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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806670095

商品编码：29867346841

丛书名： 青少年学简谱

开本：16开

出版时间：2001-05-01

188mm   6mm   260mm   0.26Kg 手工测量，均有误差

产品信息

书 名	青少年学简谱	定 价	25.00元
作 者	杨瑞庆	难 度	初级
开 本	16开	属 性	音乐教程
页 数	132页	光 盘	无
谱 号	简谱	出版社	上海音乐出版社
数 量	1本书	出版日期	2001年5月第 I 次印刷

 

 

 

目录

前言
 一课 音符——唱名、音高
音列——高音、低音
音阶——全音、半音
音势——上行、下行
第二课 音程——大二度、小二度、同度
音长——四分音符
音强——四二拍
第三课 音程——大三度、小三度
音长——二分音符、全音符
音强——四四拍
第四课 音程——纯四度、纯五度
音长——八分音符
音强——四三拍
第五课 音程——大六度、小六度
音长——十六分音符
第六课 音程——大七度、小七度
音长——附点音符
音强——八三拍、八六拍
第七课 音程——纯八度
音长——延音线
音强——切分音
第八课 音高——音名、调号
音长——连音符
第九课 音长——休止符
第十课 音强——特殊切分（休止切分、延音切分）、混合拍子
第十一课 音强——特殊拍子（散拍子、一拍子）
第十二课 速度——中速、慢速、快速
第十三课 气口——强起、弱起、前休
第十四课 音高——升半音
第十五课 音高——降半音
第十六课 音强——力度
第十七课 音高——装饰音（倚音、波音、滑音）
第十八课 唱法——连音、断音、保持音
第十九课 速度——转速
第二十课 音强——转拍
音高——转调
第二十一课 表情——热情、深情、热烈
第二十二课 结构——重复、再现、反复记号
第二十三课 词曲——一字一音
第二十四课 词曲——一字多音
第二十五课 总复习

 

 

内容推荐

本书是“青少年学音乐”系列丛书中的一册。全书共分二十五课，主要介绍了简谱的基本知识，书中还附有大量的练习曲供参考。该书内容全面，布局合理，讲解深入浅出，通俗易懂，实用性强，既可作为自学参考，又可作为培训材料使用。每一课中包含了三部分内容：
1 复习：上一课的知识是否掌握，由“复习”中的一些练习来检验。
2新授：这是每一课的重点。笔者将所有视唱知识纳入音高、音长、音强等方面去逐一分解介绍，为的是强化视唱中这几个关键要素。
3练习：每课安排6-10个谱例供练习使用。谱例兼顾少年和青年的特点，既注意好唱，又追求好听；既注意经典性，又追求新鲜性，所以选择了一些中外名曲、民歌及歌曲作为谱例。

 

 

