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彭志敏 著

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• 音乐教学
• 作曲
• 和声
• 曲式
• 20世纪音乐

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540434069

版次：1

商品编码：10474405

包装：平装

丛书名： 现代作曲技法丛书

出版时间：2004-10-01

用纸：胶版纸

页数：828

字数：467000

内容简介

音乐史上的二十世纪，是一个大破大立、探索创新的世纪，也是一个离经叛道、五彩纷呈的世纪。其中，代表着二十世纪各时期专业音乐发展前沿的先锋队，也就是被泛称作“现代派”（the Modemism）或“先锋派”（the AVant Garde）的作曲家们，以及他们所创作的现代音乐（the Modemmusc）或新音乐（New mll—sic）作品，还有他们所发明的和新音乐创作密切相关的新兴作曲技术，更是在史册上留下了浓墨重彩的遗痕，给人们提出了众多有待思考和解决的问题。回眸既往，正像人们所看到的那样，二十世纪的新音乐家们大都在“为创新而疯狂地奋斗”；其间，“新的流派和新的运动以惊人的速度（大约每五年一次的周期）涌现出来”；种种听所未听的音响、见所未见的谱式、用所未用的方法、有所未有的现象和行为、闻所未闻的理论或口号等，在百年上下竞相沓来，层出不穷；形形色色的主义、纷繁复杂的体系、个性迥然的技术、离奇古怪的事件和创举等，在音乐生活中争奇斗艳，各领风骚。上述种种，一方面在无形而深刻地影响着人们的思想，改变着人们的观念，拓展着音乐的内涵和外延空间；另一方面，它们的超前式发展或跨越式挺进，又使新音乐与其受众间的距离在不断加大，使人们感到的问题愈来愈多，进而成为人们和它们相互贴近的客观障碍（乃至对立）。因此，对二十世纪的新音乐有所解释，且这种解释是技术的而不是描述的，是系统的而不是孤立的，是透视的而不是浅表的，是可供专业教学的而不是一般阅读的，就像我们在百年之前对待所引入的西方传统作曲技术那样，便成了继往开来的当务之急，也成了我们编写这套丛书的主要动因之一。
20世纪的新音乐作品及其分析，是一件复杂而系统的事情。对于20世纪新音乐及其作品的认识，对相应分析方法的掌握，都不可能一蹴而就、唾手而得；所涉及的问题和所要涉及的方面，也决不限于上述诸点。需要和任务都摆在人们的面前，困难和鸿沟也都不可避免。要跨越它们而实现目标的途径只有一条，那就是——脚踏实地并实事求是地参与新音乐作品分析的实践过程。

作者简介

彭志敏，教授，武汉音乐学院副院长，中国·东方交响乐团团长。
彭志敏教授是享受国务院特殊津贴专家；湖北省有突出贡献的中青年专家；湖北省新世纪高层次人才工程入选人员。中国音乐家协会会员；中国音协理论委员会委员；中国青年音乐家协会副主席；《音乐创作》季刊编委，《音乐研究》季刊编委。湖北省文艺理论家协会副主席。湖北省音乐家协会理事。湖北省政协委员，武汉市政协常委。民进武汉市副主委。
彭志敏教授长年从事作曲与作曲技术理论教学和研究，特别致力于20世纪新音乐、新音乐创作及其方法论研究。已出版《音乐分析基础教程》等著作6部（含合著），发表专业学术论文90余篇，所创作的探索性新音乐作品《山民印象》、《风景系列》、《八山旋读》等，已进入国际同行的研究视野。

