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赵华森 著

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• 绘画
• 构图
• 光影
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出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308115995

商品编码：29892432942

包装：平装

出版时间：2013-07-01

基本信息

书名：艺术摄影中的绘画

定价：39.00元

作者：赵华森

出版社：浙江大学出版社

出版日期：2013-07-01

ISBN：9787308115995

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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　　本书主要内容包括摄影绘画基础之必要性、摄影的绘画基础、创意摄影草图训练、摄影创意与绘画。

内容提要

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　　由赵华森、陈燕编著的《艺术摄影中的绘画(艺术实践教学系列教材)》一书，分三个部分讲述：一，艺术摄影中的绘画；二，绘画是一种依据；三，绘画是一种方法。
　　实验实训教学是设计、摄影、传播等应用学科的重要内容，是培养学生动手能力的有效途径。希望本套教材能够适应新时代的需求，能成为学生学习的良好平台。
　　本套教材是浙江财经大学人文艺术省级实验中心的教研成果之一，由浙江大学出版社出版

目录

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1 艺术摄影中的绘画
2 绘画是一种依据
2．1 透视与摄影
2 .1．1 摄影师为何要学习的透视知识
2．1. 2 摄影师要掌握的透视基本知识
2．2 从绘画看摄影的构图
2．2．1 西方绘画的构图与摄影
2．2．2 中国传统绘画的构图与摄影
2．3 山寨式摄影

3 绘画是一种方法
3．1 摄影之前的绘画
3．1．1 作为另类妆的绘画
3．1．2 作为画布的身体
3．I．3 绘制场景
3．1．4 装置艺术、行为艺术以及总体艺术等中的绘画
3．1．5 绘画作品成为道具
3．2 摄影之时的绘画
3．2．1 手电等光源在拍摄物上进行描绘
3. 2．2 在空中进行描绘
3．2. 3 只做记录
3. 2 .4 闪光灯配合物的运动
3. 2．5 动态影像的光绘摄影(iPad、投影仪、数字光棒)
3 .2．6 移动照相机使光在照片上描绘
3．2．7 其他光绘摄影师作品欣赏
3. 3 摄影之后的绘画
3．3. 1 手工上色
3．3．2 表现性绘制
3．3. 3 作为画布的摄影
3．3．4 修饰性绘画
3. 3．5 综合材料(拼贴加绘画、丝网版面)
3. 3．6 数字绘画
3．3．7 显影时的绘I田i(波拉片、感光涂料和底片处理)．
3．3．8 展示时的绘画
附录 以爱普生(EPSON)艺术微喷为例的打印介质

