博物馆陈列艺术总体设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐乃湘 编 著

图书标签:

• 博物馆学
• 陈列设计
• 展览策划
• 视觉传达
• 空间设计
• 艺术设计
• 文化遗产
• 展示技术
• 博物馆管理
• 设计理论

店铺： 兰兴达图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040368239

商品编码：1062943539

包装：平装

出版时间：2013-03-01

基本信息

书名:博物馆陈列艺术总体设计

原价：45.00元

作者：徐乃湘 编

出版社：高等教育出版社

出版日期：2013-03-01

ISBN：9787040368239

字数：

页码：208

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《博物馆陈列艺术总体设计》由众多一线从事博物馆陈列设计的资深专家和设计师共同编撰完成，是目前为止第一部对博物馆陈列设计进行全面介绍与分析的教材，内容丰富，叙述翔实，逻辑清晰，分析精准。
《博物馆陈列艺术总体设计》内容涵盖了博物馆陈列展览的策划与内容设计、博物馆陈列形式艺术设计与实施、博物馆陈列艺术设计案例分析三大部分，从理论到实践，从抽象到具体地对博物馆陈列设计的设计方案、设计团队、陈列设施、布展步骤、安全举措、辅助手段、经典案例一一进行讲解，针对在陈列设计与实施过程中遇到的问题分别给出相应的解决方案，这不仅能够让学生或者从业者循序渐进地进入陈列设计状态，快速掌握博物馆陈列设计要点和技巧，而且在实践过程中能做到有据可循，具有重要的理论和实践指导意义。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《博物馆陈列艺术总体设计》是一部高校博物馆专业有关陈列工作的教材，在众多专家学者参与编撰下问世了。本书主编、故宫博物院徐乃湘先生嘱我写篇序言，作为一名耄耋之龄的老美工要为这样一部著述写序，确实感到惶然，不知从何写起为好。不过对博物馆事业有近60年的情之所系，有此佳遇，也很高兴写些所想所感参与奉献，或许能起个引子作用。我想说的话题分三：陈列历史与理念；设计中的矛盾与平衡；设计师的学与养。陈列历史与理念
对于陈列历史，不是因为早期的史科缺失，就是后来的发展过分纷杂，若要梳理出清晰的历史发展轨迹，不是件容易的事。这里试图从现象出发做一次朦胧的描述，且把陈列历史划分成三个发展阶段。
一、陈列的“三位一体”时期。如果说从1682年向公众开放的具有现代博物馆特征的英国阿什莫林艺术与考古博物馆算起，那时的所谓陈列只是一座开放了的收藏室，既是藏品库、也是专家学者的研究室，兼作供参观的陈列室，这从17-18世纪遗存的铜版画中可见一斑。所谓有“现代博物馆特征”可能指的就是博物馆有了陈列的教育功能，这是一种理念。
二、陈列的“标准化设计”时期。为使陈列能够发挥更好的教育作用，最根本的条件必须让观众看懂陈列，必须对展品——文物标本作精确有趣的解释，于是就有了使用陈列的辅助资料的必要，用文字图片或图解辅助实物展品展出。原来那种收藏柜式的“展柜”，已经不能适应存放辅助陈列品的需要了，改革展柜设计成了客观的迫需。恰巧20世纪20年代起欧洲设计界刮起了“包豪斯”风。包豪斯主张“艺术应面向工艺”，提出一套重视功能、技术、经济的现代派设计理念与教学思想。博物馆陈列改革受此影响，设计出了一套尺寸规格统一，线条简洁，实用、坚固又经济的标准化展柜。它以立柜（亦称墙柜）、中心柜和桌柜（亦称平柜）为主组成系列。用新式标准化设计的展柜组织陈列，使博物馆陈列从此面目一新，大大提高了陈列的教育与观赏效果。标准化设计影响巨大，影响遍及世界各大博物馆，时间延绵至今，一些历史悠久的著名品牌展柜制造商至今仍在设计生产。
三、陈列的多元理念融合设计时期。第二次世界大战后60余年以来，陈列是博物馆教育最重要的形式已成为学界的共识。20世纪70年代英国学者提出了“博物馆陈列是教育展览设计”的概念，国际博物馆协会在对博物馆定义中置教育于收藏、研究之前，成为第一功能。20世纪70-80年代又是传播学研究大发展时期，传播学原理被引进到博物馆学研究，展示传播的效果成为设计研究的核心，历届世博会有关学术的、艺术的、技术的成功经验逐一上升为理论，深深影响到博物馆陈列设计，促使百年来博物馆陈列完成了从看物到叙事，到以信息传播为主导的华丽转身历程，使当代博物馆陈列呈现出一片光辉绚丽的景象。当代的博物馆陈列是多元理念融会贯通的设计产物，其中包括教育设计理念，信息传播理念中的系统展示理念、包装设计理念、装置理念，和博物馆体验参与的空间创造理念、演剧表现设计理念。它们是学术创新、艺术创新、技术创新综合成果的体现。
综上所述，博物馆教育——格物致知的科学普及教育与陶冶情操的美育理念，始终是博物馆陈列历史发展的核心推力，而理念的先进、科学与否则决定了陈列设计（包括内容与形式）的成败。