目录

绪论
第一章 勋伯格的《钢琴小品六首》Op.19——关于调性的“模糊、游移、隐退、淡化”和“自由无调性”
第二章 勋伯格的《钢琴组曲》Op.25——关于“十二音现象”和“十二音体系”
第三章 亨德米特的复调钢琴曲集《调性游戏》——关于“泛音音阶”与“音序调性”
第四章 梅西安《二十次朝觐耶稣》第六乐章——关于主题结构的“象征性”与音高发展的“角色化”
第五章 考威尔探索发明时期的钢琴独奏作品——关于“音丛和弦”与“拨弦钢琴”
第六章 约翰·凯奇的预配钢琴作品——关于“音高结构”、“节奏结构”和“预配钢琴”
第七章 乔治·克拉姆的《大宇宙》第一卷——关于“扩声钢琴”和“演奏作曲法”
第八章 布列兹的《结构第一号》——关于“整体序列主义”及其预制与程序
第九章 里盖蒂的《钢琴练习曲》第一卷第一首——关于“新里盖蒂主义”及其“复合律动”与“时间新观念”
第十章 哈特克的钢琴套曲系列《向后现代致敬》——关于音乐“风格、语言和方法”的“综合、融合与整合”
第十一章 依萨伊《a小调无伴奏独奏小提琴奏鸣曲》Op.27 No.2——关于“世纪末情结”和“末日经主题”
第十二章 克然涅克《无伴奏獗大提琴组曲》Op.84第一乐章——关于“单一序列形式变奏”和“动机音型法”
第十三章 瓦雷兹的无伴奏长笛独奏《密度21.5》关于音高核心及其“空间发散”与组织逻辑
第十四章 贝里奥的双簧管独奏Sequenza VII——关于“单一媒体写作”和“音域音列控制”
第十五章 斯托克豪森的单簧管独奏《友谊》——关于“音型的音区变奏”与“新标准音乐”
第十六章 贝尔格的两首《闭上我的双眼》——关于“德奥艺术歌曲”和“元始序列歌曲”
第十七章 斯特拉文斯基《一个士兵的故事》——关于“新戏剧音乐”、“新室内音乐”和“新音乐风格”
第十八章 巴托克的《第三弦乐四重奏》——关于“秘密的标题性内容”和“隐秘的标题性音乐”
第十九章 萧斯塔科维奇的《第八弦乐四重奏》等——关于“音名动机”、“象征主题”或“特性集合”
第二十章 克拉姆的《四个月亮之夜》第一乐章——关于新室内乐中的人声和打击乐器以及音色的分离与单声室内乐
第二十一章 罗忠镕的《琴韵》——关于“材料拼贴”、“中国风格”和“十二音的五声化”
第二十二章 斯特拉文斯基Movements第四乐章——关于音高序列的“自然循环”与“移位循环”
第二十三章 潘达雷斯基《广岛殉难者的挽歌》——关于弦乐新音响
第二十四章 威伯恩的《帕萨卡里亚》Op.1——关于20世纪新音乐创作中一个值得注意的现象
第二十五章 勋伯格的《色彩》Op.16 NO.3——关于“音色旋律”和“微音高运动”
第二十六章 勋伯格的《乐队变奏曲》Op.3——关于十二音序列音乐的配器、织体和音色处理原则
第二十七章 威伯恩的《小交响曲》Op.21——关于“浓缩的音高”、“独奏的合奏”与“流动的音色”
第二十八章 贝尔格的歌剧《露露·间奏曲》——关于“序列派生”、“镜像对称”与“形式的内容依据”
第二十九章 贝尔格的《小提琴协奏曲》——关于“自由十二音”及其对风格和表现的适应性
第三十章 贝里奥《交响曲》第二乐章《啊！金》——关于新人声、新唱法以及语言、语义和语音的关系
主要参考著作

