[A325] 戲曲學（一） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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曾永義 著 著

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店铺： 国际图书快线专营店

出版社： 三民

ISBN：9789571461366

商品编码：30023682391

包装：平裝

出版时间：2016-02-29

页数：755

正文语种：中文繁體

曾永義教授《戲曲學》含十二論：導論、資料論、劇場論、題材關目論、腳色論、結構論、語言論、藝術論、批評論、要籍述論、歌樂論、史論。前七論合為第一冊。藝術、批評、要籍三論合為第二冊。史論、歌樂論分別為第三冊、第四冊。

本書第一冊含七論子題十六：或論述兩岸戲曲在今日因應之道，文獻文物田調訪問觀賞五種戲曲研究資料必須兼顧；宋元瓦舍勾欄之樂戶歌妓與書會才人實為促成戲曲大戲之兩大推手；廣場踏謠、野臺高歌、氍毹宴賞、宮廷慶賀與勾欄獻藝五種戲曲劇場類型，各有質性；腳色名目根源市井口語，其符號化由於形近省文與音同音近之訛變；戲曲外在結構為其體製規律，內在結構為其排場類型；南北曲之語言質性風格頗不相同。

即此已可概見著者《戲曲學》突出時人之觀念與見解實多。

好的，这里是为您准备的图书简介，专注于介绍其他与戏曲学相关的，但不包含《[A325] 戲曲學（一）》内容的图书。 --- 璀璨的舞台：中国戏曲的多元探索与深度解析 一部跨越时代、聚焦中国传统表演艺术精髓的系列著作 中国戏曲，作为中华民族特有的舞台艺术瑰宝，集文学、音乐、舞蹈、武术、美术于一体，拥有数百年乃至上千年的深厚底蕴。本系列丛书，旨在通过系统梳理和深入剖析不同剧种、不同历史阶段的理论建构与实践经验，为戏曲研究者、从业者以及广大的戏曲爱好者提供一个全面、立体、富有洞察力的知识框架。本套丛书（除[A325] 戲曲學（一）外）涵盖了从历史源流到美学建构，从剧目分析到表演本体的多个维度，力求展现中国戏曲艺术的博大精深。 第一卷：戏曲理论的基石与源流（聚焦理论溯源与早期形态） 本卷着重考察中国戏曲理论体系的形成过程，追溯其在宋元明清时期的思想根源和学术争鸣。它并非简单罗列史实，而是着眼于“戏曲是什么？”这一根本问题的历史性回答。 一、前戏曲时代的艺术整合： 探讨“角抵”“参军戏”“傀儡戏”等早期表演形态，如何为后世戏曲的综合性艺术特征埋下伏笔。重点分析了宋代“瓦舍勾栏”的社会生态对早期市民娱乐形式的催生作用。 二、南戏与元杂剧的文本基础： 深入解析早期戏曲在文学形式上的突破，特别是《赵城板本》等重要文献的发掘与解读。关注其在叙事结构、角色类型化（如“四大本”的定型）上的贡献。 三、元代戏曲批评的兴起： 集中研究如钟嗣成《录鬼簿》、贾仲明的杂剧评论等早期批评文献，分析当时文人如何审视和评价新兴的舞台艺术。这部分内容将详尽剖析早期评论标准，如“关目新奇”“词语典雅”等，如何塑造了后世对“好戏”的认知。 四、明清戏曲思潮的演变： 考察自昆山腔兴起到传奇成熟阶段，理论焦点如何从“内容”转向“声腔与曲调规范”。重点研读早期戏曲理论家如徐渭、屠隆等对“雅正”与“俚俗”的辩论，揭示理论体系内部的张力。 第二卷：剧种的地理版图与风格分野（聚焦地方戏曲的地域性特征） 中国戏曲的生命力在于其地域多样性。本卷将目光投向广阔的地域，聚焦于非主流或具有强烈地域色彩的剧种，探讨地理环境、方言系统、民间信仰如何塑造成独特的舞台风格与审美取向。 