舒伯特艺术歌曲集第1卷高音版声乐套曲钢琴教材 钢琴教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周正 译

图书标签:

• 舒伯特
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552301960

商品编码：29867681234

丛书名： 舒伯特艺术歌曲集

开本：16开

出版时间：2013-05-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

• 版 次：1
• 页 数：178
• 字 数：
• 印刷时间：2013-5-1
• 开 本：16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

 

 

 

 

 

目录 美丽的磨坊女op．25
D 795
1．流浪
2．去何方?
3．止步! 
4．对小溪的感激
5．繁忙后的余暇
6．疑惑
7．急切
8．清晨的问候
9．磨坊少年的花儿
10．是雨是泪?
11．我的!
12．憩息
13．琉特琴的绿丝带

 

 

内容推荐

   接触德奥艺术歌曲已有三十多个年头，非常享受这种音乐与诗歌**结合的形式，然而唱好一首艺术歌曲，字对字的歌词翻译是一项非常必要又艰苦的工作。只有正确了解原诗的意义，才能真正懂得音乐的内涵，也只有发出准确的语音，才能使演绎达到真正的声韵之美。七八十年代开始在美国各大音乐学院中流行的IPA（**音，InternationalPhonedcA1phabet）的学习，确实为从事声乐的人带来前所未有的便利。他回母校上海音乐学院执教已有六载，深感IPA对中国歌手在学习中的必要性。《舒伯特艺术歌曲集(第 I  卷声乐套曲高音版新版原版引进)》译者周正凭借多年对艺术歌曲的探讨与累积，在译配IPA的同时尽量为每首歌曲加上曲式和对钢琴伴奏的分析，并介绍德奥艺术歌曲的背景，以及为作品加入必要的文字说明。译者深知自己学识粗浅，疏忽之处请各方多多指教。

 

