动漫秀场:超级漫画素描技法完全自学教程

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MCOO动漫 著
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  • 完全自学
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店铺: 文轩网旗舰店
出版社: 人民邮电出版社
ISBN:9787115223791
商品编码:1027887242
出版时间:2010-05-01

具体描述

作  者:MCOO动漫 著作 定  价:59 出 版 社:人民邮电出版社 出版日期:2010年05月01日 页  数:346 装  帧:平装 ISBN:9787115223791 章?认识和了解动漫?004
动漫概述?005
动漫的风格分类?005
写实类?005
Q版类?006
少年类?007
商业类?008
动漫的剧情分类?008
探险类?008
科幻类?009
神魔类?009
机战类?009
推理类?010
竞技类?010
搞笑类?010
热血类?011
运动类?011
感情类?011

第二章?动漫绘制工具?012
部分目录

内容简介

本书是“动漫秀场”系列中的一本。全书共10章,详细讲解了漫画素描所需的推荐知识,本书首先介绍了动漫的分类及绘制漫画所使用的工具,然后具体讲解了人物头部、身体和角色造型的绘制技法,还附带讲解了动漫作品中动物及神怪造型的绘制技法,*后讲解了营造气氛的场景的绘制技法和人物的上色技巧。
????本书讲解系统,图例丰富精美,适合初、中级动漫爱好者作为自学用书,也适合相关动漫专业作为培训教材或教学参考用书。

    Photoshop是平面图像处理业界霸主Adobe公司推出的跨越PC和Mac平台的首屈一指的大型图像处理软件。它功能强大,操作界面友好,得到了广大第三方开发厂家的支持,从而也赢得了众多用户的青睐。
    Photoshop提供了相当简捷和自由的操作环境,从而使我们的工作游刃有余。从某种程度上来讲,Photoshop本身就是一件经过精心雕琢的艺术品,更像为您量身定做的衣服,使用不久就会觉得倍感亲切。当然,简捷并不意味着傻瓜化,自由也并非随心所欲,Photoshop是一款大型图像处理软件,想要用好它不是在朝夕之间就成的,只有长时间的学习和实际操作,我们才能充分利用好它。
    Corel Painter是一款极其很好的仿自然绘画软件,拥有等

