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张伯君 著

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出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115472335

商品编码：30022272076

出版时间：2018-06-01

页数：96

书名：	从零起步 牡丹工笔画法精讲（微课版）|8021749
图书定价：	45元
图书作者：	张伯君
出版社：	人民邮电出版社
出版日期：	2018/6/1 0:00:00
ISBN号：	9787115472335
开本：	16开
页数：	96
版次：	1-1

内容简介

工笔画是中国画的一种，不论是人物画，还是花鸟画，都力求于“形似”，“形”在工笔画中占有重要的地位。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，而工笔画中特有的白描技法和色彩运用，常常使得零基础的绘画爱好者望而却步。为此我们专门策划了这套系列书，带领读者以牡丹为切入点，从零起步学习绘制工笔画。 全书共分为5章。第1章细致讲解了绘制工笔画所需要的工具和材料，以及工笔画中常用的一些设色技法；第2章则讲解了工笔画的基础—白描的基本运笔技法和线条绘制技巧；第3章以牡丹为例，具体讲解了枝干、叶片、花瓣、花头、花苞、花茎和花蕊的白描技法，帮你打好工笔画的写实基础；第4章具体讲解了牡丹工笔画中11种常用的染色技法；第5章则通过7个工笔小品的创作进行实战演练，帮助你将前面学习到的技法切实运用到工笔画中。本书还附有39段绘画视频，通过手机扫描正文中的二维码，可随时随地观看，让教学视频辅助你来更好地学习荷花的工笔画法。 本书案例精美，讲解细致，为了帮助初学者能画出精美的牡丹工笔画，本书还特别安排了两章专门讲解白描的基础技法，以及从一片花瓣到一朵牡丹的局部到整体的白描技法示范。本书适合工笔画爱好者及各大院校艺术相关专业的学生阅读。

目录

第 1章 初学工笔画的准备工作4 1.1纸5 1.2笔5 1.3墨6 1.4颜料7 工笔画中常用的色彩及配制方法7 1.5调色碟8 1.6其他工具8 胶矾8 笔洗9 镇纸9 1.7执笔方法9 第 2章 白描的基础技法10 2.1关于双勾白描11 2.2白描的运笔解析11 阶段：起笔11 第二阶段：运笔11 第三阶段：收笔12 顿笔12 挫笔12 2.3白描的典型线条技法13 中锋13 侧锋13 钉头鼠尾描13 铁线描13 兰叶描13 游丝描13 2.4白描线条的基本练习14 第3章 牡丹的白描技法15 3.1牡丹的特征和生长规律16 枝干16 叶片16 花瓣17 3.2牡丹的结构18 植株的结构18 花头的结构19 叶子的结构19 3.3勾一个花瓣20 3.4勾一个花头20 3.5勾一个花苞20 3.6勾一片叶子21 3.7勾一组叶子21 3.8勾花茎22 3.9点花蕊23 3.10勾一株完整的牡丹24 勾一株完整的牡丹的步骤24 3.11白描画稿的过稿方法26 3.12关于构图和布局26 构图的运用：勾一组花叶组合26 3.13白描画稿实例28 第4章 牡丹工笔画中常用的染色技法33 4.1分染34 4.2平涂35 4.3斡染35 4.4统染36 4.5罩染36 4.6提染37 4.7醒染37 4.8复勒38 4.9水线38 4.10烘染39 4.11立粉法39 第5章 牡丹工笔小品的创作40 5.1白牡丹41 5.2粉牡丹48 5.3黄牡丹55 5.4红牡丹64 5.5大红牡丹71 5.6紫红牡丹77 5.7双色牡丹85 5.8以牡丹为题材的创作92 5.9牡丹作品赏析92 《春风拂槛露华浓》92 《春酣》94 《天香》95 《醉春风》96

