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红涛 著

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店铺： 湖北新华书店图书专营店

出版社： 四川文艺出版社

ISBN：9787541130632

商品编码：1505683776

包装：平装

出版时间：2010-11-01

图书基本信息
图书名称	五线谱 本	作者	红涛
定价	4.90元	出版社	四川文艺出版社
ISBN	9787541130632	出版日期	2010-11-01
字数	60000	页码	48
版次	1	装帧	平装
开本	大16开	商品重量	0.118Kg

内容简介

《五线谱本》旨在帮助读者利用业余时间掌握自学五线谱的基本方法。

作者简介

目录

编辑推荐

文摘

序言

乐海拾遗：一本关于音乐、历史与人文的探索之旅 书名：乐海拾遗 作者： [此处可填写作者姓名，或留空] 出版社： [此处可填写出版社名称] 出版年份： [此处可填写出版年份] --- 内容提要： 《乐海拾遗》并非一部关于乐理基础或具体演奏技巧的教程，它是一部深入广阔的音乐文化史诗，一部横跨千年、连接东西方的文化对话录。本书旨在探寻音乐作为人类精神载体的演变历程，考察其在不同文明中的哲学意涵、社会功能以及艺术表达的无限可能。 全书共分六大部分，从史前人类对声音的原始感知，到巴洛克时期西方复调的辉煌，再到二十世纪爵士乐的自由精神与全球化影响，勾勒出一幅宏大而精微的音乐文明图景。我们不聚焦于某一特定乐器或某一特定风格的“标准范式”，而是着重于音乐在人类历史长河中扮演的“角色”——它是仪式中的催化剂，是宫廷中的权力象征，是民间疾苦中的慰藉之声，更是个体灵魂深处的自由呐喊。 第一章：声音的诞生与远古的回响 本章追溯人类对声音的最初认知。我们探讨了史前遗址中发现的骨笛和岩画，试图重构早期人类如何将自然界的声响（风声、水流、动物的鸣叫）内化并转化为有组织的表达。重点考察了古代祭祀仪式中，声音、舞蹈与超自然信仰之间的紧密联系。在美索不达米亚的泥板记录中，我们发现了最早的关于音阶的初步记录，揭示了早在文字诞生之前，人类已在尝试“量化”和“组织”声音的尝试。本章通过对考古学和民族音乐学的交叉研究，力求还原出一种原始而充满力量的“自然音乐”。 第二章：东方：雅乐的秩序与哲思 本章聚焦于古代东方文明（尤其以中国和印度为代表）的音乐传统。与西方追求和声与对位不同，东方音乐体系往往将音乐视为宇宙秩序（道、天人合一）的微缩体现。《礼记·乐记》中的“礼乐相成”，阐释了音乐如何被纳入国家治理和社会伦理的框架，它不仅是娱乐，更是教化人心、稳定社稷的工具。我们细致分析了中国古代的“五音十二律”，探讨了它们如何与五行学说相对应，以及古琴、编钟等乐器在士大夫阶层中的精神象征意义。在印度，我们考察了“拉格”（Raga）系统，理解其如何通过复杂的旋律模式和时间属性，引导听众进入特定的情绪境界与冥想状态。 第三章：古典的曙光：希腊的和谐与中世纪的圣咏 本章深入探究了西方音乐理论的奠基时刻。