了我的困扰。它在讲解过程中，非常注重逻辑性，将复杂的绘画过程分解成一个个小的、易于掌握的步骤。我特别喜欢它对“虚实结合”的处理技巧的阐述，作者通过大量的图例，清晰地展示了如何在画面中运用虚实关系来突出主体，营造空间感。此外，书中对于不同光线条件下静物表现的分析也十分到位，例如在逆光、侧光等环境下，如何准确地抓住物体的轮廓和明暗变化，都给出了详细的指导。我个人还注意到，书中也包含了一些关于色彩在黑白素描中的运用技巧的探讨，这让我意识到，即使是素描，也并非完全脱离色彩的思维。总而言之，这本书提供了一个非常扎实的学习框架，让我在素描的道路上少走了很多弯路。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深的印象是它对于“绘画思维”的培养。很多人学习素描，只是停留在模仿和技巧的层面，但这本书则更进一步，它引导读者去思考“为什么”要这样画，去理解画面背后所蕴含的逻辑。我喜欢它对“观察角度”的探讨，作者通过对比不同角度的观察方式，让我们理解到，同一个物体，在不同的视角下，会呈现出完全不同的形态和关系，而学会选择最佳的观察角度，是创作出优秀作品的关键。书中还提供了很多关于“画面情绪”的营造方法的指导，这让我意识到，素描不仅仅是技术的展现，更是一种情感的表达。作者通过分析不同笔触、不同明暗处理所带来的画面感觉，为我们打开了新的思路。而且，书中包含的范例，不仅技法精湛，而且富有创意，这极大地激发了我尝试不同风格和表现手法的热情。总的来说，这本书是一本能够真正提升绘画“内功”的书，它让我从一个单纯的学习者，逐渐成长为一个有自己思考和表达的创作者。