钢琴学习的进阶之路：经典与现代的交融 本套教程旨在为中、高阶钢琴学习者提供一个全面、系统且富含艺术性的学习路径。我们深知，钢琴学习不仅仅是技巧的堆砌，更是音乐理解、情感表达与文化积淀的综合体现。因此，本教程的设计力求平衡技术训练的严谨性与音乐审美的广阔性。 第一部分：基础技法与触键精修 本部分聚焦于巩固和深化已有的技术基础，尤其针对中级学习者在跨越向高级演奏过程中常遇到的瓶颈进行突破。 1. 触键深度与音色控制： 我们探讨了钢琴演奏中“重量”与“重量的释放”的微妙关系。通过对不同作曲家（如巴赫、莫扎特）作品片段的精选分析，指导学习者如何运用手臂的自然重量，精确控制琴键的触及深度，从而塑造出丰富、多层次的音色。具体练习包括：非连奏（Staccato）的清晰度训练、重音（Accent）的层次区分，以及如何通过指尖的微小调整来改变声音的颗粒感和光泽度。 2. 跨越与和声的平衡： 针对双手协调性和复杂和声结构的挑战，本部分提供了专门的练习。例如，解决八度、大跨度琶音（Arpeggios）在保持均匀速度和力度下的流畅性问题。更重要的是，教程强调了和声进行中的“内声部线条”的保持，确保低音部、中音部与旋律声部之间的动态平衡，避免旋律被不必要的伴奏声部掩盖。 3. 节奏的精准与弹性： 节奏的准确性是音乐的骨架。本部分深入讲解了复节奏（Polyrhythms）的视觉化处理和听觉化训练。我们引入了节拍器训练的进阶方法，从绝对恒速向“弹性速度”（Tempo Rubato）的自然过渡进行引导，强调速度的微小变化必须服务于音乐的呼吸和句法结构，而非随机的快慢。 第二部分：作品风格的深度解析与演绎 掌握了基本技术后，本教程将引导学习者进入不同历史时期的音乐风格世界，学习如何“扮演”不同时代的作曲家。 1. 巴洛克时期的织体理解： 重点剖析巴赫的对位法原则，例如赋格曲（Fugue）和模仿曲（Invention）中声部的独立性。教程会指导如何清晰地“歌唱”每一条声部线，如同指挥四位独立的歌唱家。我们不着眼于华丽的炫技，而是追求织体内部逻辑的透明度与严谨性。 2. 古典主义的清晰与平衡： 以海顿和莫扎特的奏鸣曲片段为例，学习古典主义时期对形式（如呈示部、发展部、再现部）的恪守，以及旋律、伴奏之间的明确划分。教程强调线条的清晰、乐句的呼吸感，以及在克制的情感表达下展现的典雅之美。 3. 浪漫主义的情感释放与和声色彩： 本章深入探讨肖邦、舒曼等作曲家如何利用钢琴的特性来描绘广阔的内心世界。重点研究和弦的延音效果、踏板的精妙运用（如“模糊化”与“清晰化”的交替使用），以及如何通过速度的细微变化来增强戏剧性张力。 4. 印象主义与现代技法的探索： 针对德彪西、拉威尔等人的作品，本部分介绍了如何使用钢琴来模仿自然界的色彩和光影。这要求学习者掌握“非传统”的触键方式，如用指尖或指甲侧部触键以获得颗粒状音响，以及探索全踏板带来的音响“雾化”效果，理解和声的非功能性运用。 第三部分：乐理与和声的实践应用 纯粹的技术训练容易使演奏变得机械。本教程将乐理知识直接融入实践，帮助学习者“听懂”他们正在弹奏的内容。 1. 进阶和声分析： 超越基础的三和弦和七和弦，本部分侧重于分析引申和弦（如九和弦、十一和弦）在特定时期作品中的功能与色彩。学习识别和弦的转位及其对旋律线条的影响。 2. 结构分析与乐思发展： 指导学习者如何快速识别奏鸣曲、回旋曲中的主题动机（Motif）及其如何被发展、变形和再现。理解曲式结构能让演奏者在漫长的篇幅中保持清晰的演奏方向感和预见性。 3. 踏板的文学化运用： 踏板不再是简单的延长音高。本章将踏板视为一种“共鸣控制工具”，探讨如何根据不同房间的声学条件和作品特定的情绪需要，选择性地使用半踏板、三分之一踏板或快速更换踏板的技巧，以达到最佳的听觉效果。 第四部分：演奏准备与舞台呈现 成功的演奏不仅取决于排练室里的表现，更依赖于临场的心态管理和对作品的整体把握。 1. 记忆的策略性构建： 提供基于听觉记忆、肌肉记忆和视觉记忆相结合的记忆方法。尤其强调在记忆中植入“结构性锚点”，即对重要乐段和转调点的牢固把握，以应对记忆的“空白点”。 2. 身体与心理的协调： 包含针对演奏者常见的紧张和焦虑的放松练习。通过呼吸控制和专注力训练，帮助学习者将注意力从“害怕出错”转移到“呈现音乐”上来。 3. 音乐诠释的个体化： 最终，本教程鼓励学习者超越模仿，发展自己独特的音乐声音。通过对比不同大师的录音版本，分析其差异背后的艺术哲学，从而找到最能契合自己个性和理解的作品表达方式。 本教程并非一套速成的指南，而是一段需要投入时间与心力的艺术旅程。