色彩的高度：西方名家作品精选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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任志忠 著

图书标签:

• 艺术史
• 绘画
• 色彩
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• 艺术普及

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534027222

版次：1

商品编码：10194429

包装：平装

丛书名： 高等院校美术类学生专业参考大系

开本：大16开

出版时间：2009-06-01

用纸：铜版纸

页数：363

正文语种：中文

编辑推荐

　　素描的高度，速写的高度，插画的高度，水彩经典。

内容简介

　　在2008年9月出国之前，我就一直在酝酿以色彩为线索出一本书，向大家介绍西方的一批绘画大师。这些大师中的有些人以高超的绘画技巧，在世界绘画史上留下了自己的印迹；有些人则是在色彩的运用方法上另辟蹊径，成为无法复制的传奇人物；还有一部分大师，却是文怀而抱质，穷究绘画艺术的文化意义和社会价值，成为横亘在多个领域之间的文化丰碑。向国内的广大读者介绍这样一批绘画大师无疑需要对西方绘画史进行全面的梳理，从多个角度几个层面筛选出一些代表人物，集中体现绘画艺术中有关色彩运用所能达到的高度。
　　这本书收录了西方34位绘画大师的三百多幅作品，包括从尼德兰文艺复兴时期的伦勃朗到当代欧洲艺坛的明星里希特等画家的作品，历史跨度近400年，这段时间的西方绘画艺术可谓流派纷呈、众星璀灿。由于篇幅的限制，编者只能在具象绘画这个范围内选择一些代表人物，向广大读者介绍他们的代表作品。
　　欧洲文艺复兴开启了西方绘画艺术的新纪元，人文主义思想和科学研究这两种同质同向的元素结合之后，为艺术创作注入了持久而旺盛的生命力。此后的欧洲艺坛先后出现了印象派、后期印象派、纳比派、野兽派等极具创新意义的新艺术流派，产生了诸如伦勃朗、莫奈、塞尚等多位改写艺术史的绘画大师。这段时期同时也是欧美新艺术运动和新绘画思潮风起云涌、继往开来的时期，其间有印象主义直面自然，结合光学研究解放色彩的写生运动，有后期印象派重新思考绘画所涉及的基本问题，研究绘画本体规律的绘画结构主义运动，以及结合当代哲学、心理学、视知觉研究成果的新具象绘画运动。这些艺术运动对人类以往的绘画行为进行总结，对前人的绘画目的进行反思，对绘画的当代发展进行重新定位，为人类以后的艺术活动提供了可以借鉴的蓝本，呈现出一幅精彩而清晰的艺术生态图景。

目录

前言
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因
约翰内斯·维米尔
让·巴蒂斯特·西梅翁·夏尔丹
埃德加·德加
克劳德·莫奈
皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿
玛丽·卡萨特
保罗·塞尚
保罗·高更
文森特·凡·高
乔治·修拉
亨利·德·图鲁兹·劳特累费
博纳尔
爱德华·维亚尔
约翰·辛格·萨金特
华金·索罗利亚·巴斯蒂达
瓦伦丁·谢洛夫
尼古拉·费欣
埃贡·席勒
乔治·莫兰迪
柴姆·苏丁
阿尔贝夫·贾克梅蒂
巴尔蒂斯
安德鲁·怀斯
卢西安·弗洛伊德
菲利普·佩尔斯坦
阿维格多·阿利卡
罗纳德·布鲁克斯·基塔伊
格哈德·里希特
尤恩·乌格罗
安东尼奥·洛佩斯·加西亚
大卫·霍克尼
艾瑞克·费舍尔
拉尔斯·埃林