????Photoshop是平面图像处理业界霸主Adobe公司推出的跨越PC和Mac平台的首屈一指的大型图像处理软件。它功能强大,操作界面友好,得到了广大第三方开发厂家的支持,从而也赢得了众多用户的青睐。
????Photoshop提供了相当简捷和自由的操作环境,从而使我们的工作游刃有余。从某种程度上来讲,Photoshop本身就是一件经过精心雕琢的艺术品,更像为您量身定做的衣服,使用不久就会觉得倍感亲切。当然,简捷并不意味着傻瓜化,自由也并非随心所欲,Photoshop是一款大型图像处理软件,想要用好它不是在朝夕之间就成的,只有长时间的学习和实际操作,我们才能充分利用好它。
????Corel?Painter是一款极其*秀的仿自然绘画软件,拥有全面和逼真的仿自然画笔,它是专门为渴望追求自由创意及需要数码工具来仿真传统绘画的数码艺术家、插画画家及摄影师而等
动漫人物的骨骼与肌肉:理解形体动态的关键 本书将深入剖析动漫人物绘制中的核心要素——骨骼与肌肉。许多初学者在描绘人物时,常常陷入“画皮”的困境,即仅仅停留在表面形态的模仿,而无法理解身体内部结构的运作。这就导致了人物动作僵硬、比例失调,缺乏生命力。本书的目的在于,通过系统化的讲解,帮助读者建立起扎实的骨骼与肌肉知识体系,从而能够自信、准确地绘制出各种动态的人物形象。 第一章:骨骼——人体造型的基石 头颅的构成与比例: 我们将从最能体现人物个性的头部开始。详细介绍头骨的基本结构,包括颅骨(额骨、顶骨、颞骨、枕骨)和面骨(鼻骨、颧骨、上颌骨、下颌骨)的主要部分。 讲解如何根据头骨的结构来确定脸部五官(眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵)的准确位置和比例,强调“三庭五眼”等经典比例法则在动漫风格中的应用和变体。 探讨不同角度下的头颅透视,如正面、侧面、四分之三侧面、俯视、仰视等,并结合头骨结构分析这些角度下头部的视觉变化。 我们将分析如何通过头骨的起伏来塑造人物的面部表情,例如,通过额骨和颧骨的挤压来表现惊讶,通过下颌骨的突出和嘴部肌肉的拉伸来表现愤怒。 脊柱与躯干的活动关节: 脊柱是连接头部与身体、支撑身体重心的关键。我们将介绍脊柱的构成,包括颈椎、胸椎、腰椎、骶骨和尾骨,并讲解其各自的活动范围和特点。 重点分析脊柱的弯曲和扭转对人物动态的影响。通过理解脊柱的灵活性,读者能够绘制出更具表现力的侧身、扭腰、前倾、后仰等动作。 详细讲解胸腔和骨盆的结构,以及它们与脊柱的连接方式。理解胸腔和骨盆的关系,对于掌握身体的重心转移和平衡至关重要。 四肢的骨骼结构与关节: 肩部与手臂: 详细剖析肩胛骨、锁骨、肱骨、尺骨、桡骨以及腕骨、掌骨、指骨的连接和功能。讲解肩关节、肘关节、腕关节的活动范围和限制,分析手臂在不同姿势下的自然弯曲和拉伸。 骨盆与腿部: 深入研究骨盆的形状和组成,以及其与脊柱的连接。讲解股骨、胫骨、腓骨以及踝骨、跖骨、趾骨的结构。重点分析髋关节、膝关节、踝关节的活动原理,以及腿部在站立、行走、奔跑、跳跃等动作中的受力与变化。 手部与脚部: 手部和脚部是表现人物细节和情绪的重要部位。我们将细致讲解手部27块骨骼的排列,以及它们如何协同工作以完成各种精细动作。同样,脚部骨骼的结构也决定了人物在地面上的稳定性和运动方式。 骨骼比例与人体测量: 介绍几种常用的动漫人物骨骼比例测量方法,例如以头部高度为单位的“头身比”。 讲解不同年龄、性别、体型的人物在骨骼比例上的差异,以及如何在基础骨骼结构上进行微调,以创造出独具个性的角色。 强调骨骼的“长度”和“厚度”在视觉呈现上的作用,以及它们如何影响人物的整体观感。 第二章:肌肉——赋予形体的生命力 肌肉与骨骼的协同工作: 我们将从宏观上理解肌肉覆盖在骨骼之上,通过收缩和舒张来牵引骨骼运动的原理。 重点讲解主要肌肉群的起止点和功能,例如胸肌、背阔肌、腹肌、肱二头肌、肱三头肌、股四头肌、小腿肌群等。 通过图示和解剖图,直观展示肌肉的形状和体积,以及它们在不同运动状态下的形态变化。 体块的塑造:以肌肉为基础: 理解肌肉的体积感是塑造人物体块的关键。我们将讲解如何将复杂的肌肉结构简化为基本的几何体块,如立方体、球体、圆柱体等,以便于绘制。 分析不同肌肉群对身体表面轮廓的影响,例如,发达的胸肌会使胸部呈现出饱满的弧度,而强壮的背肌则会使背部显得宽阔有力。 讲解如何在绘制中通过明暗和线条的变化来表现肌肉的起伏和体积感,营造出立体逼真的效果。 表情肌与情绪的表达: 面部表情是人物情感的直接载体。我们将深入研究支配面部表情的细小肌肉群,例如额肌、皱眉肌、眼轮匝肌、口轮匝肌、颧大肌等。 分析这些肌肉在收缩时如何牵动皮肤,从而产生喜、怒、哀、乐、惊、恐等各种表情。 结合骨骼知识,讲解如何在特定表情下,面部骨骼与肌肉相互作用,形成独特的面部轮廓和动态。 肌肉的拉伸与收缩在动态中的表现: 这是本书的核心内容之一。我们将通过大量实例,演示在各种动作中,哪些肌肉会收缩绷紧,哪些肌肉会拉伸舒展。 例如,在弯腰时,背部肌肉会拉伸,而腹部和腿部肌肉会收缩;在跳跃向上时,腿部和臀部肌肉会极度收缩发力,而背部肌肉则会协调配合。 强调理解肌肉的动态变化,能够让人物的动作更加流畅、自然,充满力量感和张力。 动漫风格下的肌肉表现: 虽然我们讲解的是人体解剖学原理,但最终目的是服务于动漫创作。我们将探讨如何在动漫风格中,对肌肉进行适当的夸张、简化或变形,以符合不同的艺术风格。 例如,一些写实风格的动漫会追求更接近真实的肌肉表现,而一些Q版或少女漫画则可能对肌肉的处理更加柔和或省略。 我们将分析如何根据角色的设定,选择合适的肌肉表现方式,使其既有体积感和力量感,又不失动漫的独特魅力。 第三章:骨骼与肌肉的综合应用——绘制生动的人物 从骨架到血肉:绘制过程解析: 我们将演示从绘制基础骨架开始,逐步添加肌肉,最终形成完整人物的过程。 强调在绘制中,始终要“心中有骨骼,手中描肌肉”的观念。即使不直接画出骨骼和肌肉,也要以此为依据来判断比例、结构和动态。 提供不同姿势下的骨骼与肌肉叠加绘制实例,帮助读者理解整个绘制流程。 动态透视下的骨骼与肌肉变化: 将骨骼与肌肉的知识,与透视原理相结合。分析在不同透视角度下,骨骼和肌肉的形状、体积和连接关系会发生怎样的变化。 例如,在仰视角度下,我们看到的骨骼和肌肉会显得更加粗壮和有力;在俯视角度下,则会显得更加扁平。 通过大量的透视绘制练习,让读者掌握如何在复杂的动态透视中准确绘制出人物的形体。 角色设计的骨骼肌肉考量: 本书不仅教你如何画,更教你如何“为什么这么画”。我们将引导读者思考,角色的职业、性格、经历等因素,如何影响其骨骼和肌肉的特点。 例如,一个常年进行体力劳动的角色,其肌肉会更加发达;一个身手敏捷的刺客,其肢体可能更显修长和灵活。 通过分析不同类型角色的设计案例,启发读者在创作中,能够更深入地理解角色,并赋予其更具说服力的形体特征。 常见问题分析与练习指导: 针对初学者在绘制骨骼和肌肉时常遇到的困难,如比例失调、动作僵硬、肌肉穿帮等,提供具体的解决方案和改进建议。 提供一系列由易到难的绘制练习,涵盖静态姿势、动态姿势、表情刻画等多个方面,帮助读者巩固所学知识,提升实战能力。 鼓励读者多观察生活中的人体,分析其结构和运动规律,并尝试将其运用到绘画中。 通过本书的学习,读者将不再满足于模仿表面的线条,而是能够真正理解动漫人物为何会呈现出特定的形态,为何在某个动作中会显得如此有力或如此轻盈。掌握了骨骼与肌肉的原理,就如同获得了打开人体奥秘的钥匙,能够让你笔下的人物拥有灵魂,充满生命力,跃然纸上。