作者介绍

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文摘

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序言

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《光影的叙事：超越镜头的美学探索》 目录 序言：当视角触及灵魂 第一章：凝固的时间，流动的色彩 1.1 “静”中的生命：捕捉瞬间的永恒 1.1.1 构图的韵律：如何用线条与形状构建视觉张力 1.1.2 光线的语言：探寻明暗交织下的情感表达 1.1.3 景深的奥秘：虚实之间，引导观者的目光 1.1.4 决定性瞬间的哲学：按下快门前后的思索 1.2 色彩的交响：调和情绪的视觉乐章 1.2.1 色彩心理学与摄影：红色是激情，蓝色是宁静？ 1.2.2 冷暖色调的对话：营造空间感与氛围 1.2.3 饱和度与对比度的魔力：让画面“说话” 1.2.4 黑白摄影的纯粹：解构与重塑视觉语言 第二章：叙事的画布：影像中的故事性 2.1 从“看”到“读”：让照片讲述一段过往 2.1.1 人物肖像的深度挖掘：眼神、表情与姿态的叙事力量 2.1.2 环境的呼吸：场景如何承载故事的重量 2.1.3 细节的暗示：微小之处，映射宏大主题 2.1.4 序列叙事：多幅影像如何串联成完整的故事线 2.2 主题的构建：摄影师的思考与表达 2.2.1 社会纪实的关怀：用镜头记录时代脉搏 2.2.2 个人情感的抒发：摄影作为心灵的出口 2.2.3 观念摄影的抽象：挑战认知，引发深思 2.2.4 抽象与具象的边界：模糊真实，创造新的意义 第三章：视角的重塑：超越现实的观看 3.1 “非人”的观察：物体的变形与重构 3.1.1 微距世界的奇遇：放大细节，发现隐藏的美 3.1.2 广角与长焦的魔术：扭曲与压缩的空间感 3.1.3 多重曝光与移轴：叠影与错位下的现实幻境 3.1.4 运动中的轨迹：凝固动态，延展时间维度 3.2 “非写实”的表达：探索视觉的边界 3.2.1 低饱和度与高对比度：营造压抑或超现实的氛围 3.2.2 虚焦与失焦的运用：模糊的界限，朦胧的美感 3.2.3 光绘与长曝光：用光线作画，描绘时间流逝 3.2.4 后期的可能性：调整与再创作，赋予影像新的生命 第四章：与自然的对话：光影下的山河与生命 4.1 山川的呼吸：捕捉地理的宏伟与细腻 4.1.1 晨昏线的诗意：黎明与黄昏的色彩馈赠 4.1.2 天气的故事：风雨雷电中的壮丽与渺小 4.1.3 地貌的肌理：岩石、土壤与水流的质感 4.1.4 季节的变迁：春华秋实，冬雪夏雨 4.2 生命的凝视：人与动物在光影中的存在 4.2.1 肖像的真诚：捕捉人性的光辉与脆弱 4.2.2 动物的野性与温情：与镜头对视的瞬间 4.2.3 人与自然的和谐：共生共存的视觉呈现 4.2.4 生命的痕迹：衰老、成长与遗忘 第五章：都市的脉搏：光影下的城市与生活 5.1 钢铁丛林的剪影：几何与光影的交织 5.1.1 建筑的线条：直线、弧线与空间的对话 5.1.2 夜景的魅惑：霓虹、灯火与黑暗的共舞 5.1.3 城市节奏的捕捉：人群、交通与时间流逝 5.1.4 废墟与新生：历史的沉淀与未来的期许 5.2 日常的诗意：平凡瞬间的光影之美 5.2.1 街头的偶遇：捕捉匆匆而过的面孔 5.2.2 静物的小品：厨房、书桌与生活物件的温度 5.2.3 光线穿透的窗户：室内的温暖与外的疏离 5.2.4 雨滴与倒影：平凡中的诗意瞬间 第六章：技术与艺术的融合：工具的进化与创意的无限 6.1 器材的选择与影响：镜头、传感器与画质的哲学 6.1.1 不同焦段的特性：定焦与变焦的抉择 6.1.2 景深控制的艺术：浅景深与深景深的运用 6.1.3 感光度的探索：高感光度下的颗粒与纯净 6.1.4 RAW格式的自由：后期处理的无限可能 6.2 后期处理的艺术：从数字到灵魂的升华 6.2.1 色彩校正的精妙：还原真实或创造情绪 6.2.2 影调的调整：明暗层次的雕琢 6.2.3 局部调整的巧思：突出重点，引导视线 6.2.4 合成与创意：打破现实，实现想象 结语：光影的永恒，视角的觉醒 --- 序言：当视角触及灵魂 我们生活在一个被图像充斥的时代。手机里的自拍，社交媒体上的分享，琳琅满目的画报，无处不在的视觉信息，如同潮水般涌来，又悄然退去。在这个信息爆炸的洪流中，摄影，作为一种独特的视觉语言，扮演着越来越重要的角色。