它要求学习者以严谨的态度对待技术，以开放的心态拥抱音乐史的广阔图景，最终，将指尖的机械运动转化为有生命力的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年与古典音乐打交道的听众和业余爱好者，我必须承认，这本书在文献学价值上达到了一个令人赞叹的高度。它的“声乐套曲”部分，并非简单地将人声旋律移植到钢琴上，而是对原作的配器和和声结构进行了精微的分析。书中对舒伯特如何运用钢琴伴奏来烘托或反衬人声情绪的解析，简直是一堂大师级的作曲课。它不是那种只告诉你“这里要弹快一点，那里要轻一点”的肤浅指导，而是告诉你“为什么”要这样做。例如，对《冬之旅》中某一特定段落的和声进行拆解，清晰地展示了某个和弦进行如何烘托出那种冰冷、绝望的意境。对于希望深入挖掘艺术歌曲精髓的钢琴伴奏者来说，这本书提供的理论深度和实践指导是无与伦比的，它将伴奏者从一个单纯的“配角”提升到了与歌唱家共同塑造艺术形象的“叙述者”高度。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，刚开始接触这本书时，我有些被它严谨的学术气息吓到，以为这本“教程”会过于枯燥乏味，更像是一本乐理教科书。但当我真正沉下心来，对照着自己平时练习的曲目去翻阅其中的章节时，我发现它的实用性远超我的预期。书中的练习曲目选择非常巧妙，它们并非随机排列，而是围绕着特定主题——比如半音阶的运用、特定节奏型的处理——层层递进。我发现自己以前总是习惯性地逃避那些需要高度协调性的段落，而这本书正好提供了专门针对这些“盲点”的训练方法。它不是让你重复练习已会的技巧，而是精准地戳中你技术上的弱项，并给出清晰的、可执行的解决方案。这种“对症下药”的编辑思路，使得我的练习效率在短短几周内得到了显著提高，感觉像是做了一次全面的技术体检和强化训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，恕我直言，虽然充满古典美，但初看起来确实有些“老派”，甚至有点让人误以为是五十年前的影印本。我希望未来的版本能考虑增加一些现代化的辅助工具。然而，抛开外表不谈，内容本身的价值是无可替代的。我特别欣赏它对于“高音”处理的独到见解。在很多乐谱中，高音往往被处理成一味地强调响度和亮度，但这本书强调的是高音的“穿透力”与“色彩感”。它教导我们如何控制指尖的力量，使高音既能穿透伴奏的织体，又不显得尖锐刺耳，而是带着一种水晶般的透明感。这对于演奏抒情性强的作品至关重要。我尝试了书中所建议的几种不同的触键角度和重量分配，发现我的高音区演奏明显变得更具歌唱性和层次感，不再是那种扁平化的“喊叫”，而是真正融入到整体的音乐叙事之中。这本书真正做到了将技术服务于艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的时候，我立刻被它那种近乎于“古老智慧”的气质所吸引。装帧设计上透露着一种对经典艺术的深深敬意，纸张的质感也十分考究，拿在手里沉甸甸的，仿佛能感受到时间的厚度。我特别喜欢它对乐谱排版的细致处理，音符之间的留白恰到好处，即便是初学者也能清晰地辨认每一个细节。更让我惊喜的是，书中附带的那些早期德语歌词的注释，讲解得深入浅出，让我这个非专业人士也能窥见舒伯特创作时期的文化背景。这本书显然不是市面上那些快餐式的教程可以比拟的，它更像是一位博学的老师，耐心地引导你进入那个充满浪漫主义色彩的音乐世界。我花了整整一个下午，只是沉浸在那些印刷精美的扉页和前言中，那种对音乐本体的尊重感，是现在很多音乐教材所缺失的。它不仅仅是一本“如何弹奏”的书，更是一部关于“如何理解音乐精神”的指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初抱着试试看的心态买的这本教材，因为市面上以“高音版声乐套曲”为名的书籍往往过于偏重技巧的炫耀，而忽略了音乐的灵魂。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它在处理那些高难度技巧时，采取了一种极其温柔且循序渐进的方式。它不会直接扔给你一个让你望而却步的难点，而是会先通过一系列结构相似、难度递减的小练习来“热身”你的手指和听觉。我尤其欣赏其中关于“连奏的呼吸感”的论述，作者用非常形象的比喻，将钢琴的触键与人声的发声联系起来，这对于我理解如何赋予钢琴旋律以歌唱性至关重要。我以前总觉得自己的演奏缺乏情感的流动性，读了这本书后，我开始明白，那些快速的音符背后，都需要有支撑的“气息”在流动。这本教材简直是为那些渴望让自己的钢琴“开口唱歌”的演奏者量身定制的宝藏。