用户评价

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我一直认为,学习绘画最大的挑战之一就是如何让画面“活”起来,而这本《动漫秀场》恰恰在这方面给予了我极大的帮助。它并没有止步于静态的绘画技巧,而是着重强调了“动感”的塑造。书中对于如何绘制人物的动态姿势,可谓是倾囊相授。它会从最基础的骨骼结构开始讲解,如何利用简单的线条勾勒出人物的身体骨架,然后是如何在骨架的基础上添加肌肉和关节,最终形成流畅自然的身体姿态。我特别喜欢它对于“运动轨迹”的讲解,书中通过大量的动作示例,比如奔跑、跳跃、挥拳等,让你理解如何捕捉人物运动过程中的关键帧,并通过残影、速度线等表现手法来增强画面的动感和冲击力。这些技巧让我觉得,即使是静态的漫画画面,也能从中感受到角色强烈的动势。另外,这本书在背景绘制方面也给了我很多实用的指导。漫画的背景不仅仅是简单的衬托,更是营造氛围、推动剧情的重要元素。书中会从基础的透视原理延伸到如何绘制复杂的场景,例如如何表现远景的模糊感,如何利用线条的疏密来引导读者的视线,以及如何通过色彩和光影来烘托画面的情绪。我印象深刻的是,它会教你如何绘制充满年代感的街景,如何营造神秘莫测的森林氛围,这些都让我觉得,背景的绘制不再是一件枯燥的任务,而是充满创造力的过程。