它既是记录现实的工具，更是表达情感、传递思想、探索世界的媒介。 然而，当按下快门的瞬间成为一种习惯，当像素的堆砌被视为影像的全部，我们是否也随之失去了对光影背后更深层意义的追寻？那些看似寻常的画面，是否也隐藏着不为人知的诗意与哲学？ 《光影的叙事：超越镜头的美学探索》并非一本简单的摄影技巧指南，也不是一本堆砌精美图片的作品集。它更像是一次邀请，邀请每一位热爱光影的眼睛，踏上一段深入的探索之旅。我们将不仅仅关注如何“拍出”一张照片，更要探究如何“思考”一张照片，如何让镜头下的画面，不仅仅停留在眼睛的愉悦，更能触及心灵的深处，激起共鸣，引发思考。 本书将带领读者穿越摄影的广阔天地，从最基本的构图与光线入手，深入到影像的叙事性与情感表达，再到视角与观念的重塑，最终将目光投向自然与都市的万千景象，以及技术与艺术的融合。我们试图回答的，不仅仅是“如何拍”，更是“为何拍”，以及“如何通过拍摄，来看得更深，感受更多”。 在这场视觉的探险中，我们将一起学习如何辨识光线的语言，倾听色彩的低语，理解景深的韵律。我们将探讨如何通过影像讲述一个故事，无论是宏大叙事还是微小片段，如何赋予平凡的场景以不凡的意义。我们将挑战常规的观看方式，尝试用全新的视角去审视熟悉的世界，发现那些被忽略的美丽与深刻。 从山川湖海的壮丽，到都市丛林的脉搏，从生命的凝视，到日常的诗意，本书将带领读者走进摄影师的内心世界，理解他们如何通过镜头与世界对话。同时，我们也不会忽视技术的力量。了解器材的特性，掌握后期的艺术，将为我们的创意插上翅膀，让思想得以更自由地翱翔。 我们相信，每一张照片，都蕴含着一个视角，一段故事，一份情感。而每一个按下快门的手，都在用自己的方式，试图捕捉那些稍纵即逝的美丽，记录下生命中那些触动人心的瞬间。《光影的叙事》正是为了点亮这些瞬间，让光影不再只是简单的记录，而是成为一种深刻的表达，一种对世界的关照，一种灵魂的触及。 让我们一同踏上这场超越镜头的视觉探索，用我们的眼睛去发现，用心灵去感受，用我们的思考去赋予影像以真正的生命。 第一章：凝固的时间，流动的色彩 摄影的本质，在于捕捉。它是在有限的时间与空间内，将瞬间凝固，将动态定格，将流逝的时间，以一种静态的方式呈现。然而，这种“凝固”，并非简单的复制，而是经过摄影师的审视、选择与再创造。它包含了对世界细致入微的观察，对美的独特感知，以及对表达意图的清晰把握。 1.1 “静”中的生命：捕捉瞬间的永恒 “静”，在摄影中并非死寂，而是饱含生命力的沉静。它是一种经过精心安排的秩序，一种蕴含张力的平衡，一种引导观众情绪的节奏。这“静”的背后，是摄影师对视觉元素的精准把握。 1.1.1 构图的韵律：如何用线条与形状构建视觉张力 构图，是摄影的骨架，是画面组织的基础。它决定了画面的平衡感、引导线、视觉焦点以及整体的冲击力。一张好的构图，能够让观众的目光在画面中自然流动，感受到摄影师想要传达的情绪与信息。 线条，是构图中最重要的语言之一。水平线带来稳定与平静，垂直线则显得庄重与力量。斜线常常暗示着运动与动态，而曲线则富有流动性与柔美。例如，一条蜿蜒的山路，在画面中可以形成自然的引导线，将观众的视线引向远方的景致。建筑物的线条，可以是严谨的几何图形，也可以是错落有致的节奏。 形状，则是在线条的交织下形成的视觉单元。圆形给人以圆满与包容，方形则显得方正与坚实。三角形则常常带来稳定感，尤其是在画面中的黄金分割点上。阴影形成的形状，也可能成为画面中独立的视觉元素，增加画面的层次感与趣味性。 留白，并非虚无，而是画面的呼吸空间。它能够突出主体，避免画面过于拥挤，让观众的情绪得以舒缓。适当的留白，也能为画面增添一种意境，留下想象的空间。 1.1.2 光线的语言：探寻明暗交织下的情感表达 光线，是摄影的灵魂。它不仅照亮主体，赋予色彩，更重要的是，它能够塑造形态，营造氛围，表达情感。理解光线的语言，是摄影师最重要的功课之一。 不同的光线方向，会产生不同的效果。顺光能够清晰地呈现主体的细节与色彩，但容易显得平淡。侧光则能够强调主体的轮廓与质感，营造出强烈的立体感。逆光，往往能勾勒出主体的轮廓，创造出“剪影”的效果，同时也能让画面充满戏剧性与神秘感。顶光通常会产生硬朗的阴影，可能不利于人像拍摄，但却适合表现建筑的棱角分明。 光线的质感，也至关重要。柔和的散射光，如阴天或透过窗帘的光线，能够产生细腻的过渡，适合表现人物的肤色与情绪。而硬质的光线，如烈日下的阳光，则会产生强烈的明暗对比，适合表现景物的轮廓与纹理。 阴影，是光线存在的证明，也是画面中不可或缺的视觉元素。