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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115229199

商品编码：29866931866

丛书名： 现代音乐人编曲手册

出版时间：2010-07-01

巨牛图书专营店

作者简介

作者：（美国）皮耶若罗（Andrea Pejrolo） （美国）德罗萨（Richard DeRosa） 译者：夏田 刘捷 合著者：黄英侠

皮耶若罗(Andrea Pejrolo)，是一位音乐技术教授。同时也是MIDI编程员、声音设计师、作曲家，编曲家，并且还是一名爵士原声贝司和电贝司手，目前在伯克利音乐学院和新英格兰艺术学院任教。他曾经合作过的团体和个人包括纽约林肯中心、唐·西比斯基、联合国和美国广播公司。

德罗萨(Richard DeRosa)，是一位作曲家、编曲家、管弦乐配器家，同时也是威廉帕特森大学和茱莉亚音乐学院的教授。他的编曲曾由温顿·马沙利和林肯中心、梅尔·路易斯、杰瑞·穆勒根和葛伦·米勒大乐队等演奏录音。他已经为多部电视作品创作过原创音乐，包括《导引之光》、《另一个世界》和《世界颠覆日》等。

 

编辑推荐

《现代音乐人编曲手册:传统管弦乐配器和MIDI音序制作指南》：
一本为录音棚乐队作曲和音译制作而作的实用指南
为现代录音棚乐队的音乐制作而进行传统乐队和MIDI乐队的配器法技巧的学习。
进行专业制作的完整创作过程：从总谱到终完成混音的线带。
随书附赠光盘中包含127个音频示例，可直接打印的图片和总谱，软件及试用版软件。
随书附赠光盘中包括：IK-Multimedia、Arturia、Bandmateloops等公司的软件及试用版软件。
DVD包含127个音频示例，可直接打印的158张图片和33张总谱。

