车尔尼740 大字版车尔尼钢琴手指灵巧练习曲作品740正版 上海教育出版社 初学入门钢琴曲集教程 江 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544424554

商品编码：29866873545

丛书名： 车尔尼钢琴手指灵巧练习曲 作品740

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750），德国作曲家、管风琴家。他擅长用严密工整的复调形式来表现人们丰富的内心世界，是键盘乐器艺术史上里程碑式的人物。《初级钢琴曲集》（安娜?玛格达勒纳的笔记本）、《小前奏曲与赋格》和《创意曲》成为近三百年来不可或缺的钢琴基础复调教本。 车尔尼（Karl Czerny，1791.1857），奥地利钢琴教育家、演奏家、作曲家。他是伟大音乐家贝多芬的学生，又是作曲家、钢琴家李斯特的老师。其一生在教学、演奏实践中总结了许多极其宝贵的训练经验，编写了逾百种练习曲。在近二百年漫长的岁月中，这些练习曲几乎成为世界各国每个钢琴学习者必练的教本！其中使用多的当数《钢琴初级练习曲》（作品599）、《钢琴流畅练习曲》（作品849）、《钢琴快速练习曲》（作品299）和《钢琴手指灵巧练习曲》（作品740）了，就其训练的规范性、科学性和有效性，至今还令人叹服。 拜厄（Ferd Beyer，1803—1863），德国作曲家。他写过很多沙龙乐曲、钢琴改编曲和练习曲。其《钢琴基础教程》（作品101）长期被用作入门教材，久盛不衰。 哈农 （Charles Louis Hanon，1819-1900），法国作曲家、管风琴家、音乐教育家。他作有多种钢琴练习曲、教材和论著。其中《钢琴练指法》历经百余年而仍被广泛运用。 上述作品，已成为钢琴基础练习的常见组合教材。 改革开放三十年来，“钢琴热”持续升温，中国钢琴家在世界乐坛频频夺魁。随着人民生活水平的提高和科技的发展，学钢琴的人更多、面更广。从三四岁学龄前儿童，到正在学习、工作的青壮年，直至退休的老人，都在孜孜不倦地弹着，练着。有的想成为音乐家，有的想加强修养，有的为益智，有的为健康，有的为娱乐……各出版社也纷纷出版大量琴谱，仅上述的常见组合教材就有多种版本，他们都为促进钢琴事业发展做了大量工作。 新成立的“世纪音乐”本着“适合中国国情”、“以人为本”的宗旨，要求在原有的基础上继续改进。经过反复磋商、研究，推出系列新版本。其主要优点是： 一、关注视力健康一般琴谱的符头偏小，排列过密，纸张较薄、过白、易透。低龄儿童的视力尚未发育健全，成年人也有颇多近视、老花、眼疲劳的情况。这次特将符头适度放大、拉宽，挑选更为合适的纸张，印得更为清晰，对保护儿童视力，减轻特别是老人的用眼负担很有好处。其实，让人看谱轻松点，增加舒适度，对提高兴趣、效率也有裨益。 二、适应手的条件中国人的手相对较小，中国儿童学琴起始年龄一般比欧美早2—3岁，学琴者又以女性居多，所以新版本将跨度较大的指法做了些调整。这样，可以让中国的大部分学琴者弹得顺手，而手大者的训练要求仍用括号保留。 三、力求合理正确将一些表情符号和分句根据数个版本做了些处理，对乐谱中的个别错音予以订正。 很高兴“世纪音乐”约请我为上述钢琴基础练习的常见组合教材做审订工作，我即根据了解的情况并结合自己多年演奏、教学的体会，做了如上改进。在此，我恳切地希望得到专家和朋友们的支持与帮助，让新版本日臻完善。

 