精彩书摘

　　伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因
　　伦勃朗1606年7月15日生于莱顿，1669年10月4日卒于阿姆斯特丹。其画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。伦勃朗莱顿时期(约1625 1631)的自画像尤为著名。他的主要作品还有《夜巡》、《西菲利斯的密谋》、《浪子回头》、《扫罗与大卫》等。其作品采取强烈的明暗对比，强调光线对画面效果和空间深度的影响。画面富有戏剧性。
　　伦勃朗14岁进莱顿大学，17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画，21岁时已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技Ij并逐步树立起自己的风格。1631年离开莱顿去阿姆斯特丹，成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。伦勃朗的肖像画中人物的安排具有戏剧性，他强化光源对画面的影响，这使他的作品效果明显有别于以往的传统绘画。同时他以神话和宗教故事为题材的作品也获得了好评。伦勃朗经常到乡村漫步和写生，创作了许多反映大自然的素描和版画，风格质朴。
　　由于伦勃朗的后期作品过于注重艺术效果而忽略了客户的要求，所以他的作品销售逐年下降，到后来几乎无人问津。再加上他为了画画经常采购大量的衣物和绘画工具，从不计较财产，所以很快就到了破产的边缘。1669年他在贫病中去世，身边只有女儿陪伴，死后葬在西教堂一个无名墓地中。