《飞扬的笔墨：中国山水画的意境与技法探索》 引言：墨分五色，气韵生动 中国山水画，作为东方艺术的瑰宝，其核心精神在于“写意”与“造境”。它不仅是对自然景物的描摹，更是画家内心世界与宇宙哲思的物化呈现。本书《飞扬的笔墨：中国山水画的意境与技法探索》，旨在带领读者深入领略中国山水画的博大精深，从宏观的审美哲学到微观的笔墨运用，构建起一个系统而又富有启发性的学习路径。我们不求一蹴而就的技巧复制，而在于培养对“气韵生动”的理解与感悟。 第一章：追溯源流——山水画的哲学根基与历史脉络 中国山水画的诞生，深受道家“道法自然”和儒家“天人合一”思想的影响。本章将首先探讨这种哲学思想如何内化于山水画的创作之中。 1.1 “卧游”的哲学：山水画的审美初衷 自魏晋南北朝始，山水画逐渐脱离人物画的附属地位，成为独立的画科。我们详细考察谢赫“六法”中“气韵生动”的内涵，并结合顾恺之的“传神论”，解析古人如何通过笔墨捕捉自然界的生命力与内在精神。重点阐述“可行、可望、可游、可居”的审美范畴，理解山水画作为“可居之所”的精神意义。 1.2 荆关董北：宗派的形成与风格演变 本章将按时间顺序梳理山水画史上的重要流派： 唐代的青绿山水与水墨的萌芽： 李思训的富丽堂皇与王维的诗画合一尝试。 宋代的理性高峰： 范宽的雄伟壮阔（如《溪山行旅图》），郭熙对“可居”意境的精细阐释，以及李唐、刘松年的院体画风。 元代的文人画确立： 董源、巨然开创的江南派（披麻皴的滥觞），以及“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何以笔墨抒发个人情怀，强调“胸中有丘壑”。 明清的融合与创新： 吴门画派的细腻雅致，董其昌的“南北宗”论对后世的影响，以及“四王”对传统技法的集大成与程式化探索。 通过对这些历史节点的梳理，读者能清晰地认识到山水画发展的内在逻辑：从写实到写意，从技法到心法的递进过程。 第二章：笔墨本体——工具的特性与基础技法精解 水墨，是中国山水画的灵魂。本章回归到最基础的实践层面，剖析笔、墨、纸、砚四者结合时产生的微妙变化。 2.1 笔法的刚柔相济：点线面的控制 执笔与运腕： 详细图解悬肘、提按、中锋、侧锋的正确姿态与力度控制。强调“力透纸背”并非一味求重，而是内在精气的贯注。 皴法探源： 集中讲解中国山水画中最具代表性的三十余种皴法，如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等，并分析每种皴法适用的对象（如山石、树皮、土坡）及其所蕴含的时代风格。 点法与苔点： 探讨点法的变化——介字点、横点、竖点，以及如何运用苔点来增强山石的湿度与肌理感。 2.2 墨法的层次变化：干湿浓淡的运用 墨法是表现水墨画体积感和空间感的关键。 调墨的艺术： 教授如何快速准确地调配出焦、浓、重、中、清五种墨色，以及在不同湿度下墨色的晕染效果。 积墨与泼墨： 深入解析积墨法（层层叠加以求厚重感）与泼墨法（以大面积水墨晕化营造空灵感）的具体操作步骤和收笔技巧。 破墨与宿墨： 探讨如何利用“破墨”技法（在已干或半干的墨色上再次施加墨色）来制造丰富的变化，并介绍“宿墨”（隔夜之墨）在营造苍茫感上的特殊作用。 第三章：造境为王——山石、树木与水的造型规律 山水画的构成要素——山、石、树、水、云，各有其独特的造型语言和笔墨规律。 3.1 山石的骨架与血肉 山石是中国山水画的主体。本章强调“骨法用笔”在表现山石结构上的重要性。我们将以单元练习的形式，分解“高远、深远、平远”三种构图对山石处理的要求，并详解如何通过皴法和留白来表现岩石的向背、质地和体量感。重点解析不同画派（如黄公望的简练与王蒙的繁密）在山石处理上的差异化表达。 3.2 树木的姿态与生命力 树木是山水的“发肤”和“点睛”之笔。 树干的骨力： 讲解传统“干法”（如蟹爪枝、鹿角枝）的绘制要领，强调树干的生长逻辑和年代感。 树叶的点法： 系统介绍点叶派（如南宋院体）的层层点染技巧，以及写意派（如文徵明）中对单笔画叶的运用，如何通过叶片的疏密表现季节与气候。 3.3 动静的平衡：水与云的表现 水是流动的生命，云是变化的气息。本章教授如何用最简洁的线条（水纹）来表现水的形态（瀑布、江河、湖泊），并重点讲解“留白”在表现云雾缭绕、山体隐现中的决定性作用，这是中国山水画区别于西方绘画的关键所在。 第四章：空间布局与诗意栖居——构图与落款 一件成功的山水画作，是笔墨技巧与空间智慧的完美结合。 4.1 计白当黑的构图法则 深入剖析中国画的“散点透视”原理，讲解如何打破单一视点，引导观者在画面中游走。重点解析“三远法”的实际运用，如何平衡前景、中景与远景的层次感，确保画面既充实又不显拥挤。学习如何利用前景的重墨（如巨石、古树）来衬托远景的虚化（如云海、远山），形成强烈的空间对比。 4.2 诗情画意：题跋与印章的完成 山水画是“诗、书、画、印”四位一体的艺术。本章指导读者如何根据画作的意境，恰当地题写符合画面气氛的诗词或短语。讲解书法在落款时的字体选择（如行书、草书）与布局，以及印章（朱印、白文印）的色彩、大小和钤盖位置，使之成为画面不可分割的一部分，完成最终的“点睛”之笔。 