好的，以下是一份不包含您提供的图书内容的图书简介，内容详尽： 《交响乐的秘密：从巴赫到马勒的百年辉煌》 一部探索西方古典音乐灵魂的深度导览 图书简介： 《交响乐的秘密：从巴赫到马勒的百年辉煌》并非一本简易的入门手册，也不是枯燥的学术论文。它是一次深入的、充满激情的音乐旅程，带领读者穿越西方古典音乐最为宏大、最富戏剧性的篇章——交响乐的历史长河。本书聚焦于从巴洛克晚期到浪漫主义巅峰时期，交响曲如何从一种相对简单的器乐形式，演变成为承载人类最深刻情感、哲学思考与社会变迁的“音乐建筑”。 本书旨在揭示交响乐背后隐藏的结构、技术创新，以及那些塑造了伟大作曲家创作理念的时代精神。我们不满足于简单介绍“谁写了什么”，而是深入探讨“他们为什么这样写，以及这首曲子如何改变了音乐的未来”。 --- 第一部分：巴洛克的回响与古典的奠基（1685–1791） 在交响乐正式登上历史舞台之前，它已经在器乐合奏中酝酿了数十年。本部分将从巴赫晚期管弦乐作品的复调精妙，以及亨德尔歌剧序曲的戏剧张力开始切入。 巴赫与对位法的遗产： 我们将详细分析巴赫的《勃兰登堡协奏曲》如何确立了器乐组群（Concertato）的对比原则，以及他晚期对位法的逻辑严谨性，为后世的管弦乐配器提供了坚实的逻辑骨架。 歌剧与交响曲的初生： 重点探讨意大利歌剧序曲（Sinfonia）的“快-慢-快”三部曲结构如何逐渐脱离歌剧，成为独立音乐会上的宠儿。我们将解析斯卡拉蒂和珀塞尔等人的早期探索，如何将这一形式推向成熟的边缘。 维也纳的黄金时代：海顿与莫扎特： 这一章节是全书的基石。海顿，这位“交响乐之父”，其作品中幽默感、结构创新与主题发展的手法被细致剖析。我们不仅仅罗列海顿的“伦敦交响曲”，而是深入研究他如何系统性地扩大乐队编制、精炼奏鸣曲式，并赋予配器以角色感。对于莫扎特，我们聚焦于他如何将海顿的结构严谨性与歌剧般的美声旋律完美融合，特别是《G小调第四十号交响曲》中那种令人心碎的抒情性是如何通过精妙的对位和和声解决达成的。我们将讨论莫扎特对弦乐组的精细化处理，以及他如何用更少的乐器创造出更丰富的色彩。 --- 第二部分：贝多芬的革命与浪漫主义的觉醒（1792–1850） 贝多芬被视为古典乐派与浪漫乐派之间的桥梁，他的九部交响曲代表了对“音乐如何表达英雄意志”这一命题的极致探索。 打破藩篱：贝多芬的结构重塑： 本部分详述贝多芬如何打破古典时期既定的结构平衡。重点分析《第三号“英雄”交响曲》如何将规模推至前所未有的地步，以及它所蕴含的启蒙理想。随后，我们将详细解读《第九号“合唱”交响曲》的里程碑意义——首次将人声引入传统交响曲的宏大叙事中，挑战了器乐的固有界限。我们还会探究他如何利用动机发展和调性冲突来构建戏剧张力，而非仅仅依靠主题的并置。 德彪西与舒曼：情绪的色彩与“室内乐的交响化”： 随着贝多芬的影响力逐渐显现，随后的作曲家们开始探索更私密的情感表达。舒曼的交响曲，尽管在配器上有时被批评为“不透明”，但其内在的“德意志精神”和对文学主题的依恋，展示了浪漫主义初期作曲家如何试图在器乐中重现诗歌的叙事力量。 --- 第三部分：叙事、民族与庞大的交响诗（1850–1910） 中后期浪漫主义时期，交响乐的边界被彻底拓宽。作曲家们开始利用管弦乐队的强大表现力，来描绘宏大的自然景观、历史事件、哲学思辨，甚至是文学作品。 李斯特与柏辽兹的“音乐诗篇”： 本部分深入分析交响诗这一新生体裁的诞生。柏辽兹在《幻想交响曲》中开创的“主导动机”（Idée fixe）概念，如何成为后期作曲家构建长篇叙事结构的有效工具。李斯特如何通过其结构更自由的交响诗，将标题音乐推向极致，体现了瓦格纳美学对器乐的深刻影响。 德奥巨擘的巅峰对决：勃拉姆斯与马勒： 勃拉姆斯的“新古典主义”： 勃拉姆斯被视为贝多芬精神的继承者。本书将分析他如何在一个“后贝多芬时代”重新确立了绝对音乐的地位，他作品中复杂的对位技巧与深沉的内省气质，是古典结构在浪漫主义情感下的完美回归。我们将对比他的四部交响曲，探究他如何以近乎“固执”的严谨性，对抗时代对“标题化”的潮流。 马勒的“世界尽头”： 马勒的交响曲是人类情感的百科全书。我们不会只停留在对乐队规模的惊叹上，而是深入解析他作品中对民间音乐、讽刺、死亡主题和哲思的交织运用。马勒如何通过对管弦乐声部密度和音色（例如对次要声部的突出使用）的极端控制，来展现个体在宇宙宏大背景下的孤独与追问，是本部分的核心议题。 --- 结语：未竟的交响——德彪西、斯特拉文斯基与现代的开端 最后，本书将简要概述交响乐在二十世纪初期的转型。德彪西如何用印象主义的色彩和模糊的音响，挑战了德奥体系的“逻辑性”；而斯特拉文斯基的《春之祭》又如何以其原始的节奏暴力，宣告了一个新时代的来临。 本书特色： 深度乐谱分析： 穿插少量必要的乐谱示例（非教程性质），辅助读者理解配器法和和声进行。 时代背景关联： 每一部重要作品的分析都紧密结合其创作时的社会思潮（如法国大革命、普法战争、十九世纪哲学思潮）。 批判性视角： 不盲目赞美，对作品的结构弱点、历史争议和后续影响进行审慎的评判。 适合人群： 音乐爱好者、有一定古典音乐基础的听众、音乐史学生，以及所有渴望超越表面旋律，理解交响乐如何成为人类精神表达最高形式的探索者。这是一部带你“听懂”交响乐背后的百年风云的书。