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我是一个对二次元文化充满热情,并且一直渴望能够自己动手创作漫画的初学者。在接触了大量的网络教程和零散的绘画书籍后,《动漫秀场》这本书无疑是我遇到的最系统、最全面的一本。《动漫秀场》的编排结构非常合理,它并没有一下子就把读者推向复杂的绘画世界,而是从最最基础的元素开始,循序渐进地引导读者掌握绘画技巧。首先,它会详细讲解如何正确握笔、如何控制线条的粗细和力度,这些看似简单的基础,却对后续的绘画至关重要。然后,它会从最基本的几何图形入手,教你如何用圆形、方形、三角形等来搭建出各种基础形状,并且是如何将这些基础形状组合起来,形成人物的头部、身体,以及四肢。这种“化繁为简”的学习方式,让我在绘制过程中一点点建立起信心。我尤其欣赏书中对于“结构化”的讲解,它会告诉你画画不仅仅是“画好看”,更是要“画对”。例如,在讲解人物比例时,它会详细解释不同身体部位的比例关系,以及这些比例如何影响人物的视觉感受。书中还会提供大量的练习素材和参考图,让你能够在实践中不断巩固所学知识,并且在遇到问题时,也能从中找到解答。

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我一直对日本动漫中那些细腻入微的人物表情和肢体语言印象深刻,也曾无数次地想要模仿,但总是感觉无法抓住其中的精髓。《动漫秀场》这本书,正好弥补了我在这一方面的不足,让我看到了学习的希望。《动漫秀场》在人物“动态表现”和“情感传递”方面,做到了非常深入的讲解。它不仅仅是停留在教你画出人物的静态姿势,更是着重于如何表现人物的“动感”和“情绪”。书中会从最基础的骨骼结构入手,教你如何通过简单的线条勾勒出人物的身体骨架,然后是如何在骨架的基础上添加肌肉和关节,最终形成流畅自然的身体姿态。我特别喜欢它对于“重心转移”和“身体协调性”的讲解,这些都是表现人物动态的关键。此外,书中对人物表情的刻画也达到了炉火纯青的境界。它会详细地分析各种面部表情的构成,例如如何通过眉毛、眼睛、鼻子、嘴巴的细微变化来传递喜怒哀乐等情绪。我印象深刻的是,它会用大量的对比图,让你直观地看到同一个表情在不同角度、不同人物脸上的表现差异,并且会告诉你如何通过眼神来塑造角色的个性和内心世界,这些都让我觉得非常实用。

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一直以来,我都对那些充满想象力的漫画角色着迷,也曾无数次地想过,自己是否也能创造出这样独一无二的人物。在翻阅了《动漫秀场》之后,我发现这本书在这方面给予了我前所未有的启发。《动漫秀场》在角色创意和设计方面,提供了一套非常系统且富有实践性的方法论。它并没有仅仅停留在理论层面,而是通过大量的案例分析,教你如何从零开始构建一个有血有肉的漫画角色。书中会引导你思考角色的性格、背景故事,以及他/她所处的环境,然后如何将这些元素转化为角色的外形特征。例如,它会教你如何通过角色的发型、服饰、配饰,甚至是微小的面部特征,来暗示角色的身份、职业、甚至是性格特点。我特别喜欢它关于“色彩心理学”的运用,书中会分析不同颜色所代表的情感意义,以及如何根据角色的性格和故事氛围来选择合适的色彩搭配,从而增强画面的表现力。更让我惊喜的是,它还提到了如何为角色设计独特的“符号化”特征,比如某种标志性的物品,或者是一个特别的姿势,这些都能让你的角色在众多漫画人物中脱颖而出。书中还会指导你如何进行“系列角色”的设计,比如如何让同一个世界观下的角色在风格上保持统一,同时又拥有各自的鲜明特色,这对于想要创作漫画故事的读者来说,是极其宝贵的财富。