结语：心手相应，自成一家 本书的最终目的，是启发读者建立自己的审美体系。山水画的学习并非简单的技巧累加，而是对传统精神的继承与对个体生命体验的表达。我们鼓励读者多临摹古人精品以“入格”，更要走入自然，以“出格”，最终达到笔墨随心，气韵自成的境界。拿起画笔，开始这场探索心灵与自然的旅程吧。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受就是“人文气息浓厚”。它不只是一本纯粹的绘画教程，更像是一本关于“东方美学”的入门读物。在讲解技法的同时，作者穿插了一些关于牡丹在中国文化中象征意义的介绍，这让我体会到，我们不仅仅是在复制一个物体，更是在传承一种古典的审美情趣。例如，在讲解如何运用“分染法”时，作者会提到不同颜色在传统文化中代表的寓意，这无形中提升了绘画的深度。此外，书中的范例图案选择得非常雅致，既有大家熟知的富贵牡丹，也有一些比较清雅的品种，拓展了读者的审美视野。微课视频的实用性也毋庸置疑，特别是当讲到一些需要极高精度的细节处理时，慢动作回放和特写镜头简直是救星，让我终于明白了那些“似有若无”的笔触是如何达成的。这本书将传统艺术的严谨和现代教学的便捷性结合得非常巧妙。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书主要是为了应对最近一个朋友的生日礼物定制需求，需要快速掌握工笔牡丹的精髓。说实话，时间紧任务重，我原本很担心学不来。但这本“精讲”的效率实在是太高了。它没有过多冗长枯燥的理论铺陈，而是直击核心——如何快速抓住工笔画的“神韵”。书中对于“墨分五色”的运用讲解得非常透彻，如何通过控制水分和墨量的比例，在不使用太多彩色的情况下，就能表现出花瓣的立体感和层次感，这对于追求效率的我来说，简直是宝典。而且，书中提供的“步骤拆解图”非常清晰，每一层上色后应该达到的效果都有明确标注，这大大降低了我试错的成本和时间。我照着书上的一个中等难度的作品练习了两天，已经能拿出手的作品了，这在以前是不可想象的。这本书的实用导向性非常强，目标明确，直奔主题，非常适合有明确学习目标和时间压力的学习者。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对流程控制有强迫症的人，看书最怕的就是逻辑混乱，今天教这个技法，明天又跳回去教上一步的准备工作。这本书的编排结构简直是强迫症患者的福音。它的章节推进非常线性且有逻辑，从工具材料的准备，到最基础的白描，再到分层上色和最后的提神（点睛），每一步都安排得井井有条，让人可以安心地跟随作者的节奏走下去。特别表扬的是，书中对不同品种牡丹的刻画技巧也做了区分，毕竟玫瑰和牡丹的线条语言是截然不同的，作者没有采用“一刀切”的方式，而是针对牡丹的富丽堂皇和层叠结构，提供了专门的应对策略。那些关于“花蕊”的处理技巧，更是令人拍案叫绝，简单几笔，那种繁复的质感瞬间就被勾勒出来了，极大地增强了作品的视觉冲击力。对于想要系统学习的爱好者来说，这本书的结构完整度非常高，几乎涵盖了从理论到实践的所有关键环节。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“精讲”类的教程书通常抱持着审慎的态度，总怕内容过于表面化，或者把复杂的步骤过度简化导致学不到真东西。然而，这本《牡丹工笔画法精讲》完全颠覆了我的印象。它没有那种浮夸的口号，而是用非常严谨的学术态度来解构工笔画的复杂性。书中对于“打底稿”的环节着墨颇多，这恰恰是很多初学者容易忽略但又至关重要的部分。作者详细阐述了如何根据花卉的生理结构来确定枝干的走向，避免了画出来的花朵显得“僵硬”或“不自然”。更让我惊喜的是，它还涉及到了“染色”的层次感处理，比如如何通过层层渲染，表现出牡丹花瓣那种丝绒般细腻的质感和深邃的光影效果，这已经超出了普通入门书的范畴，更像是一本专业的技法参考书。我试着按照书中的“罩染法”来处理一组花瓣，效果比我之前自己摸索出来的要自然灵动得多，可见作者深厚的功底和清晰的教学思路。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧真是没得挑，纸张厚实，色彩还原度高得惊人，拿在手里沉甸甸的，感觉就是一本精心制作的艺术品。我本来对工笔画有点畏惧，总觉得那需要极高的耐心和天赋，但翻开这本书的目录，就被它清晰的步骤和丰富的图例吸引住了。作者对于“从零起步”的理解非常到位，从最基础的笔法、墨色的调配，到花卉的结构解析，都讲解得极其细致。特别是关于勾线部分的示范，不同的线条粗细和力度变化，对营造花瓣的质感起到了关键作用，那些示范图简直可以作为临摹的范本。而且，书里还附带了微课视频，这一点太加分了，看书本上的静态图有时总是抓不住那种运笔的微妙感觉，有了视频辅助，简直是如虎添翼。我尤其喜欢它对牡丹不同生长阶段的描绘，从含苞待放到完全盛开，每一步的设色和晕染都有独到的见解，让人感觉自己真的在跟着老师一步步走进牡丹的内心世界。这本书不仅仅是教你画画的技法，更是在传授一种对美的观察和捕捉能力。