评分☆☆☆☆☆

这本书在培养孩子的“乐感”方面，做得比预想的要深入。它不仅仅是在教“如何看懂符号”，更是在潜移默化地培养“如何听懂音乐的表情”。我注意到，在讲解力度记号（如p、f）和速度标记时，作者没有直接给出死板的定义，而是使用了非常富含情感的描述，比如“温柔地唱出来”或者“充满活力地奔跑起来”。这种富有画面感的引导，让学习者在识谱的同时，就开始构思这段音乐应该被如何演绎。这对日后的音乐审美发展至关重要。许多基础教材只停留在机械的读谱层面，但这本书显然有着更高的目标——培养未来的音乐欣赏者和创造者。它在基础入门阶段就播下了对音乐细微差别的敏感度，我相信这种早期的良好训练，会对他们未来学习更复杂的曲目打下坚实而富有灵性的基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一个旁观者，我更关注的是它在“音乐理论”和“实践操作”之间的衔接度。很多理论书学完后，读者依然不知道该怎么将书本知识应用到实际的乐器上，这中间存在一道巨大的鸿沟。这本书的厉害之处就在于，它巧妙地将理论知识“嵌入”到了实用的音乐片段中。它提供的练习曲目选择非常考究，从简单的民谣到一些耳熟能详的儿歌，这些曲目不仅旋律悦耳，更重要的是，它们完美地展示了前一页刚刚学到的知识点。读者不需要自己去费力“翻译”书本语言，因为书本已经替你做好了最好的示范。这种“学一点，用一点，马上看到效果”的良性循环，极大地增强了学习者的自信心和成就感。这完全不像是一本孤立的理论书，更像是一本融合了乐谱和练习的“迷你音乐工作坊”。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买过几本号称是“基础入门”的音乐理论书，但它们大多都像是在为音乐专业的学生准备的预科读本，厚重且干燥。而这本《识谱书籍 青少年学简谱 基础入门音乐理论教材 儿童音乐教程》，给我的感觉完全是“轻盈”且“高效”的。它在基础知识的铺陈上做到了极其精妙的取舍，只保留了最核心、最实用、最能帮助读者快速上手的部分。举个例子，它在讲解调性转换时，用的比喻和实际的例子非常贴近生活，不像有些书那样，非要你先把音程关系在脑子里跑一遍复杂的公式。对于一个想快速掌握读谱能力，然后直接投入到实际演奏（比如弹奏尤克里里或键盘）的人来说，这种“直击要害”的教学方法太宝贵了。它节省了我大量时间去消化那些暂时用不着的冗余信息，让我能更快地享受到音乐带来的乐趣。这种对学习者时间成本的尊重，在目前的教辅市场中是相当难得的。

评分☆☆☆☆☆

我对这套教程的排版设计印象极其深刻。现在的儿童读物，如果内容稍显学术，配图往往跟不上，导致视觉疲劳。但这本教材的色彩运用和图形设计简直是教科书级别的示范。它没有采用那种过于卡通化、让人觉得幼稚的画风，而是保持了一种既专业又不失活泼的平衡感。每一个新的概念，比如高音谱号、低音谱号（虽然是以简谱为主，但基础概念的引入很自然），都会配上清晰、色彩对比度适中的插图进行辅助说明。我注意到，书中的留白处理得非常好，这让密集的信息在视觉上得到了有效的舒缓。阅读体验的舒适度直接影响学习的持久性，这本书显然在这方面投入了巨大的心力。那种感觉就像是，即使在学习最枯燥的拍号知识时，眼睛也能在美丽的页面设计中找到片刻的休憩，这对于长时间学习的学生来说，是巨大的精神支持。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为那些对音乐充满好奇，但又常常被传统乐理的复杂性劝退的初学者量身定做的。我记得我第一次拿起它的时候，那种轻松愉悦的感觉是很多其他教材给不了的。它没有一上来就堆砌那些晦涩难懂的术语，而是像一位和蔼可亲的音乐向导，手把手地带着你走进音符的世界。特别是对简谱的讲解，简直是直观到不行，那些横竖撇捺的符号不再是枯燥的图形，而是有了鲜活的生命力，仿佛每一个数字和符号都在向你低语着旋律的秘密。我尤其欣赏它在节奏部分的处理，那种图文并茂的解释方式，让人一下子就能抓住重拍和弱拍的微妙关系。对于青少年来说，学习的过程如果不能保持兴趣，再好的内容也等于零，这本书显然深谙此道，它通过巧妙的编排，让“学”变成了一种“玩”的体验，难怪我身边的孩子们都爱不释手，甚至会主动要求练习。这不仅仅是一本教材，更像是一本激发音乐潜能的“魔盒”。