《音乐制作与声音设计：从基础理论到高级应用》 第一部分：音乐理论与听觉训练的基石 第一章：西方音乐理论核心概念解析 本章深入探讨了西方音乐体系的基本构成要素，旨在为读者建立坚实的理论基础。我们将详细剖析音高（Pitch）的物理学原理与感知差异，区分半音、全音的结构关系。音程（Interval）的精确计算与听觉辨识是本章的重点，涵盖了从纯一度到八度的所有音程类型及其在和声中的功能。 音阶（Scales）是旋律的骨架。本章不仅系统梳理了自然音阶（如大调、小调的七种调式），还对布鲁斯音阶、五声音阶等特殊音阶进行了深入分析，讲解了它们在不同音乐风格中的应用惯例。 和弦（Chords）的构成与功能是音乐的血肉。我们从三和弦开始，讲解大小三和弦、增三和弦、减三和弦的构建方法和听觉特征。在此基础上，进一步扩展到七和弦（包括属七、大七、小七等）的复杂性和色彩变化。特别辟出一节，专门讲解功能和声学（Tonic, Dominant, Subdominant）的运作逻辑，这是理解传统和声进行的关键。 第二章：听觉训练与节奏感知 高效的音乐制作离不开敏锐的耳朵。本章侧重于提升读者的听觉辨识能力。听辨训练模块涵盖了音程听写、和弦性质识别（大/小/增/减）以及复杂和弦连接的快速反应训练。 节奏学方面，我们详尽阐述了拍号（Time Signature）的意义，从常见的4/4、3/4到复杂的复合拍号（如7/8、11/8）。复节奏（Polyrhythm）和复拍性（Polymeter）的理论基础被清晰地呈现，并辅以实例演示如何准确地感知和划分这些复杂的节奏结构。对律动（Groove）的心理学分析，探讨了重音（Accent）和推拉拍（Push/Pull）如何塑造音乐的能量感。 第二部分：数字音频工作站（DAW）与录音技术 第三章：DAW环境搭建与工作流程优化 本章聚焦于现代数字音频工作站（如Pro Tools, Logic Pro X, Ableton Live等主流软件）的深入应用。我们首先讲解了音频接口（Audio Interface）的选择标准、驱动程序设置与延迟（Latency）的最小化策略。 工程管理是高效制作的保证。本章详细指导用户如何设置项目采样率（Sample Rate）和位深（Bit Depth），理解它们对音质和文件大小的影响。工程文件的组织、备份策略以及多轨录音的同步技术是实操环节的重点。 MIDI协议的底层逻辑在本章得到全面揭示。除了基本的音符数据传输外，我们深入探讨了弯音轮（Pitch Bend）、调制轮（Modulation）、力度（Velocity）等控制信号的精细化编辑，以及使用表情控制器（Expression Controllers）实现人性化演奏的关键技巧。 第四章：麦克风技术与高品质录音实践 录音的质量取决于前端的捕捉技术。本章系统介绍了各类麦克风的原理、特性与适用场景。动圈麦克风、电容麦克风（大振膜与小振膜）以及铝带麦克风的内部结构、指向性（Cardioid, Figure-8, Omni）的选取原则被详细阐述。 收音（Miking）技术是本章的核心实践内容。针对人声、原声乐器（如吉他、钢琴、鼓组）的不同音色需求，我们提供了多种经典的拾音布局，例如A/B立体声、X/Y、ORTF等立体声录音技术的原理和摆位技巧。房间声学对录音效果的影响被重点提及，并提供了初级房间处理和声学缺陷弥补方案。 第三部分：声音设计与效果器应用 第五章：合成器原理与声音塑形 本章是关于电子音色创造的深度指南。我们从最基础的波形生成开始，详细解析了减法合成（Subtractive Synthesis）、加法合成（Additive Synthesis）、频率调制合成（FM Synthesis）和波表合成（Wavetable Synthesis）的工作机制。 振荡器（Oscillator）、滤波器（Filter，包括LPF, HPF, BPF及其截止频率控制）、包络（Envelope Generator，ADSR）和低频振荡器（LFO）是塑形声音的四大核心模块，本章将通过具体的参数组合示例，指导读者从零开始设计出具有特定音色特征的声音（如贝斯、Lead、Pad）。 第六章：效果器链的构建与空间化处理 混音工程中，效果器是赋予声音生命力的工具。本章首先区分了动态处理（Dynamics Processors）和时间/调制效果器。 动态处理部分聚焦于压缩器（Compressor）的参数解读（Threshold, Ratio, Attack, Release），并解释了它们在控制动态范围和增加冲击力方面的差异。门限（Gate）和扩展器（Expander）的应用场景被清晰界定。 时间效果器方面，混响（Reverb）的种类（Room, Plate, Hall, Spring）及其衰减时间、扩散度等参数对空间感营造的影响被详尽分析。延迟（Delay）和合唱（Chorus）、镶边（Flanger）等调制效果器如何用于增加音色的宽度和运动感，也有大量的实例演示。本章强调了效果器链的顺序对最终声音的影响，并教授如何使用并行处理（Parallel Processing）技术来保持原始信号的清晰度。 第四部分：混音、母带与音乐风格分析 第七章：多轨混音的艺术与科学 混音是将各个独立音轨融合成一个连贯作品的过程。本章遵循一套系统化的混音流程：平衡（Gain Staging）的建立、声像（Panning）的布局以及频率管理的实施。 均衡器（EQ）的使用不再是简单地“切掉”或“提升”频率，而是侧重于“空间定位”和“音色雕刻”。本章教授如何使用匹配EQ（Matching EQ）和动态EQ来解决频率冲突。 高级混音技巧如侧链压缩（Sidechain Compression）在低音与底鼓之间的相互作用、发送与返回（Send/Return）总线的组织，以及自动化（Automation）在动态和声像变化中的关键作用，都将通过实际案例进行讲解。 第八章：母带处理与最终呈现 母带（Mastering）是作品上市前的最后一道工序，涉及听感优化和电平标准化。本章详细介绍了母带链的构成：从首尾的EQ和压缩，到限制器（Limiter）的应用。 关键概念如响度标准（Loudness Standards，如LUFS）、峰值控制（Peak Limiting）和立体声宽度（Stereo Width）的调整被放在核心位置讨论。本章旨在让读者理解，母带处理是在不改变混音本质的前提下，提升作品的商业竞争力和跨平台播放一致性的技术。 第九章：风格化声音的解析与实践 本章从音乐史和技术角度，解构不同音乐风格背后的声音设计和混音哲学。我们将分析摇滚乐鼓的强劲冲击力是如何通过多麦克风技术和并行压缩实现的；探讨电子舞曲（EDM）中超低音（Sub-Bass）的有效处理方法；以及民谣音乐中人声的温暖质感是如何通过特定的温暖EQ和模拟饱和度插件达成的。通过案例分析，读者将学会如何有针对性地调整自己的制作流程，以匹配特定的音乐审美要求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人眼球，那种深沉的蓝色调配上醒目的白色字体，立刻就能让人感觉到它不是那种浮于表面的轻薄读物，而是真正想深入探讨音乐制作的干货。我拿到手的时候，首先就被它厚实的质感所震撼，拿到手里沉甸甸的感觉，让人对内容充满了期待。尤其是那个“附DVD”的标记，在现在这个时代，实物资料的价值愈发凸显，光是这一点就足以让很多习惯了纯在线学习的同行们眼前一亮。我个人非常看重实践操作与理论知识的结合，这种实体附赠多媒体材料的方式，简直是为我这种动手能力强的人量身定做的。我希望里面的案例和范例能足够贴近当下流行的音乐风格，而不是沉溺于过时的技术。如果里面的配器示例能够涵盖从古典到电子乐的广泛领域，哪怕只是一个跨界的尝试，都会极大地拓展我的视野。我对现代音乐制作的理解，很大程度上依赖于清晰、直观的视听辅助，所以那个DVD的质量和内容广度，将直接决定这本书的实用价值在我心中的地位。我已经迫不及待想知道它在音色设计和混音流程上的独到见解了。