精选西方音乐史概论：从巴洛克到二十世纪的流变与思想 （一本旨在拓展视野、深化理解、而非侧重技巧训练的音乐读物） 导言：聆听历史的回响 本书并非传统的乐理教材或演奏技巧指南，而是一部旨在引导读者深入理解西方音乐在漫长历史进程中如何发展、演变及其背后文化与社会思潮的学术性普及读物。我们试图跳脱出单纯的乐谱分析，转而关注音乐家、作品、流派与时代精神之间的复杂互动关系。本书将音乐史视为一幅宏大的文化图景，每一部重要的作品、每一次风格的转向，都映照着人类思想、哲学乃至政治环境的深刻变迁。 本册聚焦于一个跨度极大的时间段——从巴洛克早期奠定西方音乐基本框架，至20世纪初对传统调性体系的颠覆与探索。我们相信，要真正“听懂”一部音乐作品，必须先了解它诞生的土壤。 --- 第一部分：秩序与激情的交织——巴洛克时期（约1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满戏剧性与结构感的时代。在这一部分，我们将细致梳理这一时期的核心特征，如对位法的精妙运用、固定低音（Basso Continuo）的支撑作用，以及“情感理论”（Doctrine of Affections）指导下的音乐修辞。 1. 歌剧的诞生与早期发展： 我们将探讨蒙特威尔第的《奥尔费奥》如何标志着歌剧作为一种独立戏剧形式的成熟，分析“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的结构差异及其在戏剧表达中的功能。重点分析意大利“美声唱法”（Bel Canto）的早期样态。 2. 器乐的独立与体裁的奠定： 本章将深入解析协奏曲（Concerto）体裁的形成，特别是维瓦尔第在《四季》中对“标题音乐”的开创性贡献。此外，对奏鸣曲（Sonata）——包括教会奏鸣曲（Sonata da Chiesa）和室奏鸣曲（Sonata da Camera）的结构特征进行对比分析。 3. 晚期巴洛克的巅峰——宏大叙事与精微结构： 我们给予巴赫和亨德尔足够的篇幅。对于巴赫，重点不在于其键盘练习，而是其对位法的集大成者——《平均律键盘曲集》中如何系统地探索了十二平均律的潜力，以及《马太受难曲》中宗教情感的深度挖掘。对于亨德尔，则关注其在英格兰发展出的清唱剧（Oratorio）如何影响了后世的合唱音乐。 --- 第二部分：清晰、平衡与人性的回归——古典主义时期（约1750-1820） 随着启蒙运动思想的兴起，音乐审美开始转向对清晰性、比例感和普适性情感的追求。这一时期的音乐，如同古希腊雕塑般追求完美的形式。 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化： 本节是理解古典主义音乐的基石。我们将详述呈示部、发展部和再现部的内在逻辑和戏剧冲突，分析海顿如何通过对呈示部主题的巧妙处理，确立了这一结构在交响曲和奏鸣曲中的核心地位。 2. 乐队编制的成熟与交响乐的兴盛： 分析交响乐团在海顿和莫扎特手中如何从小型宫廷乐队发展成为拥有标准弦乐组、木管组和铜管组的成熟机构。特别剖析莫扎特晚期三部交响曲（第39、40、41号）中情感的复杂性和配器的精妙之处。 3. 维也纳古典乐派的终结与过渡： 贝多芬被置于一个关键的十字路口。我们探讨他如何继承古典主义的形式，同时又开始注入前所未有的个人英雄主义与浪漫色彩。重点分析其中期作品中对传统调性关系和篇幅的扩展，预示着浪漫主义的到来。 --- 第三部分：情感的洪流与个性的彰显——浪漫主义时期（约1820-1900） 浪漫主义音乐是对古典主义理性与克制的反动。本部分探讨音乐如何成为表达个人内心世界、探索民族精神、甚至介入文学和哲学的媒介。 1. 艺术歌曲（Lied）的兴起与文学性： 舒伯特和舒曼如何利用钢琴伴奏的丰富内涵，将诗歌的意境提升到与人声同等重要的地位。分析“循环往复的动机”（Cyclicism）在叙事性艺术歌曲中的应用。 2. 民族主义音乐的觉醒： 探讨在欧洲民族意识高涨的背景下，捷克（德沃夏克、斯美塔那）、俄罗斯（“五人强力集团”）以及北欧（格里格、西贝柳斯）作曲家如何从民间音乐和本土神话中汲取灵感，构建独特的音乐语言。 3. 晚期浪漫主义的“巨型化”与主观色彩： 本章将分析瓦格纳对“主导动机”（Leitmotif）的革命性使用，及其对歌剧结构和和声语言的颠覆性影响。同时，探讨布拉姆斯如何在继承古典形式的框架下，融入深沉的内省情感，以及马勒交响曲中对无限空间感的追求。 --- 第四部分：边界的试探与风格的破碎——二十世纪初的探索（约1900-1945） 20世纪初是西方音乐史上最动荡、最具实验性的时期之一。传统调性体系遭遇了前所未有的危机，作曲家们开始系统性地寻找新的组织原则。 1. 印象主义与象征主义的听觉转换： 德彪西和拉威尔如何通过模糊的和声色彩、对传统调式（如全音阶、五声音阶）的运用，营造出绘画般流动的音响景观，试图捕捉瞬间的印象而非宏大的结构。 2. 表现主义与无调性（Atonality）： 重点分析荀伯格在“情感爆发”的驱使下，如何系统地放弃传统调性中心，进入自由无调性阶段。随后，解析其发明的“十二音序列技法”（Twelve-Tone Technique）——这是一种旨在用全新逻辑组织音高的严密系统。 3. 对原始力量的回归与新古典主义的倾向： 斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其不协和音、复杂节奏和对原始冲动的描绘，成为现代音乐的里程碑。最后，简要介绍新古典主义（Neoclassicism）在两次世界大战期间，对18世纪音乐清晰度与平衡感的“回望”。 --- 结语：听觉的未来 本书的最后，我们总结了20世纪初的这些探索如何为战后的音乐发展，无论是序列主义、随机音乐还是电子音乐，铺设了不可或缺的理论与美学基础。本书旨在提供一个广阔的视角，让读者认识到，音乐的历史是一部永不停止的、关于人类如何组织声音以表达世界的历史。每一次“技巧”的突破，背后都是“思想”的革命。