前言/序言

好的，以下是一本图书的详细简介，该书内容与“色彩的高度：西方名家作品精选”无关： --- 《失落的织法：中世纪欧洲修道院手抄本的图像学与社会史》 作者： 艾莉森·霍金斯 (Alison Hawkins) 出版社： 远山文库 装帧： 精装，附赠高清拉页图集 页数： 680页 定价： 198.00 元 --- 内容简介 在光影交错的羊皮纸上，重现失落的信仰与权力图景。 《失落的织法：中世纪欧洲修道院手抄本的图像学与社会史》是一部深度聚焦于公元8世纪至14世纪欧洲修道院手抄本（Illuminated Manuscripts）的开创性研究。本书超越了传统艺术史对“精美插图”的审美赞颂，转而深入探究这些中世纪“书籍的建筑”——它们如何在修道院的知识生态系统中被创作、使用、携带，并最终折射出中世纪教会、贵族阶层以及知识精英之间的复杂权力关系与文化认同。 作者艾莉森·霍金斯教授，作为享誉国际的符号学与中世纪研究学者，耗费二十余年时间，查阅了从爱尔兰的凯尔特修士到法国克吕尼修道院的数千份手稿档案。本书的核心论点在于：手抄本并非孤立的艺术品，而是作为一种“物质文本”参与了中世纪的社会实践。 它们是祈祷的工具、权力的象征、异端思想的屏障，也是中世纪学者建构宇宙秩序的微观模型。 第一部分：物质性与劳动——羊皮纸的炼金术 本部分细致剖析了制作一本中世纪手抄本所需的全部物质过程，将其视为一种集体劳动与专业化技能的体现。 1. 羊皮纸的起源与伦理： 霍金斯教授详尽描绘了从牲畜宰杀、浸泡、刮削到最终打磨羊皮纸的繁复过程。她挑战了“羊皮纸即完美载体”的传统观念，指出不同地区、不同时期对皮源的选择（如犊皮、羊皮）不仅受制于经济条件，更蕴含着地域性的“动物伦理”和对文本神圣性的认知差异。例如，她对比了盎格鲁-撒克逊地区对粗糙羊皮纸的使用与卡洛林王朝对精细小牛皮纸的偏爱，揭示了不同教派对“可触及的虔诚”的不同理解。 2. 色彩的社会学： 书中对颜料和金箔的使用进行了社会学层面的考察。颜料不仅仅是装饰，更是价值的体现。群青（Lapis Lazuli）的采购路线——穿越险峻的贸易通道从阿富汗东部运抵莱茵河畔——本身就是一部中世纪的全球经济史。作者探讨了修道院何时开始“节制”使用昂贵颜料的现象，这是否预示着财政困难，还是教规改革对奢靡的抵制？ 3. 抄写员的工作场域： 霍金斯首次引入了“抄写间”（Scriptorium）的考古学证据，构建了不同修道院抄写间的微环境模型。光线、温度、隔音效果如何影响抄写员的效率与错误率？抄写员之间的互动，如口述校对（Dictation）的技巧，如何影响了文本的最终形态？ 第二部分：图像的解构——叙事与隐喻的重置 本书的图像学分析尤其深刻，它拒绝将插图视为文本的附属品，而是将其视为具有独立解释权和影响力的符号系统。 1. 边饰（Margins）的叛逆： 传统的图像学倾向于关注正文或主要插图，而本书聚焦于“边饰”——那些常常被认为是随意的、甚至滑稽的装饰性元素。作者展示了这些边饰中潜藏的社会评论：怪诞的动物（Grotesques）、拟人化的植物，甚至是描绘农民与僧侣嬉闹的场景，是如何在中世纪严格的教义框架下，巧妙地释放了潜意识的焦虑和对世俗生活的渴望。这些“失序的图像”是修士们在冗长抄写过程中集体潜意识的流露。 2. 字母的“神圣几何”： 对首字母（Initials）的分析是本书的亮点。从宏大的“生命之树”到复杂的交织图案（Interlace），作者运用几何拓扑学原理，解读了这些字母如何构建出一种视觉化的“神圣秩序”。例如，特定修道院首字母的结构模式，与其修道院院长的神学立场之间是否存在直接关联。 3. 叙事中断与“未完成”的文本： 霍金斯研究了一批“未完成”的手稿，它们在关键段落突然停止插图绘制。她提出，这些中断并非仅仅是资金耗尽或抄写员死亡所致，更可能是某种神学上的犹豫或对某一教义表述的“技术性恐惧”，导致创作者无法用图像来“完成”一个他们认为可能具有潜在危险的叙事。 第三部分：手稿的生命周期——从修道院到王室 本书的最后一部分追溯了手稿的社会流转，探讨了它们如何在不同的权力中心之间迁移，并被重新“编码”。 1. 知识的隔离与传输： 探讨了在欧洲动荡时期（如维京人的劫掠或领主战争），修道院如何将最具价值的手稿“迁移”至更安全（通常是更富裕）的附属教堂或贵族府邸。这种迁移过程本身就是对文本价值的重新评估，意味着文本的“修道院身份”正在被“世俗权力身份”所取代。 2. 读者群的演变： 手稿从最初服务于集体礼拜仪式（如弥撒用书），逐渐演变为服务于个人冥想（如个人祈祷书），再到最终被世俗君主收藏作为知识权力的展示。作者通过分析手稿上的批注、折角（Dog-earing）和污渍，重建了不同时代读者的互动模式。一处咖啡渍可能意味着它曾被一位文艺复兴时期的学者在私人书房中研读，这与它原先在冰冷石墙修道院中的地位形成了鲜明对比。 3. 身份的消解与重构： 许多手稿在后世被拆解，其装饰性页面被用于制作新的书脊或作为书签。霍金斯称此为“文本的二次死亡”。通过对这些碎片化材料的追溯，本书揭示了中世纪知识在时间洪流中的脆弱性，以及后世如何无意识地参与了对这些“失落织法”的解构过程。 --- 本书特色： 跨学科的整合： 融合了艺术史、符号学、物质文化研究和经济史，为手抄本研究提供了一个全新的社会学框架。 丰富的图例： 全书收录超过300幅高清黑白插图，并附赠一本包含50幅专业彩色高分辨率拉页图集的附件，详细展示了“未被充分解读”的边饰细节。 严谨的史料挖掘： 基于对数个主要修道院档案中“库存清单”、“采购账簿”和“修士日记”的深入爬梳，首次揭示了手稿制作背后的财务与后勤真相。 《失落的织法》不仅是关于中世纪书籍的专著，更是关于信仰、权力、劳动与知识如何在物质世界中交织、传承与最终消散的深刻沉思。 它邀请读者放下对“黄金装饰”的迷恋，转而倾听羊皮纸在历史长河中发出的微弱而坚韧的低语。