评分☆☆☆☆☆

我关注的重点在于其理论体系的自洽性与前沿性。音乐理论是在不断发展的，尤其是在电子音乐和采样技术爆炸的今天，传统的“对位法”或“功能和声”的边界正在被不断拓宽。我希望这本书在讲解和声进行或旋律构建时，能够清晰地区分出“必须遵守的规则”和“可以打破的惯例”。例如，当涉及到现代R&B或Trap音乐中的和声色彩时，传统的七和弦、九和弦的用法是否还有效？作者是如何解释那些看似“错误”的音程在现代音乐中产生的张力和美感？更进一步地，如果它能触及一些关于情绪设计和音乐叙事（Storytelling in Music）的心理学层面，那就太棒了。毕竟，一个好的编曲不仅仅是音符的堆砌，更是情感的传递。如果这本书能提供一套系统的、可操作的情绪蓝图，指导我们在不同段落（Verse, Chorus, Bridge）如何通过配器、节奏和动态变化来推动听众的情绪体验，我会毫不犹豫地把它列为我的核心参考书。

评分☆☆☆☆☆

从读者的角度来看，内容的易读性和资源的可用性是衡量一本工具书是否成功的关键要素。如果这本书的排版过于密集，充满了难以理解的术语堆砌，而没有清晰的图示或流程图来辅助理解，那么它很快就会被我束之高阁。我更偏爱那种结构清晰、逻辑严密的讲解方式，比如使用对比鲜明的表格来总结不同乐器组的音域和特点，或者用流程图来展示从采样选择到最终渲染的每一步决策点。另外，关于附带的DVD，我非常关注其内容的实用性是否与书本文字内容紧密对应。如果书里讲到了一个复杂的合成器预设的构建过程，DVD里最好能直接提供这个预设文件，或者至少有一个完整、无剪辑的录屏演示。这种无缝衔接的学习体验，才能真正帮助我把学到的知识快速转化为实际的音频文件，而不是仅仅停留在脑海中的想象阶段。只有当理论、实践和配套资源三者完美合一时，这本书才能真正成为我工作台上的常客。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经摸索了几年编曲实践的爱好者，我深知市面上很多教程往往停留在“教你怎么点鼠标”的层面，而真正的瓶颈在于“该点哪个鼠标”的决策艺术上。这本书的标题里“现代音乐人”这个定语让我警觉起来，这暗示了它可能不会仅仅停留在基础操作层面，而是会触及到音乐产业对创作者的实际要求。我最想了解的是，在“编曲教程”这个大框架下，作者是如何定义现代音乐人的核心竞争力。是速度？是创意？还是对市场趋势的敏锐嗅觉？我希望能看到一些关于如何快速建立Demo、如何高效地进行版本迭代，以及如何从一个模糊的概念迅速转化为一个具有商业潜力的编曲结构的实战经验分享。如果它能提供一些“少有人知”的工作流小技巧，比如特定DAW的高效快捷键组合，或者在项目管理中避免“拖延症”的策略，那这本书的价值将远超一份单纯的技术手册，而更像是一位资深制作人的私人指导。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对“传统管弦乐配器”和“MIDI音序制作”能被放在同一本书里讲解，抱持着一种既好奇又略带怀疑的态度。这两种领域的要求和思维逻辑截然不同，前者需要深厚的和声学基础和对乐器音色的历史性理解，后者则更依赖于数字音频工作站（DAW）的操作逻辑和声音合成的前沿技术。这本书如果能成功地架起这两者之间的桥梁，那就是一件了不起的成就。我特别期待看到作者是如何处理这种跨越时空的教学方法的。例如，书中是否提到了如何用现代合成器模仿或“欺骗”出真实管弦乐的动态和颗粒感？又或者，反过来，如何将一些复杂的MIDI编写思路融入到更严谨的交响乐结构中去？如果它只是简单地把两部分内容拼凑在一起，那这本书的价值就会大打折扣，因为它无法提供真正的融合之道。我更倾向于看到一种辩证的视角，即如何利用最新的技术手段去更好地服务于那些经典的声音美学，而不是让技术成为束缚。