历史的沉思与未来的对话：当代艺术中的时间性与空间叙事 图书简介： 本书并非聚焦于传统意义上的博物馆陈列的物质构建或空间布局，而是深入探讨当代艺术语境下，“时间性”与“空间叙事”在非固定场域中如何被重新定义、编织与体验。我们旨在解构和重构观众与艺术品之间那层微妙的、流动的关系，这种关系不再被严格限定在恒温恒湿的玻璃柜内，而是延伸至城市肌理、数字界面，乃至参与者的集体记忆之中。 第一章：游牧的展陈与“去中心化”的艺术现场 本章首先审视了在后现代语境下，艺术机构的权威性逐渐瓦解的现象。传统的博物馆作为知识的殿堂和历史的守门人，其封闭性与神圣性受到了强烈的挑战。我们转而关注那些“游牧式”的、临时的或“非场所化”的艺术实践。 1.1 临时性建筑作为媒介： 分析了特定场域艺术（Site-Specific Art）如何超越建筑的纯粹功能性，成为一种时间性的雕塑。例如，探讨艺术家如何利用废弃工厂、自然景观或城市角落的现有结构，让建筑本身成为一个等待被时间侵蚀或被社群激活的艺术品。这里的重点在于“在场”的脆弱性与转瞬即逝的体验价值，而非永恒的展示方案。 1.2 数字空间的回响： 考察了虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及区块链技术（NFTs）对传统“陈列”概念的颠覆。我们讨论的是数字藏品在去中心化网络中的“展示”逻辑——它不再需要物理墙壁，其展示环境是代码和协议的集合。核心议题是：当作品的载体是数据流时，我们如何构建其叙事深度和感知强度？ 1.3 参与者的“共同创作”： 区别于传统陈列中观众的被动接受，本章深入研究了参与式艺术（Participatory Art）中的“展陈”状态。这些艺术项目要求观众的介入、互动甚至长期性的行为反馈，从而使艺术品的状态是动态演化、永不固定的。艺术家提供的更多是一个“触发机制”，而非一个“最终成品”。我们分析了这种集体劳动如何重塑了“完成度”和“所有权”的边界。 第二章：时间性的多维感知与碎片化叙事结构 本书的第二部分将焦点从空间转移到时间——艺术品如何承载和表达时间，以及观众如何在非线性的时间轴上理解艺术。这与聚焦于最佳光照和最佳观赏角度的陈列设计思路完全相反。 2.1 慢艺术（Slow Art）与深度凝视： 对抗信息爆炸时代的快速消费，我们分析了那些要求观众投入大量时间进行观看和沉思的作品。这不是关于作品的体积或复杂性，而是关于其时间密度。例如，探讨某些装置艺术如何通过极缓慢的物理变化（如材料的氧化、水流的蒸发）来揭示时间作为一种不可抗拒的力量，从而引导观众进入一种近乎冥想的体验状态。 2.2 历史的重叠与“时间切片”： 考察艺术家如何通过并置（Juxtaposition）手法，将来自不同历史时期的碎片和符号放在一起，创造出一种复调的（Polyphonic）历史时间感。这种叙事并非线性的历史回顾，而是多重时间线的交叉和碰撞，旨在激发观众对当下处境的历史反思。我们关注的是不同时间层级在同一感知瞬间的共存。 2.3 记忆的不可靠性与重构： 本章深入研究了艺术对个人和集体记忆的操纵。许多当代作品并非试图“保存”历史，而是试图“腐蚀”或“改写”记忆的固定形态。我们分析了艺术家如何利用档案材料的缺失、误读或故意模糊，来探讨记忆作为一种持续的、易变的叙事构建过程，而非一个可靠的记录库。这里的“陈列”是记忆的现场重演，而非记忆的静态展示。 第三章：感官的拓宽与物质的失效 本章将批判的目光投向传统陈列过度依赖视觉这一单一感官的局限性，探索当代艺术如何通过拓展感官体验来构建意义，以及材料本身在信息传递中的作用变化。 3.1 本体论的触觉转向： 探讨了许多当代雕塑和装置艺术如何积极邀请、甚至强迫观众重新审视“触觉”的意义。我们关注的并非保护性的栏杆，而是那些材料本身所携带的温度、质地和重量感——例如，腐烂的有机物、冰冷的金属或柔软的织物——它们如何通过潜在的身体接触感，建立起与观众的直接情感联结，绕过了理性的解读过程。 3.2 “气味”作为叙事场： 专门分析了嗅觉艺术（Olfactory Art）的兴起。气味作为最直接关联记忆的感官，其不稳定的、弥散性的特质，使其成为抵抗固定陈列的有力工具。我们研究了艺术家如何利用合成或天然气味来重建特定的历史场景、社会情绪或身体经验，从而创造出一种无形的、只能被瞬间捕捉的环境。 3.3 材料的“去物质化”与信息载体的转移： 本章最后讨论了当艺术品越来越依赖于技术和观念时，传统意义上的“物质性”是如何被削弱的。例如，声音艺术、光影装置或纯粹的概念艺术，其“陈列”依托的媒介是能量、频率或逻辑结构，而非可触摸的实体。这种转变迫使我们重新思考：艺术的“本体”究竟在哪里？ 是艺术家设定的参数，还是观众接收到的感知信号？ --- 本书旨在为艺术评论、文化研究和当代实践者提供一个思考框架，用以理解艺术在远离传统“陈列室”的今天，如何通过对时间、空间、感官和参与性的深刻干预，完成其社会、历史和本体论上的使命。我们探讨的是体验的构建，而非物品的摆放。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计本身就是一种示范。从纸张的选择到字体的大小和行距的把控，无不体现出对阅读体验的尊重。作为一本偏向学术和实践结合的专业书籍，它做到了难得的平衡。很多专业书籍往往为了追求信息密度而牺牲了可读性，但这本则不然。它结构清晰，章节逻辑紧密，从宏观的博物馆功能规划，到微观的展板细节处理，层层递进，让人能够建立起完整的知识框架。特别是关于材质的运用那一章，列举了大量的国内外成功案例，对比了不同材料（如木材、金属、新型复合材料）在陈列中的表现力、耐久性和维护成本，这种务实的分析，对于实际操作层面的设计师来说，简直是雪中送炭，避免了许多不必要的弯路和预算浪费。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对文化遗产保护非常热衷的普通爱好者，平时也会去各地博物馆“打卡”，但常常看完后总觉得意犹未尽，总觉得少了点什么。这本书恰好解答了我心中的诸多疑惑。它打破了我以往对陈列的刻板印象——即只是把文物罩在玻璃柜里。书中对于“环境与展品的关系”进行了非常深入的探讨，比如如何根据文物的材质和历史背景，选择最恰当的背景色调和材质，避免喧宾夺主。我发现，很多优秀的博物馆设计，其实是在为展品“造势”，让每一件展品都有它自己的舞台和聚光灯。书中的一些关于互动装置的设计理念也很有启发性，它强调互动不应流于形式，而应服务于教育目的，真正激发观众的好奇心和探索欲。这本书让我重新审视了每一次博物馆之旅的价值。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的内容深度远超我最初的预期，它更像是一部浓缩的行业精英经验集。我特别关注其中关于“观众体验优化”的章节。作者没有停留在理论层面，而是引入了大量的用户调研方法和数据分析，来说明设计决策的合理性。比如，如何利用人流监测数据来调整关键展区的布局，如何根据不同年龄段观众的平均驻留时间来设计信息呈现的复杂程度。这种将艺术审美与科学量化分析相结合的做法，让我对现代陈列艺术有了更全面、更立体的认识。它不仅仅是美学层面的追求，更是对信息传达效率和用户满意度的极致考量。这本书为我们提供了一种全新的视角——将博物馆陈列视为一种需要精密计算和艺术熏陶的综合性工程。