好的，这是一份针对图书《新音乐作品分析教程（下）》的、不包含该书内容的图书简介，旨在详细介绍其他音乐分析主题，字数约1500字： --- 西方音乐史与风格分析精要：从巴洛克到浪漫主义中后期 一部深入探索古典音乐结构、美学思想与时代背景的综合指南 前言：理解音乐的语言与演变 音乐，作为人类情感与理性思维的结晶，其发展历程本身就是一部波澜壮阔的文化史。本书旨在为音乐学习者、演奏者、指挥家以及所有对西方艺术音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统而深入的分析框架。我们聚焦于从巴洛克盛期直至浪漫主义晚期这一音乐史上最具变革性、风格最为多元的时期，而非仅限于特定现代作品的技法解析。本书旨在构建一座桥梁，连接严谨的音乐理论与生动的历史语境，使读者能够“听懂”那些经受住时间考验的伟大杰作。 第一部分：巴洛克晚期：对位法的极致与情感的张力（约1700-1750年） 本部分深入剖析巴洛克音乐晚期的核心特征，特别是对巴赫与亨德尔作品的结构性解读。 第一章：赋格结构与主题发展 我们将详尽阐述赋格（Fugue）的内在逻辑，包括主题（Subject）、应答（Answer）、间奏（Episode）的布局与功能。重点分析巴赫《平均律键盘曲集》中的典型范例，探究其如何通过严格的对位法实现宏大而统一的音乐结构。内容将涉及： 翻转与逆行： 探讨作曲家如何运用对位法的“变化手法”来拓展主题素材。 和声的推进： 分析巴洛克时期对功能和声的运用，以及如何利用调性转移来构建乐章的戏剧性。 第二章：协奏曲形式的成熟与独奏艺术 着重分析维瓦尔第和巴赫的协奏曲，特别是大协奏曲（Concerto Grosso）向独奏协奏曲的演变过程。 利托内罗（Ritornello）结构： 详细拆解乐章中主导性段落的回归与变化，以及独奏乐器与乐队（Tutti）之间的对话机制。 媒介与情感表达： 探讨在歌剧清唱剧与器乐作品中，巴洛克作曲家如何通过装饰音、速度标记来描绘特定的情感图景（Affekt）。 第二部分：古典主义时期：清晰、平衡与奏鸣曲的统治（约1750-1820年） 古典主义是音乐结构清晰化、情感表达规范化的时代。本部分将核心集中于奏鸣曲结构及其在不同体裁中的应用。 第三章：奏鸣曲式深度解析 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的基石。本书提供一个超越基础教材的视角： 呈示部（Exposition）的张力： 分析呈示部中两个主题群的对比（调性对比、性格对比）如何建立冲突。 发展部（Development）的实验场： 探讨海顿、莫扎特和贝多芬在发展部中对素材进行碎片化处理、调性迷宫探索的策略。 再现部（Recapitulation）的解决： 深入分析再现部中如何解决呈示部建立的调性矛盾，以及尾声（Coda）的功能扩展。 第四章：交响曲与室内乐的典范 以海顿、莫扎特、贝多芬的前期作品为例，解析交响曲（Symphony）和弦乐四重奏（String Quartet）的标准四乐章结构： 乐章布局的逻辑： 慢速第二乐章（如奏鸣曲式或寻觅曲）的情感深度，以及谐谑曲/小步舞曲（Scherzo/Minuet）的节奏职能。 贝多芬的创新： 特别关注贝多芬如何打破古典规范，例如在第九交响曲中引入人声，或延长尾声，预示着浪漫主义的来临。 第三部分：浪漫主义前期与中期：个人情感的抒发与标题音乐的兴起（约1820-1870年） 随着启蒙思想的退潮，音乐的焦点转向了个体经验、幻想与民间传说。 第五章：艺术歌曲与器乐叙事 德语艺术歌曲（Lied）的分析： 以舒伯特和舒曼的作品为例，探讨钢琴伴奏如何不再是简单的配角，而是与人声共同构建叙事场景（“四手联弹”的文学意义）。分析“通谱式”（Through-Composed）与“分节歌式”（Strophic）的区别及其心理效果。 小型器乐体裁： 分析即兴曲（Impromptu）、圆舞曲（Waltz）、夜曲（Nocturne）等短小精悍作品的特征，探讨肖邦如何通过精妙的织体和节奏处理来浓缩丰富的情感体验。 第六章：标题音乐的兴盛与交响诗的诞生 本章考察了“标题音乐”（Program Music）的理论基础与实践： 柏辽兹的《幻想交响曲》： 详细分析其“固定观念”（Idée Fixe）的运用，探讨作曲家如何通过配器法和音色变化来描绘具体的情节和人物心理。 李斯特与交响诗： 探究单乐章的交响诗如何通过“主题转换法”（Thematic Transformation）来统一结构，并探讨其在文学改编中的成功之处。 第四部分：浪漫主义晚期：和声的极端扩张与民族主义的萌芽（约1870-1900年） 浪漫主义末期，作曲家们将和声语言推向了前所未有的复杂程度，同时，民族身份也成为重要的创作驱动力。 第七章：晚期浪漫主义的和声语言 半音化与模糊性： 深入分析瓦格纳（特别是《特里斯坦与伊索尔德》）如何运用极其频繁的半音进行和弦，导致调性中心不断漂移，制造出永恒的渴望感。 和声的色彩化： 讨论理查·施特劳斯和马勒作品中对高强度和声、扩大管弦乐队的运用，以及色彩和声如何服务于宏大叙事或心理刻画。 第八章：民族乐派与地域色彩 本章侧重于非德奥体系的作曲家如何将本国民间音乐元素融入到严肃的古典结构中： 俄罗斯五人组与捷克乐派： 分析穆索尔斯基、德沃夏克等如何有意识地从民间旋律、节奏和调式中汲取灵感，并在交响曲、歌剧等传统体裁中实现创新性的融合。 结语：分析的意义 本书提供的分析工具，旨在帮助读者超越对音乐的被动接收，实现对作品深层结构的积极理解。通过对历史背景、结构逻辑与和声技法的系统梳理，读者将能够更准确地把握每一位大师的独特声音，并在聆听中发现新的层次与细节。本书是通往深刻鉴赏之旅的必备阶梯。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！一直以来，我对现代音乐的那些奇妙音响和不落俗套的结构都充满了好奇，但总感觉隔着一层纱，难以真正领会其中的精妙。市面上不少分析类的书籍，要么太过理论化，看得我头昏脑胀；要么就是过于浅显，满足不了我深入探索的欲望。直到我翻开这本《新音乐作品分析教程（下）》，才算是找到了我的“救星”。它不像那些枯燥的学术著作，而是用一种非常生动、循序渐进的方式，一点点地揭示新音乐作品背后的奥秘。我尤其喜欢它在讲解复杂概念时，总是会引用大量经典的、我耳熟能详的乐曲片段作为例子，这让我感觉分析不再是抽象的理论推演，而是触手可及的音乐体验。书中的图表和符号也标注得非常清晰，对于我这种音乐理论基础不算特别扎实的人来说，简直是福音。我常常会一边听着书里提到的乐曲，一边对照书中的分析，那种豁然开朗的感觉，真的太棒了！感觉自己一下子从一个旁观者，变成了能够欣赏和理解新音乐的“内行”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计也相当用心，让人赏心悦目。大开本的设计，使得乐谱片段和分析文字都有足够的空间，阅读起来非常舒适，不会有那种拥挤感。书中的字体大小和行间距也都很合适，长时间阅读也不会感到疲劳。更重要的是，作者在文字表达上，力求简洁明了，避免了过多艰涩的术语，即使是初学者也能轻松理解。在介绍一些较为前沿的音乐概念时，作者也很有耐心地将其拆解成易于理解的部分，并辅以形象的比喻，让我感觉自己仿佛在与一位循循善诱的老师对话，而不是在面对一本冰冷的书籍。而且，书中对于音乐作品的选取也非常有代表性，涵盖了不同时期、不同流派的新音乐作品，这极大地拓宽了我的音乐视野。我常常会在睡前翻上几页，每次都能学到新的知识，发现新的乐趣，感觉自己的音乐品味也在悄然发生着改变。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对新音乐充满热情的爱好者，我可以说这本书是我近年来读过的最值得推荐的音乐书籍之一。它以一种非常负责任的态度，向读者呈现了新音乐分析的魅力。作者在处理一些有争议的音乐现象时，也展现了极大的客观性和包容性，并没有强加自己的观点，而是引导读者自己去思考和判断。我尤其欣赏书中关于“聆听”的强调，它提醒我们，再复杂的分析，最终都要回归到音乐本身，回归到我们最直接的听觉感受。这本书为我打开了一扇通往新音乐世界的大门，让我看到了更广阔的音乐风景。我强烈建议所有对现代音乐感兴趣的朋友，无论你是学生、演奏者还是单纯的听众，都应该尝试阅读这本书，相信你一定会有所收获。