它能够增加画面的深度，塑造立体感，甚至成为独立的叙事符号。阴影的形状、长度与方向，都携带着丰富的信息。 1.1.3 景深的奥秘：虚实之间，引导观者的目光 景深，是摄影中“虚”与“实”的艺术。它指的是在焦点前后，能够清晰呈现的范围。通过控制景深，摄影师可以引导观众的注意力，突出主体，虚化背景，从而更好地讲述故事。 大景深（浅景深），意味着主体清晰，而背景被虚化成模糊的光斑或色彩。这能够有效地将观众的目光聚焦在主体身上，排除干扰，增强主体与观众之间的亲密感。在人像摄影中，大景深常常用于突出人物的面部表情，营造梦幻般的氛围。 小景深（深景深），则意味着从前景到背景都保持相对清晰。这种景深常常用于风光摄影，表现广阔的场景，让观众能够感受到整个画面的信息。 景深的控制，与光圈、焦距以及拍摄距离密切相关。理解这些元素之间的关系，摄影师便能够灵活地运用景深，为画面注入生命力。 1.1.4 决定性瞬间的哲学：按下快门前后的思索 “决定性瞬间”是由法国摄影师亨利·卡蒂埃-布列松提出的著名概念。它指的是在连续的动态中，某个瞬间，所有元素——人物的姿态、表情，环境的布局，光线的变化——都达到了最完美的和谐与意义的极致。 捕捉决定性瞬间，需要摄影师敏锐的观察力、超乎寻常的耐心，以及对事件发展趋势的预判。这并非简单的“碰巧”，而是摄影师在长期的实践中，对生活节奏的深刻理解，以及对画面构成的直觉判断。 然而，“决定性瞬间”并非摄影的唯一追求。更多的摄影作品，通过刻意的安排与后期的调整，同样能够传达深刻的思想与情感。关键在于，无论是捕捉瞬间还是精心构建，都源于摄影师对画面表达的清晰认知与不懈追求。 1.2 色彩的交响：调和情绪的视觉乐章 色彩，是画面中最具感染力的元素之一。它能够直接触动观众的情绪，唤起回忆，甚至影响判断。摄影师运用色彩，如同音乐家运用音符，创造出丰富而多样的视觉交响。 1.2.1 色彩心理学与摄影：红色是激情，蓝色是宁静？ 色彩对人的心理会产生直接的影响。普遍来说，红色与橙色常与热情、活力、危险相关；蓝色与绿色则带来平静、安宁、自然的感觉；黄色可能代表快乐与希望，而紫色则常与神秘、高贵联系在一起。 在摄影中，理解色彩心理学，能够帮助摄影师更有意识地运用色彩来传达特定的情绪。例如，在一幅表现宁静夜晚的风景照中，深蓝色与紫色将是理想的选择。而在拍摄一场充满活力的运动比赛时，鲜艳的红色和黄色则能有效地捕捉到激昂的气氛。 然而，色彩的意义并非绝对，它也与文化、个人经历以及画面的整体语境相关。摄影师需要根据具体情况，灵活运用色彩，而非生搬硬套。 1.2.2 冷暖色调的对话：营造空间感与氛围 色调，是画面色彩的整体倾向，通常分为冷色调与暖色调。冷色调（如蓝色、绿色、紫色）通常会给人以距离感、清冷感，能够营造出宁静、萧瑟或神秘的氛围。暖色调（如红色、橙色、黄色）则带来亲切感、温暖感，能够营造出热情、活力或温馨的氛围。 将冷暖色调结合运用，可以产生丰富的视觉效果。例如，在一些强调空间纵深的风景照中，前景使用暖色调，背景使用冷色调，能够有效地拉伸空间感。而在表现人物情感时，通过冷暖色调的对比，可以突出人物内心的复杂情感。 1.2.3 饱和度与对比度的魔力：让画面“说话” 饱和度，指的是色彩的纯度或鲜艳程度。高饱和度的色彩，鲜艳夺目，能够吸引观众的注意力，传达强烈的视觉冲击力。低饱和度的色彩，则显得柔和、内敛，能够营造出复古、写意或沉静的氛围。 对比度，是画面中明暗或色彩差异的程度。高对比度的画面，黑白分明，具有强烈的视觉冲击力，能够突出主体的轮廓与细节。低对比度的画面，过渡柔和，能够营造出细腻、朦胧的视觉效果。 摄影师通过对饱和度与对比度的精妙调整，能够极大地影响画面的情绪和风格。例如，一张表现都市霓虹灯的夜景，高饱和度和高对比度将能够充分展现其绚丽与繁华。而一张描绘乡村晨雾的风景，低饱和度和低对比度则更能传达出那种宁静与朦胧的美感。 1.2.4 黑白摄影的纯粹：解构与重塑视觉语言 黑白摄影，剥离了色彩的干扰，将画面回归到最本质的光影与线条。这使得摄影师能够更加专注于构图、形体、纹理以及情感的表达。 在黑白摄影中，明暗的对比变得尤为重要。微妙的灰度变化，能够塑造出丰富的层次感与立体感。光线的强度、方向以及阴影的形状，都将成为画面的核心语言。 黑白摄影能够引导观众关注影像的结构本身，发现那些在彩色世界中被忽略的美。它常常能够带来一种永恒感与经典感，让画面更加具有深度与思考性。 --- （接下来的章节将继续深入探讨摄影的其他核心要素，敬请期待。）