评分☆☆☆☆☆

我最近在寻找一些能系统提升我基础演奏技巧的教材，读了这本书后，感觉它在结构编排上真是下足了功夫。它的内容层层递进，没有那种突兀的难度跨越，而是非常科学地引导学习者从最基础的指法运动开始，逐步过渡到更复杂的技巧组合。尤其是一些专门针对弱指力量和独立性的练习，编排得非常巧妙，不是简单地重复枯燥的音阶，而是融入了富有音乐性的旋律片段，让练习过程不再那么乏味。对于我这种希望打好扎实基本功的成年自学者来说，这种循序渐进的安排简直是福音。它就像一位经验丰富、极富耐心的老师，时刻在你身边指导，确保你每一步都走得稳健而踏实，而不是盲目地追求速度和难度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，色彩搭配既典雅又不失活力，初次拿到手就让人感到愉悦。装帧质量也相当不错，纸张的厚度适中，手感温润，长时间翻阅也不会有廉价感。更值得称赞的是，出版社在细节处理上非常用心，书脊的装订牢固，页码清晰易寻，即使是经常使用的乐谱，也能保持良好的平整度。这无疑为学习过程增添了一份仪式感，让人更愿意拿起它投入到练习之中。从内页的印刷质量来看，字体的排布和音符的清晰度都达到了专业水准，即便是对视力要求较高的初学者，也能轻松辨认每一个细节，这在很大程度上降低了阅读乐谱的难度，避免了因看不清而产生的挫败感。整体而言，从视觉到触觉，这本书都传递出一种“精品”的信号，让人对内容充满期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版逻辑简直是为现代学习者量身定做的，它的篇幅控制得非常好，既保证了内容量，又没有造成视觉上的拥挤感。我特别喜欢它在每个练习前加入的简短说明文字，虽然文字不多，但寥寥数语却精准地指出了该练习的核心目标和需要注意的演奏要点。这比那些只有音符而无任何提示的传统教材要高效得多。此外，书中的一些附加提示，比如关于触键的力度控制和时值的准确性，都体现了编者对钢琴演奏精髓的深刻理解。这些细微的指导，对于提升演奏的音乐表现力至关重要，它教会的不仅仅是“怎么弹”，更是“如何把音符弹得更好听”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上很多钢琴教程都倾向于堆砌大量的技术练习，往往让学习者感到疲惫不堪，而这本书在这一点上做得非常出色，它在技术训练和音乐性之间找到了一个极佳的平衡点。虽然它是一本以“灵巧练习”为主的教材，但其中的曲目选择并未完全陷入纯粹的机械运动。很多练习曲的旋律本身就带有一定的歌唱性或节奏趣味，这使得我们在进行技术操练的同时，也能保持对音乐的敏感度。这种“寓教于乐”的设计，极大地激发了我持续练习的内在动力，让我不再将每一次练习都视为一种负担，而是将其视为探索音乐表达的可能性。

评分☆☆☆☆☆

作为一本基础教程，它对于不同练习的重复次数和练习建议也给出了明确的指导，这一点对于时间管理有限的工薪族学习者来说极其宝贵。我不需要花费额外时间去猜测“我应该弹多少遍才算合格”，书中的建议非常具有操作性，既保证了训练的充分性，又避免了过度训练导致的疲劳。而且，这本书的装帧设计让它可以很平稳地放置在琴架上，即便在快速练习时，翻页也显得轻巧自如，不会出现页码滑落或书本闭合的情况，这种小小的便利，在长时间的专注练习中积累起来，便成了巨大的优势。它真正做到了体贴用户的使用习惯。