评分☆☆☆☆☆

我给这本书打五星，完全是因为它在学术深度和可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。我不是专业的美术史学者，但我也厌倦了那些浅尝辄止的介绍。这本书的文字功底非常扎实，行文流畅，引经据典却又不至于故作高深。它没有把艺术欣赏变成一场晦涩的考试，而是用一种近乎诗意的语言，引导你去感受光线如何被捕捉、颜料如何在画布上呼吸。比如，在解析某位印象派大师的作品时，作者对于“瞬间性”的捕捉和文字的对应，简直是神来之笔，读完后我立刻跑到窗边，试图用自己的眼睛去捕捉那些飞逝的晨光，那种体验是极其震撼的。这本书带来的最大价值，就是重新激活了我对日常世界中“观看”这件事情的热情。它教会我如何慢下来，真正去“看”一幅画，去理解色彩背后的情绪重量。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的太棒了，封面设计就给人一种沉静又充满力量的感觉，拿到手里的质感也很好，翻开目录，每一位艺术家的名字都闪闪发光，仿佛已经能感受到那些流传百世的杰作在眼前铺陈开来。我一直对西方艺术史抱有浓厚的兴趣，但很多画册要么过于学术化，要么排版过于单调，读起来总是提不起精神。然而，这本选集完全不同，它的编排非常有巧思，不仅仅是简单地罗列作品，更像是在构建一条流动的视觉叙事线。特别是那些关于色彩理论和光影处理的分析，简直是打开了我对传统认知的一扇窗。以前看画，总觉得美则美矣，却说不出所以然，现在读完一些导读，再回过头去看那些大师的作品，仿佛突然间获得了解码的钥匙，能更深层次地理解他们笔触背后蕴含的情感和哲学。每一次翻阅，都有新的发现，这绝对是一本值得反复品读的艺术经典之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局简直是艺术品本身，让人爱不释手。我是一个对细节有强迫症的读者，市面上很多艺术画册的纸张选择和装订方式，总会在我翻阅几次后就出现松动或折痕。但这本书的用纸厚实而富有纹理，即便是高饱和度的色彩图像，也处理得毫无拖泥带水之感，特别是对深色调的处理，层次感丰富，完全没有那种“糊掉”的廉价感。我注意到，不同章节的字体和版式都有微妙的调整，这可能很多人不会留意，但我认为这是编辑团队极具匠心的体现——他们似乎在用排版本身来呼应不同时代艺术风格的转变。这本画册不仅仅是知识的载体，它本身就是一件值得收藏的案头珍品，放在书架上，本身就是一道风景线，每次不经意间瞥到，都能感受到一股宁静而高级的艺术气息。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我购买这本书的初衷其实是希望能够系统梳理一下西方绘画中那些色彩的演变脉络。以往阅读的资料总是零散地提到“中世纪的蓝是珍贵的”“巴洛克的戏剧性色彩”等等，缺乏一个连贯的框架。这本精选集恰好填补了这个空白。它不仅仅展示了最终完成的作品，更像是一份详尽的“色彩研究报告”。作者非常擅长从矿物颜料的来源、化学特性，一直追溯到社会阶层对特定颜色的崇拜与禁忌，构建了一个多维度的分析体系。我尤其欣赏它对于“光”的阐释，从自然光到人工光，再到画家主观构建的光源，层层递进，让我明白，色彩从来不是孤立的，它永远依附于光和观看者的感知。这本书的知识密度非常高，但行文逻辑清晰，即便是初次接触艺术史的读者，也能轻松跟上思路，它提供的是一套看待世界的全新视觉语言体系。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种“精选集”是持保留态度的，总觉得精选就意味着会有很多遗憾的遗漏，或者为了迎合大众口味而牺牲了深度。但这本书彻底颠覆了我的看法。它选取的作品视角非常独特，既有我们耳熟能详的那些里程碑式的巨作，也穿插了一些相对冷门但艺术价值极高的作品。尤其是对不同时期和流派之间过渡的把握，做得极其细腻。比如，从中世纪晚期的神秘主义向文艺复兴的理性光辉过渡时，作者是如何通过对特定色彩和线条的运用，来展现社会思潮的变迁的，讲解得鞭辟入里。我特别喜欢它在讨论某幅画作时，对画家当时生活状态和心境的侧面描述，这种人文关怀让冰冷的艺术品瞬间鲜活了起来，让人感觉不是在看书，而是在与这些伟大的灵魂进行跨越时空的对话。这本书的装帧也很考究，油墨的印刷质量极高，色彩还原度几乎达到了原作的水平，这对于一本以“色彩”为核心的书来说，是至关重要的。

