正版铃木小提琴教材钢琴伴奏谱7-8册书籍 初学入门小提琴教程

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店铺: 海源阁图书专营店
出版社: 人民音乐出版社
ISBN:9787103035955
商品编码:29867274630
丛书名: 铃木小提琴教材(钢琴伴奏谱)(第7-8册)
开本:38开
出版时间:2009-06-01

具体描述

目录

第七册
小步舞曲——选自《D小调弦乐四重奏》(K.421)
库朗特舞曲
第 I 奏鸣曲
第 I 协奏曲
快板
第八册
G小调奏鸣曲
铃鼓舞曲
广板
快板
有表情的广板
奏鸣曲

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《世界经典小提琴作品精选与演奏技法解析》 卷首语:跨越时代的声音与指尖的哲学 本书旨在为已掌握基础演奏技巧,并渴望深入探索小提琴艺术精髓的进阶学习者,提供一套系统、深入且富含人文关怀的专业学习资料。我们深知,真正的音乐学习不仅是对音符的精确还原,更是对作曲家精神世界的理解与再创造。本书将引导读者跳出基础教材的框架,直面小提琴文献的宏伟殿堂,从巴洛克时代的严谨对位,到浪漫主义时期的激情抒发,再到二十世纪现代主义的色彩探索,进行一次全面的音乐之旅。 第一部分:西方小提琴音乐史的纵深梳理 本部分聚焦于小提琴曲目发展的主线,并非单纯的年代罗列,而是深入探讨特定历史时期对演奏技术和音乐风格提出的独特要求。 第一章:巴洛克与古典主义的奠基(1600-1800) 科雷利与维瓦尔第的“宣言”: 详细分析《奏鸣曲》与《协奏曲》中对清晰度、节奏的精确控制,以及早期揉弦技巧的运用。重点解析奏鸣曲中“即兴装饰”的传统处理方式,区别于现代作品中完全依赖乐谱的演奏模式。 莫扎特与海顿的“平衡之美”: 探讨古典主义时期对音色均匀性、弓法“歌唱性”的极致追求。书中附录了对莫扎特D大调K.314等作品中,连弓、分弓技法在不同乐章中的精确运用示例,强调“清晰的线条”与“平衡的力度对比”。 奏鸣曲式的结构解析: 深入讲解古典奏鸣曲的呈示部、展开部、再现部的结构逻辑,以及如何通过速度、音色变化来突出主题的发展与冲突。 第二章:浪漫主义的激情与炫技(1800-1910) 帕格尼尼的“技术神话”与实用性转化: 摒弃对“魔鬼”式技巧的盲目崇拜,转而系统解析其在双音、轮指、泛音等高难度技巧背后的科学原理。特别辟出章节讲解如何将帕格尼尼练习曲(如24首随想曲)中的技术元素,融入到浪漫主义协奏曲的演奏中,实现技术与音乐性的完美统一。 勃拉姆斯与门德尔松的深度对话: 剖析勃拉姆斯作品中复杂的内声部处理与和声色彩的把握。重点分析其奏鸣曲中“室内乐精神”的体现,强调小提琴声部如何与钢琴在对话中保持独立性,而非仅仅依附。门德尔松的线条流动性则侧重于弓法的连贯性与“呼吸感”的塑造。 奏鸣曲与协奏曲的体裁区分: 深入探讨浪漫主义时期,协奏曲如何从炫技工具演变为个人情感的宏大叙事,对演奏者在体力分配和情感层次上的要求。 第二章:二十世纪的语汇变革与演奏的新疆域 印象主义的音色探索(德彪西、拉威尔): 讲解如何通过对指板不同位置的精准把握,以及极轻柔的弓弦接触,来营造“朦胧”或“色彩斑斓”的音响效果,这是基础教材中极少涉及的领域。 现代主义的挑战(斯特拉文斯基、巴托克): 探讨不协和音程、非传统节奏型(如复合拍号的自然化处理)以及“噪音元素”在音乐中的合理性。提供如何用克制而精准的方式处理这些尖锐乐句的指导。 扩充技巧的应用: 系统介绍自然泛音、人工泛音在高难度曲目中的实际应用,以及对无指位演奏(Non-Vibrato)的精确控制,以适应现代作品对音色纯净度的特殊要求。 第二部分:核心曲目演奏技法深度剖析 本部分精选了不同时期最具代表性的协奏曲与奏鸣曲,进行近乎“手术刀式”的分析,这些曲目均超越了初学入门教材的范围。 第三章:协奏曲的“舞台语言” 贝多芬D大调协奏曲(Op. 61): 聚焦第一乐章的再现部处理,探讨“沉思性”与“英雄性”的张力平衡。重点分析中提琴声部对小提琴主旋律的烘托作用,以及如何处理大幅度的换把。 柴可夫斯基b小调协奏曲(Op. 35): 详细解析第三乐章回旋曲中那极具俄罗斯民族色彩的跳弓与快速跑动。提供针对性练习,确保在高速运动中,每个音符的力度和清晰度不受影响。 巴赫协奏曲(E大调 BWV 1042): 侧重于巴洛克协奏曲的“对话性”,强调乐队与独奏者之间声部的清晰分离,以及对乐句呼吸的“无缝衔接”。 第四章:奏鸣曲的“室内乐对话” 贝多芬的五部奏鸣曲精选: 对比分析“春天”的明快与“克鲁采”的力度冲突。强调钢琴与小提琴之间的“平等对话”,尤其是在和声进行中的相互呼应。 勃拉姆斯奏鸣曲(如F大调 Op. 78): 深度解读其慢乐章中那深沉的、近乎人声咏叹的旋律线,以及如何通过细微的音高调整(Pitch Micro-adjustment)来增强情感的深度。 第三部分:演奏者的自我雕琢与艺术思维 第五章:精进的运弓哲学 弓法的“光谱”: 重新定义“快弓”、“慢弓”。探讨如何通过改变弓子的触弦点(靠近琴码与靠近指板)、触弦角度(倾斜度)来瞬时改变音色,实现从“钢针般锐利”到“天鹅绒般柔和”的过渡。 连弓的呼吸艺术: 超越基础教材中对“一弓拉完”的要求,讲解在长句中如何通过弓根、中部、弓尖三个区域的性能差异,来设计弓子的速度曲线,赋予乐句真正的“生命起伏”。 第六章:手指的精确性与身体的协调 进阶换把技巧: 系统梳理位置换把、跳把、以及与揉弦同时进行的换把训练。提供针对性练习,以消除换把时的“粘滞感”或“不确定性”。 揉弦的多维度表达: 分析不同作曲家对揉弦速度与宽度的偏好。例如,如何使用窄而快的揉弦来表现帕格尼尼的紧张感,以及如何使用宽而慢的揉弦来烘托浪漫主义的宽广情感。 结语:走向演奏会的准备 本书最终目标是帮助学习者完成从“会拉琴”到“会表演”的质变。最后章节将提供关于音乐记忆策略、舞台形象管理,以及如何准备一场正式独奏音乐会的实用建议,确保演奏者能将所有技术与理解,凝聚于舞台之上,完成一次完整而动人的艺术呈现。