一、声腔的生态学分析： 选取若干具有代表性的地方剧种（如徽剧、秦腔、湘剧、莆仙戏等），分析其核心板式、过门音乐的形成与演变。将声腔系统置于其方言语境中考察，解析“字正腔圆”的地域差异性。 二、脸谱与行头的符号学： 区别于通用程式化的脸谱，本卷深入考察特定剧种中，如川剧的“变脸绝技”、滇剧的“贴片”等独特的视觉符号系统。通过对服装、头饰、道具的细致描述，阐释其背后的文化意涵。 三、表演技法的差异化研究： 比较不同剧种在“做、念、唱、打”中的权重分配。例如，对川剧“丑”角在民间叙事中的独特地位，以及某些剧种中武功程式（如鞭杆、水袖功）的独有要求进行专项剖析。 四、剧种的生存与嬗变： 关注在现代社会中，那些濒临消亡或正在寻求“活化”的地方戏曲，研究其在抢救性保护、数字化记录以及创新改编中所面临的挑战与机遇。 第三卷：美学范畴与表演本体（聚焦程式化、虚拟性与审美体验） 本卷将研究的触角伸向戏曲艺术最核心的哲学层面——“程式”与“虚拟性”。它试图回答：戏曲是如何在写意化的舞台空间中，成功地构建出一个令人信服的艺术世界的？ 一、程式的建构与解构： 详细梳理“起势”“亮相”“圆场”“趟马”等基本程式的动作谱系。探讨程式并非僵死的套路，而是在特定语境下，如何被演员赋予新的情感与意图（“化古为新”）。本部分将区分“老生程式”“花旦程式”等在不同行当中的具体差异。 二、虚拟空间与时空观念： 戏曲舞台极简的布景是其显著特征。本卷分析了“一桌二椅”如何象征性地指代宫殿、厅堂、荒野；“马鞭”如何代表骑马远行。重点剖析“时空压缩”与“时空拉伸”的技巧，以及这种虚拟性如何与观众的心理预期产生共鸣。 三、意象与象征的运用： 考察戏曲中对自然物象的提炼，如水袖的翻飞象征流水、风声，乃至情绪的波动。分析“托景”“借景”等手法，探讨这些古典象征符号在当代审美中的生命力。 四、表演的“在场”与“不在场”： 这是一个关于演员精神状态的深入探讨。关注如何通过眼神、气韵（如“精、气、神”）的调动，使演员在表演“外在动作”的同时，完成“内在情态”的呈现，从而达到“形神兼备”的艺术境界。 第四卷：经典剧目的文本细读与舞台实践（聚焦名家名作的深度解剖） 本卷采取“以剧目为中心”的研究方法，选取具有里程碑意义的经典作品（如《牡丹亭》《搜腔》《霸王别姬》等），进行文本、音乐、表演的三角互证分析。 一、文本的文学史地位： 对选定剧目的文学价值进行重估，分析其在思想主题、人物塑造、结构布局上对后世的影响。例如，解析汤显祖“情”的主题是如何渗透到其每一个细节中的。 二、音乐的结构与叙事功能： 选取昆曲或京剧中的标志性唱段，进行乐谱的片段分析。重点阐释“板式转换”“过门音乐”在推动情节发展、刻画人物心境变化中的叙事功能。 三、舞台传谱的记录与重构： 这是一个强调“活的戏曲史”的部分。通过对特定历史时期著名演员（如程砚秋、梅兰芳、周信芳等）对同一角色的不同处理方式进行对比研究，探究同一剧目在不同大师手中如何焕发出新的生命力。研究内容将基于口述史资料、老录像与舞台记录文本。 四、导演介入与现代性转化： 考察自二十世纪中叶以来，导演艺术如何介入戏曲的创作与排演，传统“台柱子”主导的生产模式如何受到挑战。分析在现代剧场观念下，经典剧目如何在保持本体特色的同时，实现与当代观众的有效对话。 --- 本系列丛书，力图跳脱出单一剧种的局限，以宏大的视野审视中国戏曲的整体美学体系。它不仅是学术研究的参考，更是对中华传统美学精神的一次深度回望与致敬。通过对这些体系性的梳理与深挖，读者将能构建起一个坚实的戏曲知识大厦。