评分☆☆☆☆☆

这本书的标题《艺术摄影中的绘画》确实很容易让人产生误解，我拿到它的时候，是想找一些能直接提升我摄影“审美”的书。我想象中，它会像一本摄影教程，里面会详细介绍如何通过色彩搭配、景深控制、线条运用等手法，让我的照片看起来更像一幅精心绘制的画作。我甚至期待它能有一些专门针对不同绘画流派（比如印象派、古典主义）的照片模仿教学。可事实是，这本书的侧重点完全不同。它更像是一本艺术史和摄影评论的结合体，探讨的是摄影作品在艺术史语境下的地位，以及它如何吸收、借鉴甚至挑战绘画的艺术语言。其中关于“瞬间的凝固”与“时间的流逝”的讨论，尤其让我印象深刻。作者分析了那些在瞬间捕捉到极具戏剧性场面的摄影作品，以及那些通过长时间曝光或多重曝光来表现时间变迁的作品，并将它们与绘画中对时间和叙事的处理方式进行比较。他指出，摄影和绘画虽然媒介不同，但在探索人类对时间、空间和情感的感知方面，有着许多共通的哲学思考。这本书让我开始反思，我的照片是否仅仅是在记录，还是在传达一种更深层次的感受，一种对世界“看见”的方式。

评分☆☆☆☆☆

阅读《艺术摄影中的绘画》这本书，我原本的预期是它能像一本教科书一样，详细解析摄影作品中那些“绘画性”的元素，比如光影的运用、色彩的搭配、构图的技巧等等，并且会提供大量的实践方法，教我如何在拍摄时模仿出绘画的质感和意境。我甚至期待书中会有一部分内容，专门讲解如何通过后期处理来增强照片的绘画感，例如模拟油画的笔触或水彩的晕染效果。然而，当我深入阅读后，才发现这本书的关注点完全不在于“如何模仿”或“如何制作”出像画一样的照片。它更侧重于对摄影作品进行艺术评论和哲学探讨，分析摄影作品在艺术史上的发展脉络，以及它与绘画艺术之间存在的深层联系和相互启发。作者通过解读大量的摄影作品，展示了摄影师是如何在作品中融入绘画的思维方式、艺术理念，以及对现实世界的独特观察和情感表达。书中对“意境”的探讨尤为深刻，它不只是描述画面本身，更是挖掘画面所能引发的联想、情感共鸣，以及对观看者内心世界的触动，这一点与中国传统绘画的写意精神有着异曲同工之妙。这本书让我意识到，摄影的“绘画性”并非在于外在形式的相似，而在于其能否触及观者的心灵，引发深刻的思考和情感体验，这是一种更加内在、更为高级的艺术追求。