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作为一名曾经尝试过写一些简单的漫画故事的爱好者,我深知一个好的漫画脚本的重要性,但同时也苦于不知道如何将脑海中的画面转化为具体的文字描述。这本《动漫秀场》在漫画的叙事和构图方面,给予了我巨大的启发。《动漫秀场》并没有仅仅关注绘画技巧,而是将绘画与叙事紧密结合。它会教你如何通过画面的构图来引导读者的视线,如何利用分镜的节奏来控制故事的进展。书中会分析不同的分镜手法,例如特写、中景、远景的切换,以及它们在表达情感、展示细节、营造氛围方面的作用。我尤其喜欢它关于“节奏感”的讲解,它会告诉你如何在平缓的叙事中穿插紧张的画面,如何在激烈的冲突后安排舒缓的过渡,这些都让漫画的阅读体验更加流畅和引人入胜。更让我惊喜的是,书中还提到了如何通过画面的“留白”来制造悬念和想象空间,以及如何利用“透视”和“角度”来增强画面的表现力和冲击力。它还会教你如何根据故事的内容,来设计出符合逻辑且富有表现力的漫画场景,例如如何在有限的画面空间内展现出宏大的战争场面,或者如何用简单的背景来突出角色的内心独白。这些技巧让我意识到,绘画不仅仅是“画得像”,更是“如何画得有故事”。

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坦白说,我是一名对漫画绘画领域充满好奇但又完全新手的小白,以往尝试过几本绘画教程,但总觉得门槛太高,要么太理论化,要么就是内容过于零散。《动漫秀场》的出现,彻底改变了我对绘画教程的看法。这本书最大的特点就是它的“零基础友好”设计。从最最基础的握笔姿势、线条的粗细变化开始,每一个步骤都讲解得非常细致,仿佛作者就在你身边手把手地教你一样。它没有上来就讲复杂的结构,而是先从最简单的几何图形入手,教你如何用圆形、方形、三角形来搭建出各种基础形状,然后是如何将这些基础形状组合起来,形成人物的头部、身体,以及四肢。这种由简入繁的学习方式,让我这个完全没有绘画基础的人,也能轻松跟上节奏,并且在绘制过程中体会到成就感。我尤其赞赏书中对于“简笔画”的运用,它会告诉你如何用最简单的线条来概括人物的轮廓和关键特征,这对于初学者来说,是非常有效的练习方法,能够快速培养绘画的“感觉”。更重要的是,这本书非常注重“概念化”的讲解,它会告诉你为什么需要这样做,而不是简单地告诉你“怎么做”。比如,在讲解人物比例时,它会解释不同身体部位的比例关系,以及这些比例如何影响人物的视觉感受,这种“知其然,更知其所以然”的学习方式,让我更容易理解和掌握绘画的精髓。

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在接触《动漫秀场》之前,我一直认为漫画绘画是一门非常神秘的艺术,需要极高的天赋和多年的刻苦训练才能掌握。然而,这本书却用一种非常亲民且富有启发性的方式,打破了我的固有观念。《动漫秀场》最让我眼前一亮的是它对于“表现力”的强调,它不仅仅是教你如何画出准确的比例和流畅的线条,更是教你如何用画面来“说话”。书中会深入剖析如何通过画面的构图、光影、色彩等元素,来传递角色的情绪、营造画面的氛围,以及推动故事的发展。我尤其喜欢它关于“构图”的讲解,它会教你如何利用画面的黄金分割、对称、对角线等构图法则,来增强画面的美感和视觉冲击力。书中还会分析不同构图方式在叙事中的作用,例如如何利用特写来强调角色的情感,如何利用远景来展现宏大的场景,这些都让我意识到,构图不仅仅是为了美观,更是为了更好地传达信息。此外,书中对于“色彩运用”的讲解也让我受益匪浅。它会分析不同颜色所代表的情感意义,以及如何根据画面的主题和风格来选择合适的色彩搭配,从而增强画面的表现力。这本书让我明白,漫画绘画是一门既需要技巧,又需要创意的艺术。