用户评价

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我是一个成年后才开始学琴的“大龄学员”,深知自学不易,最大的障碍就是没有一个好的“路标”。这套教材的结构简直就是为我量身定做的!它的进度设置得非常人性化,不会因为基础薄弱而让人产生挫败感。最让我感到贴心的是,它在每课的开头都会有一个“学习目标”的小提示,让你清楚地知道这一课需要掌握的核心技能是什么,这对于目标感不强的自学者来说太重要了。另外,书中的一些技术难点解析,用词非常口语化,完全没有那种高高在上的学术腔调,读起来毫无压力。我已经把目前市面上几套主流的入门教材都对比过,这套书在“可操作性”和“趣味性”的平衡上做得最为出色。我已经开始期待后续册数的学习了,希望它能继续保持这种高质量的输出。

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我更看重的是教材的“可读性”和“音乐性”。很多技术导向的教材读起来味同嚼蜡,但这一套书的曲目选择非常开阔,从巴赫风格的小品到一些富有歌唱性的旋律都有涉猎。这极大地激发了我对小提琴演奏的热情,让我觉得我不是在学习一门技术,而是在学习一种语言。书中的排版设计也相当清爽,黑白分明,谱面清晰,即使是长时间练习眼睛也不会感到疲劳。对于需要配合钢琴伴奏练习的部分,虽然我们是自学,但光是看着那些清晰的钢琴声部,就让人对接下来的合奏环节充满了美好的想象。总而言之,这是一套兼顾了严谨技术训练和美好音乐体验的优秀教材,对于提升学习者的内在驱动力有着显著效果。

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这套教材真是让我眼前一亮!我一直想找一套系统性强,又不会让初学者感到枯燥的入门教材,这套书绝对满足了我的期待。从最基础的持弓姿势到音阶练习,讲解得极其细致,配图也非常清晰,完全可以自学。特别是它对揉弦和换把位的引入,循序渐进,不像有些书上来就堆砌难度,让人望而却步。我特别喜欢它在练习曲中融入了不同风格的音乐元素,不仅仅是枯燥的音阶练习,而是真正让你体会到拉奏音乐的乐趣。而且,印刷质量也非常好,纸张厚实,翻阅起来手感很棒,没有那种廉价教材的糙感。对于一个刚刚拿起小提琴的爱好者来说,这本书简直就是一位耐心的私人导师,让我对未来的学习充满了信心。我已经把第一册的内容学得差不多了,感觉进步神速,非常推荐给所有准备开始小提琴之旅的朋友们。

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说实话,我一开始对这种“入门教程”是持保留态度的,总觉得很多书都是华而不实,内容浅尝辄止。但翻开这本后,我的看法彻底改变了。它不仅仅教你怎么发出声音,更注重的是音乐的“感觉”培养。比如在乐理知识的穿插上,处理得非常巧妙,不是硬塞知识点,而是结合具体的小提琴练习来讲解,让你自然而然地理解了乐谱背后的意义。而且,这本书的练习曲编排简直是艺术品级别的,每一首曲子都像是精心打磨过的宝石,难度递进自然,让你在不知不觉中掌握了新的技巧。我印象最深的是其中有一组关于连弓的练习,通过几个看似简单的音型组合,竟然能有效地解决我长期以来拉弓不均匀的问题。这种深入骨髓的技巧指导,远超出了我预期中“入门”教材的范畴。

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我主要关注的是教材的系统性和逻辑性,毕竟一个好的教程应该像搭建高楼一样,地基要牢固。这套教材在这方面做得非常出色,它似乎是基于多年教学经验沉淀下来的精华。它的音阶和琶音练习不是孤立的板块,而是巧妙地融入到小品曲目中去,让你在演奏乐曲的同时,不知不觉地巩固了基本功。我特别欣赏它对右手运弓的细致刻画,从弓子的触弦点、压力控制,到不同音色的模拟,都有详尽的图示和文字说明,这对于想要打好基础的人来说,简直是无价之宝。我感觉自己以前拉琴的一些“坏习惯”,在这套书的引导下,正在被逐步修正。如果说有什么遗憾,可能就是我希望它能附带更多的在线教学视频资源来辅助练习,但仅凭书本身的内容,已属上乘。

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