从毕达哥拉斯对音程的数学发现，到柏拉图对音乐“摹仿”（Mimesis）理论的探讨，我们看到了音乐如何被理性地纳入哲学思辨的范畴。进入中世纪，基督教的兴起彻底重塑了音乐的形态。本章详细描述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征，分析了修道院如何成为音乐知识的保管者与传承者。同时，我们也关注了世俗音乐——游吟诗人（Troubadour）的歌曲，它们如何以民间语言和爱情主题，为日后世俗音乐的发展埋下了伏笔。 第四章：复调的革命与情感的解放 中世纪晚期至文艺复兴时期，复调音乐（Polyphony）的出现是西方音乐史上的一次巨大飞跃。本章将重点放在了巴黎圣母院乐派和尼德兰乐派的作曲家身上。我们探讨了如何从单一旋律线发展出复杂的织体，以及这种技术进步如何使得音乐表达的复杂度和情感深度得到质的飞跃。文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐开始摆脱纯粹的宗教束缚，更注重人性的表达。我们分析了经文歌（Motet）和牧歌（Madrigal）在文本与音乐结合上的精妙之处，预示着巴洛克时期个人情感的爆发。 第五章：巴洛克与古典主义：理性与激情的交锋 巴洛克时期是音乐史上技巧和戏剧性达到巅峰的阶段。本章聚焦于巴赫、亨德尔和维瓦尔第的贡献。我们详细解析了“通奏低音”在构建音乐框架中的核心作用，以及赋格曲（Fugue）如何将对位技巧推向极致的理性结构。随后，音乐的重心转向了歌剧——一种集音乐、戏剧、舞台艺术于一体的综合体。紧接着，古典主义（海顿、莫扎特、贝多芬早期）强调清晰的结构、平衡的比例和清晰的旋律线条，试图在巴洛克时期的“狂热”中寻求一种新的“古典和谐”。本章探讨了奏鸣曲式如何成为组织音乐叙事的主要蓝图。 第六章：浪漫的超越与现代的分裂 十九世纪的浪漫主义音乐，是对启蒙运动理性主义的反叛。作曲家们（如舒伯特、肖邦、瓦格纳）将音乐视为表达极端个人情感、探索民族精神乃至探求形而上真理的终极媒介。本章分析了交响诗、艺术歌曲等新型体裁如何服务于叙事和象征意义的传达。进入二十世纪，随着调性系统的瓦解（如勋伯格的十二音体系）和技术革命（如录音技术的出现），音乐进入了前所未有的多元化和“分裂”时期。我们探讨了德彪西的印象主义、斯特拉文斯基的原始主义，以及美国爵士乐的诞生，如何共同构筑了我们今天所听到的复杂音乐景观。 结语：聆听的未来 《乐海拾遗》的最终目的，是邀请读者重新审视我们与声音的关系。它不仅回顾了辉煌的过去，更试图提供一个哲学框架，用以理解当代音乐（从电子乐到世界音乐的融合）的意义。音乐从未停止流动与演变，而理解其深层的人文根源，是更深刻聆听未来的钥匙。 --- 本书特色： 跨文化视角： 平衡探讨了西方古典传统与东方哲学音乐体系，避免单一文化霸权。 人文优先： 强调音乐与其社会、哲学背景的互动，而非纯粹的技术分析。 叙事性强： 以清晰的历史脉络和引人入胜的案例研究，将复杂的演变过程讲述得如同一部波澜壮阔的史诗。 学术严谨性与可读性的统一： 资料翔实，但语言风格力求流畅自然，适合对历史文化有兴趣的广大读者。