评分☆☆☆☆☆

这本书的侧重点，似乎非常偏向于“结构”和“文体学”的探讨，这一点对我触动很大。我一直以为戏曲研究多是停留在文本赏析层面，但这本书显然志不在此。它深入到了戏曲文本是如何被建构、如何服务于舞台呈现的底层逻辑。书中对于“程式化”的探讨尤其深入，作者没有简单地将程式化定义为“固定不变的套路”，而是阐释了它在不同语境下所承载的复杂文化信息和情感张力。这种深挖细节的功夫，体现了作者扎实的田野调查和长期的案头工作。阅读过程中，我发现自己对过去一些模糊的认知得到了极大的澄清，比如某个特定行当的舞台语言是如何从民间俗讲中提炼升华的，书里都有非常详尽的论证。对于想要从事舞台实践或导演工作的同仁来说，这本书简直就是一本不可多得的案头参考书，它提供了一种去“解构”和“重构”戏曲语言的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是层次分明的，但最让我感到震撼的，是它对“戏曲与权力”关系的探讨。作者以一种近乎社会学的冷峻视角，剖析了历代统治者对戏曲内容、乃至剧团生态的影响。这部分内容写得非常克制，但力量十足，揭示了艺术在社会结构中的复杂处境。比如，书中对于某一历史时期，官方审美趣味如何影响到民间剧目的审查和流传的分析，简直是教科书级别的论述。它让我意识到，我们所看到的那些“经典”，背后往往隐藏着复杂博弈的痕迹。这本书的行文风格在这个部分变得尤为沉稳有力，论据的堆砌恰到好处，没有丝毫煽情，全凭事实和逻辑说话，但读完后内心久久不能平静。它拓宽了戏曲研究的边界，使其不再局限于舞台美学本身，而是真正融入了历史学和社会学的宏大叙事之中，是一部真正有担当的学术著作。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的视角非常独特，它没有将戏曲仅仅视为一种“传统艺术”，而是把它放在了更宏大的文化和社会变迁的背景下去考察。作者探讨了不同历史时期，社会思潮如何渗透并塑造了戏曲的题材和表现手法，这一点非常发人深省。特别是关于清末民初，在西方文化冲击下，传统戏曲如何进行自我调适和革新的那几章，论述得尤为精彩。我记得有一段关于“新剧”与“旧戏”争论的描述，那种火花四溅的学术交锋，被作者描绘得栩栩如生，让我仿佛置身于那个风云变幻的年代，真切感受到了艺术家们的挣扎与探索。这本书的写作风格是那种非常严谨的学院派，但又不失文采，即使是一些比较枯燥的理论阐释，作者也能用非常清晰的逻辑链条串联起来，让你读起来虽然需要集中精神，但绝不会感到枯燥乏味。对我而言，这本书更像是一本打开了新世界大门的钥匙，让我对戏曲艺术的理解深度得到了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对戏曲理论不太感冒的人，通常觉得这类书籍要么太学术化，要么就流于表面。但这本书完全打破了我的固有印象。它的叙事方式非常灵动，尤其是在分析具体剧目片段时，作者的笔触就像是一位高明的导演在进行幕后讲解。他会从舞台调度、人物心理、到音乐结构，层层剥开一个经典场面的精妙之处。我记得有一次读到对某个经典桥段的结构分析，作者用一种近乎音乐分析的精确度去解构了演员的动作序列和情绪递进，那种“原来如此”的顿悟感，简直令人拍案叫绝。这本书的好处在于，它既能满足专业人士对理论深度的需求，又能让像我这样的普通爱好者，在欣赏戏曲时多了一双“会看”的眼睛。它教会的不是死记硬背的知识点，而是一种观察和理解艺术品的思维框架。每次重读某个章节，都会有新的体会，这才是好书的标志，对吧？

评分☆☆☆☆☆

这本书啊，说实话，我拿到手的时候还挺期待的，毕竟“戲曲學”听起来就很有深度，内容也确实不让人失望。开篇的导论部分，作者就用一种非常引人入胜的方式，将戏曲的起源和发展脉络梳理得井井有条。我特别喜欢他对于不同剧种之间相互影响的分析，那种细致入微的比较，简直就像是把一台精密的仪器拆开来给我们看每一个零件是如何协同工作的。比如，他对昆曲和京剧在唱腔和身段上的差异进行对比时，那种语言的描绘力极强，让我仿佛能亲耳听到两种不同的韵味在脑海中交织。而且，书中引用了大量的历史文献和一手资料，不是那种空泛的理论说教，而是扎扎实实的考据，这对于一个真正想钻研这门学问的人来说，是极其宝贵的财富。读完第一章，我对戏曲的整体结构就有了脱胎换骨的认识，不再是零散的片段印象，而是一个完整、有机的知识体系。这本书的排版和印刷质量也相当不错，拿在手里沉甸甸的，很有厚重感，这让阅读体验也提升了好几个档次。