评分☆☆☆☆☆

这本书，拿到手就感觉沉甸甸的，那种厚重感很实在，不像现在很多轻飘飘的书。我本来对这个领域了解不多，抱着试试看的心态翻开，结果一下子就被吸引住了。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是真正深入到了“设计”的骨髓里。书中对不同类型博物馆的案例分析简直是教科书级别的，从历史馆的沉稳大气到现代艺术馆的先锋大胆，每一种风格的转变都阐述得非常清晰。我尤其喜欢它讲到展线设计的部分，作者似乎对观众的心理活动有着深刻的洞察，如何在有限的空间里引导视线，如何巧妙地设置转折点，让人在参观过程中既不感到疲惫，又能自然而然地接收到信息，这门学问真是一门艺术。书里配的图例和平面图也特别专业，很多都是精心绘制的，细节之处见真章，对于正在从事相关行业的朋友来说，绝对是案头必备的参考资料，随便翻开一页都能找到值得借鉴的灵感和思路。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我开始阅读时，我以为会遇到很多晦涩难懂的术语，但作者的文字功底非常扎实，行文流畅自然，即便是初学者也能顺畅地跟上思路。这本书最让我惊艳的地方在于它的系统性和前瞻性。它不仅仅关注“好看”，更强调“有效性”和“叙事性”。很多老旧的博物馆陈列设计往往是把展品堆砌起来，缺乏灵魂，而这本书深入探讨了如何通过空间布局、光影运用、多媒体技术的融合，来构建一个完整的故事体系。例如，它详细剖析了如何利用环境音效来营造历史氛围，或者如何通过不同强度的照明来突出重点展品的历史价值。这已经超越了单纯的“布置”，上升到了“空间叙事学”的层面。我感觉自己不是在读一本设计指南，而是在进行一场与顶尖策展人之间的深度对话，学到的不仅仅是技巧，更是设计背后的哲学思考。

评分☆☆☆☆☆

书背面很脏，也没封皮，不是新书吧

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

不错，不错，不错哦~~~~~~

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