评分☆☆☆☆☆

不错，做活动的时候买的

评分☆☆☆☆☆

送货挺快的，拿到书质量也不错。。

评分☆☆☆☆☆

方便 价格便宜 送货很快

评分☆☆☆☆☆

很好，厚厚一本画选。

评分☆☆☆☆☆

表现怪诞的梦境，是现代绘画的第三条主流。形而上派和超写实主义的绘画是这一主流的典型代表。根据弗洛依德的观点，梦是无意识、潜意识的一种最直接表现形式，是本能在完全不受理性控制下的一种发泄，它以扭曲的形式剥露了人的灵魂深处秘而不宣的本质。而艺术创作也如同梦幻一般，是潜意识的表现和象征。画家们认为梦幻能显示“生命永恒”的“彼岸”，只有用梦幻纠正现实、改变现实，才能推倒通往“彼岸”的墙，达到神妙的超现实境界。意大利形而上派画家基里柯，被视为超写实主义绘画的先驱者。他的作品创造了现代艺术中最令人不安的梦幻景象：荒凉的意大利式广场上，笼罩着不详的阴云’死寂的光线让人毛骨悚然，似乎某种凶兆被永久地凝固在那里，互不相容的东西相遇在清澈的光线下，那些偶然而荒诞的内容令我们感到不安，然而，形象之间的奇异冲突及清澈气息，又具有某种神奇而特别的魅力。正如作家洛特雷阿蒙所言：“像一台缝纫机和一把阳伞在手术台上偶然相遇那样得美”。而超写实主义画家所追求的，正是这样的梦幻效果。他们在表象世界中加入自己的奇思怪想，这种怪想源自生命中最令人难以琢磨的因素“性、死亡、变态”......

评分☆☆☆☆☆

色彩的书，很厚，同类的书有很多，但这套书内容比其他的要丰富，虽然有些大杂烩的感觉，但整体还是不错的，比较划算。纸张比较薄，印刷有点灰，这个选用的纸关系非常大。但要印这么厚的书，如果用厚纸，翻阅起来会很麻烦，所以薄纸也有薄纸的好处。这本书收录了西方34位绘画大师的三百多幅作品，包括从尼德兰文艺复兴时期的伦勃朗到当代欧洲艺坛的明星里希特等画家的作品，历史跨度近400年，这段时间的西方绘画艺术可谓流派纷呈、众星璀灿。由于篇幅的限制，编者只能在具象绘画这个范围内选择一些代表人物，向广大读者介绍他们的代表作品。欧洲文艺复兴开启了西方绘画艺术的新纪元，人文主义思想和科学研究这两种同质同向的元素结合之后，为艺术创作注入了持久而旺盛的生命力。此后的欧洲艺坛先后出现了印象派、后期印象派、纳比派、野兽派等极具创新意义的新艺术流派，产生了诸如伦勃朗、莫奈、塞尚等多位改写艺术史的绘画大师。这段时期同时也是欧美新艺术运动和新绘画思潮风起云涌、继往开来的时期，其间有印象主义直面自然，结合光学研究解放色彩的写生运动，有后期印象派重新思考绘画所涉及的基本问题，研究绘画本体规律的绘画结构主义运动，以及结合当代哲学、心理学、视知觉研究成果的新具象绘画运动。这些艺术运动对人类以往的绘画行为进行总结，对前人的绘画目的进行反思，对绘画的当代发展进行重新定位，为人类以后的艺术活动提供了可以借鉴的蓝本，呈现出一幅精彩而清晰的艺术生态图景。

评分☆☆☆☆☆

印刷不错，是一本不错的书，值得一看。

评分☆☆☆☆☆

商品还不错。值得信赖。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

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