评分☆☆☆☆☆

我是一个视觉型学习者，传统教材那种密密麻麻的文字和单一的黑白乐谱对我来说就是催眠曲。但是，这本书在视觉设计上简直是教科书级别的典范。它仿佛是在努力对抗“枯燥”这个词。每一章节的开头，都会用一种极具设计感的抽象图案来预示本章的核心概念，这种视觉语言的引入非常大胆且有效。更令人惊喜的是，它在解释那些高难度技巧时，大量使用了色彩编码和三维图形的概念。例如，在讲解“转调”时，作者用不同亮度的渐变色块来模拟音高在听觉上的远近和明暗关系，这种跨感官的描述方式，极大地拓宽了我的理解边界。我甚至可以把这本书当作一本艺术画册来欣赏。那些用来演示音程关系的插图，绝不是随便找来的模板，它们本身就具有很高的艺术水准，线条的粗细、留白的运用，都体现出作者对“美”的极致追求。阅读体验是如此愉悦，以至于我常常忘记自己是在“学习”，而更像是在进行一场与视觉美学的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我从来没想过一本书能让我对音乐产生如此强烈的“破解”欲望。我总觉得那些复杂的记谱法是专属于音乐家的秘密语言，而我这种“业余爱好者”是永远无法真正企及的。但这本书，彻彻底底颠覆了我的认知。它的精彩之处在于那种层层递进的逻辑结构，它不是简单地罗列规则，而是深入探讨“为什么”要这样写。比如，书中对“调式”的探讨，已经不仅仅是音阶的排列组合，而是上升到了探讨不同调式如何烘托出特定的情感色彩——为什么小调听起来忧郁，大调听起来开朗？作者引用了大量的古典作品片段作为佐证，每一次切换调式，都配上了精准的听觉描述，让我仿佛真的能“看”到作曲家笔下情绪的转变。最让我佩服的是它对“记谱法演变史”的处理，那简直像是一部微缩的音乐文明史，从早期的纽姆记谱法到现代的五线谱定型，每一步的变革都与当时的社会思潮和乐器发展紧密相连。这本书的深邃度，足以让科班出身的人士进行学术参考，但其流畅的文笔和充满激情的表达，又完全不会让初学者感到有任何压力。它成功地架起了一座桥梁，连接了理论的严谨和艺术的浪漫。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者显然是一位拥有深厚人文素养的音乐家。他的文字中流淌着一种深沉的敬畏感，这份敬畏不仅是对音乐体系本身的，更是对人类创造力的赞美。在讨论到“不和谐音”和“十二音体系”等革新性概念时，作者的处理非常平衡，他既没有将之奉为神谕，也没有简单地斥之为离经叛道，而是将其放在了时代变迁的大背景下去考察。这种历史唯物主义的视角，让读者能够理解为什么艺术形式必然会发展和突破边界。书中穿插着一些对现代作曲手法的简要介绍，比如如何使用计算机辅助创作，这些内容非常新颖，显示出作者与时俱进的学术态度。读完最后一章，我感到一种强烈的充实感，仿佛打开了一扇通往音乐宇宙的密室大门。这本书不仅仅是知识的传授，更是一种精神的熏陶，它鼓励读者去质疑、去探索、去用自己的耳朵和心灵去验证书中所述的一切。它不是一本让你合上就忘的书，它会成为你未来聆听世界的全新参照系。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于音乐理论的书籍汗牛充栋，但大多要么过于偏向某一乐器（比如钢琴或小提琴），要么就是过于强调历史文献的堆砌，真正能做到“通识性”和“实用性”完美结合的少之又少。这本书的独特之处在于它的“全景视角”。它没有厚此薄彼，而是将所有音乐元素——从最基础的音高、节奏，到复杂的曲式结构，再到对不同乐器组声音特性的描绘——都纳入了一个宏大的体系中进行梳理。我特别欣赏它对“音乐结构分析”这一块的处理。作者没有停留在告诉你“这是三段体”，而是深入解析了作曲家是如何运用“动机的发展与再现”来构建情感张力的。这种分析方法，让我以后再听任何一首交响乐或奏鸣曲时，都能立刻抓住其骨架和血肉，而不是只停留在旋律的表面。这本书真正教会我的，不是如何“读”乐谱，而是如何“听懂”音乐背后的逻辑和意图，它让我从一个被动的听众，蜕变成了一个有能力的欣赏者。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书拿到手里，沉甸甸的，光是封面那低调的深蓝色和烫金的“乐章”二字，就透着一股不容小觑的专业范儿。我本来是抱着试一试的心态翻开的，毕竟我对音乐理论的了解，大概也就停留在“Do Re Mi”能唱准就行了的阶段。然而，作者的叙事方式，简直是把一座原本需要精密仪器才能测量的科学迷宫，硬生生地变成了一场引人入胜的室内音乐会。他没有一上来就抛出一堆复杂的术语和令人头晕的数学公式，而是从最基础的“声音的起源”讲起，像一位和蔼可亲的老师，用生动的比喻将那些抽象的音高、时值概念具象化。我记得有一段讲到“节奏”的时候，作者居然用了城市交通的流量控制来做类比，瞬间我就明白了为什么不同的拍号会给人带来完全不同的律动感——原来这和红绿灯的切换逻辑是相通的！读到后面，即便是涉及到复杂的对位法和和声进行时，作者也总能巧妙地穿插一些历史轶事或者作曲家的个人生活片段来调剂气氛，让人在学习枯燥知识的同时，还能感受到艺术的温度。这本书的排版也极其人性化，大量的图示和清晰的标注，让那些原本让人眼花缭乱的五线谱符号，变得井井有条，仿佛每一个音符都在它应该在的位置上找到了自己的归宿。