评分☆☆☆☆☆

我原本对《艺术摄影中的绘画》这本书的期望，是能找到一些关于如何将绘画理论直接套用到摄影创作上的实用技巧。毕竟，很多人都说摄影是“光影的绘画”，所以我想这本书应该会充斥着诸如“如何运用三分法构图”、“如何模拟油画的厚重感”之类的具体指导。然而，当我深入阅读后，发现它的视角更加宏观和哲学化。它并没有直接给出“怎么做”的步骤，而是通过分析大量经典摄影作品，挖掘它们与绘画在精神层面的共通之处。例如，书中对安塞尔·亚当斯那些充满史诗感的风光摄影作品的解读，就让我非常震撼。作者并不是在教我如何去拍出“像画一样”的山川，而是分析亚当斯是如何通过对自然的敬畏、对宏大叙事的追求，以及对画面整体氛围的掌控，赋予他的照片超越写实的、如同浪漫主义绘画般的崇高感。还有对一些当代摄影师作品的分析，他们可能运用了非常规的拍摄手法，甚至是数字合成，但其最终想要表达的情感和思考，却与绘画史上的某些流派有着异曲同工之妙。这本书更像是提供了一个思考的框架，让我学会从更深层次去理解摄影的艺术性，而不仅仅停留在表面的技法层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字叫《艺术摄影中的绘画》，拿到手的时候，我以为会看到的是摄影师如何模仿绘画的笔触、色彩和构图，或者研究那些从绘画跨界到摄影的艺术家。结果翻开才发现，它完全不是我预想的那样！这本书深入探讨的是摄影作品中那些“绘画性”的特质，那种超越单纯记录的、带有情感和叙事深度的画面感。我特别喜欢其中关于光影处理的章节，作者用大量的实例分析了不同光源如何塑造画面的情绪，比如那种从侧面打过来的柔和光线，让人物的轮廓显得格外立体，又带着一丝忧郁的气息，就像伦勃朗的肖像画一样。还有对于色彩的解读，它不只是告诉你 RGB 值，而是从色彩心理学出发，分析某些颜色组合如何触发观者的特定情绪，比如蓝色系常常带来的宁静或疏离感，而暖色调则可能引发温暖、亲切或激烈的感受。这本书让我意识到，摄影不仅仅是按下快门，更是一门关于如何“看见”和“表达”的艺术。它引导我去观察那些被我忽略的细节，去体会画面背后隐藏的故事。即便我不懂绘画，也能从中获得极大的启发，让我对摄影有了全新的认识，也开始尝试在自己的拍摄中去捕捉那种“绘画般”的意境。

评分☆☆☆☆☆

当我看到《艺术摄影中的绘画》这本书时，我的脑海里immediately浮现出那些摄影师如何模仿油画肌理、水彩晕染的场景。我以为它会是一本非常实用、操作性强的摄影技术书籍，希望能从中学习到如何运用灯光、后期处理等技巧，让我的照片呈现出类似绘画的质感和氛围。甚至，我设想书中会有大量的案例分析，展示如何通过调整白平衡、曝光补偿，以及在后期软件中应用各种滤镜，来达到“画作般”的效果。然而，翻阅之后，我发现这本书的路径完全不是这样的。它并没有直接教授我如何“画”照片，而是从更广阔的艺术史角度，探讨摄影艺术如何与绘画艺术相互影响、相互启发。书中有很多关于摄影师如何从绘画中汲取灵感、如何运用绘画的视角去观察世界的内容。比如，作者分析了那些善于运用构图和色彩的摄影师，他们并非简单模仿绘画，而是将绘画中那种对视觉元素的理解，融入到摄影的创作中，从而创造出具有独特艺术价值的作品。这本书让我认识到，艺术的共通性远比技法的模仿更重要，它引导我去思考摄影的本质，以及如何通过摄影来表达更深刻的情感和观念。