评分☆☆☆☆☆

老实说，起初我对于“下册”这个设定有些忐忑，生怕会因为没有读过“上册”而显得格格不入。但实际阅读下来，我发现我的担忧完全是多余的。这本书的结构设计非常巧妙，即使是初次接触新音乐分析的读者，也能毫不费力地跟随作者的思路。作者似乎深谙读者的心理，总能在你感到迷茫的关键时刻，给出清晰的指引和解释。我特别欣赏书中对于不同作曲家创作技法的对比分析，这让我能够更直观地感受到他们各自的独特风格和艺术追求。例如，在探讨序列音乐的部分，作者并没有简单地罗列规则，而是通过分析某几位代表性作曲家的作品，生动地展示了序列主义是如何在不同程度上影响作品的结构和音响的。这种“由点及面”的讲解方式，不仅加深了我对理论的理解，更让我对这些作品产生了新的认识。读完之后，我迫不及待地想去听一听那些被详细剖析过的作品，去验证书中的分析是否真的能让我听到更多、更深层次的音乐内涵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都令人惊叹。它不仅仅是停留在理论层面的讲解，更是深入到作品的每一个细节，去剖析其创作的逻辑和艺术意图。我特别喜欢书中对一些“冷门”新音乐作品的介绍，这些作品在市面上可能并不常见，但通过作者的细致分析，我才了解到它们在音乐史上的重要地位和独特的艺术价值。这种挖掘和梳理，对于想要全面了解新音乐发展的读者来说，无疑是一笔宝贵的财富。我常常会因为书中对某个作品的深入解读，而对这位作曲家产生浓厚的兴趣，进而去寻找他更多的作品来欣赏。这种“引路”的作用，是很多分析书籍所不具备的。这本书让我明白，新音乐并非只有“怪异”和“难以理解”的一面，它同样充满了创造力、智慧和深刻的情感表达。