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这是一本我寻觅了很久的漫画绘画入门书籍,虽然书名听起来可能有点“大众化”,但真正翻开之后,我才发现它的惊喜之处。首先,它的排版设计就非常吸引人,色彩鲜明,插图精美,即使是零基础的读者,也能立刻被那些生动的人物形象和流畅的线条所打动,产生跃跃欲试的冲动。书中对于基础线条的讲解,不是简单地罗列一些几何图形,而是通过大量的实例,告诉你如何通过线条的变化来表现物体的体积感、光影感,以及人物的情绪。例如,它会详细拆解一个简单的圆如何变成一个充满弹性的角色面部,又如何通过粗细、虚实的线条变化来区分不同材质的衣物。更让我惊喜的是,它并没有回避漫画创作中一些比较“硬核”的知识点,比如透视原理。在讲解透视时,书中用了很多图示,将复杂的消失点、视平线概念变得一目了然,并且结合了实际场景,比如如何绘制充满空间感的街道、室内场景,甚至是如何在不平坦的地面上绘制角色,这些都让我觉得非常实用,不再觉得透视是高不可攀的难题。而且,书中对于人物比例的讲解也非常到位,从头部的基本结构到四肢的动态连接,都有非常详细的步骤分解,甚至还提到了不同年龄段、不同性别的角色在比例上的细微差异,这些细节的补充,让人物绘制不再是凭空想象,而是有了扎实的依据。总而言之,这本书就像一位耐心细致的老师,循循善诱地引导我一步步走进漫画的世界,让我感受到绘画的乐趣,并且给了我坚持下去的信心。

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在接触《动漫秀场》之前,我对漫画中的“光影”和“透视”总是感到头疼不已,觉得是绘画中最难掌握的部分。然而,这本书却用一种非常易于理解和实践的方式,将这些看似复杂的概念变得清晰明了。《动漫秀场》对于光影的讲解,绝对是这本书的一大亮点。它不仅仅是告诉你哪里需要画阴影,而是深入分析了光线的来源、方向、强度,以及它们如何作用于不同的物体表面,从而产生明暗变化。书中会通过大量的图例,展示同一物体在不同光照条件下的表现,例如正面光、侧面光、顶光、底光等等,并且详细讲解了如何利用高光、反光、阴影来塑造物体的立体感和空间感。我尤其喜欢它对于“环境光”和“氛围光”的讲解,这让我明白,光影不仅仅是为了塑造物体,更是为了营造画面的整体氛围和情绪。在透视方面,书中也是用一种循序渐进的方式进行讲解。它会从最基础的单点透视、两点透视,到更复杂的弧形透视,每一种透视都配有大量的实例,让你能够直观地理解透视原理在实际场景中的应用。书中会教你如何绘制各种角度的建筑、街道、室内空间,甚至是如何在斜坡上绘制人物,这些都极大地提升了我绘制场景的能力,让我的画面不再显得扁平。

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作为一名从小就沉迷于二次元世界的爱好者,我对漫画的热爱程度不言而喻,也曾无数次幻想过自己也能创作出属于自己的角色和故事。直到我偶然翻阅了这本《动漫秀场》,我才真正看到了实现这个梦想的可能性。《动漫秀场》最让我印象深刻的,是它对漫画人物情感表达的深入剖析。书中并没有仅仅停留在教会你如何画出标准比例的五官,而是花了相当大的篇幅去讲解如何通过眼睛的形状、瞳孔的大小、眉毛的角度,以及嘴唇的微小变化,来传递喜怒哀乐等各种复杂的情绪。它会用不同的脸部表情组合,对比分析,让你深刻理解到,即使是同一张脸,细微的表情调整也能产生天壤之别的情感效果。我尤其喜欢它关于“眼神”的讲解,书中通过不同漫画作品中的经典眼神示例,告诉你如何通过眼神来塑造角色的个性和内心世界。比如,一个眼神坚定的人物,他的眼神线条会更加锐利;一个忧郁的角色,他的眼角可能微微下垂,瞳孔也显得更加空洞。此外,这本书在角色服装设计上也给了我很多启发。它不仅仅是教你画出衣服的轮廓,更重要的是讲解如何根据角色的性格、身份背景,以及故事的风格,来设计出既符合角色特点又不失美感的服装。书中会分析不同风格的服装,例如帅气的机甲风、飘逸的古风、可爱的萝莉风等等,并给出具体的绘制技巧,包括如何表现服装的褶皱、垂坠感,以及材质的差异,这些都让我觉得受益匪浅,不再为设计不出独特的角色服装而苦恼。

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书的质量很好,很喜欢

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好评差距是给物流的,还来了个物流点整顿。

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速度快,书的质量很好,正品

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速度快,书的质量很好,正品

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速度快,书的质量很好,正品

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帮别人买的,期待中的读物。

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不错不错 画面清晰 应该是正版 就是胶有点松动 可能是存货吧 不过不错 入门级够了

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帮别人买的,期待中的读物。

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