歌剧欣赏十八讲 [18 Opera Lectures] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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沈祺 著

图书标签:

• 歌剧
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• 音乐教育
• 歌唱艺术

出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303085743

版次：1

商品编码：10865539

包装：平装

丛书名： 国家大剧院音乐讲堂系列

外文名称：18 Opera Lectures

开本：16开

出版时间：2011-10-01

页数：270

编辑推荐

近十年来，音乐欣赏类的图书汗牛充栋。然而或直接翻译外文著作而阅读艰涩，或过于学术而阳春白雪，或思维陈旧、充斥过时的结论而不忍卒读，或一味注重唱片赏析而一叶障目，或疏于从现代人的欣赏角度和知识背景出发而与时代格格不入。歌剧作为综合性舞台艺术，其四百余年的历史错综复杂。要在这纷纭繁杂的历史事件、人物关系、派别流传之中找到内在的脉络和逻辑，要将这四百年的历史浓缩到十八讲之中，用深入浅出的语言讲述得清清楚楚、妙趣横生，同时要符合现代人的阅读习惯和欣赏习惯，可以说是前人未有的创举。

内容简介

《歌剧欣赏十八讲》以时间发展、艺术风格的演进为经，以歌剧艺术作为综合艺术与别的艺术门类的互相影响关系为纬，同时以艺术和政治经济社会的关系为纲，立体呈现歌剧艺术四百年的诸多方面，试图为歌剧欣赏者提供一个独特的切入点和全面的欣赏指南。
让我们随着时间上溯至1607年乃至更早的16世纪晚期，探寻意大利文艺复兴之后在宫廷里兴起的这种新型艺术形式，在蒙特威尔第那里追溯歌剧的源头。顺流而下，看这条清澈的小溪如何从潺潺细流逐渐发展成为宽阔的江海——歌剧艺术的发展史如同文化的交流史，从这里可以读懂四百年文化的流转和传承。

目录

第一讲 蒙特威尔第和歌剧的起源
一、为什么歌剧会诞生在意大利
二、蒙特威尔第之承前启后
三、早期歌剧和今日的不同
四、《奥菲欧》
五、《奥菲欧》之外的意大利17世纪歌剧

第二讲 皇室的辉煌——从吕利到珀赛尔
一、法国歌剧和英国歌剧的起源
二、吕利的无上荣耀
三、吕利身后的法国歌剧
四、珀赛尔孤单的背影

第三讲 第一个世界主义者——亨德尔
一、亨德尔的歌剧之路
二、亨德尔的全盛时期
三、披着清唱剧外衣的歌剧

第四讲 落日的余晖——18世纪的歌剧
一、被忽略的大师——拉莫
二、“红衣主教”的歌剧
三、拿波里乐派
四、喜歌剧之争

第五讲 格鲁克、海顿和维也钠
一、格鲁克的歌剧创新
二、巴黎的歌剧擂台赛
三、“海顿爸爸”的歌剧
四、维也纳的歌剧生活

第六讲 横出世的天才——莫扎特
一、用德语写歌剧
二、最深刻的喜歌剧

第七讲 从贝多芬到威伯
一、德语歌剧的兴起
二、歌剧音乐与政治
三、《费德里奥》
四、贝多芬和歌唱家
五、威伯和他的时代

第八讲 贝多芬的反面——罗西尼及美声歌剧
一、为什么美声歌剧能成功
二、罗西尼和《塞维利亚的理发师》
三、多尼采蒂的歌剧
四、贝利尼的歌剧

第九讲 整体艺术的高峰——瓦格纳
一、音乐与文学之关系
二、瓦格纳的青年时代
三、《特里斯坦与伊索尔德》和《纽伦堡的工匠歌手》
四、拜罗伊特和《尼伯龙根的指环》

第十讲 意大利巨擘——威尔第
一、威尔第的音乐与政治
二、威尔第的音乐和戏剧
三、《奥赛罗》和《法斯塔夫》

第十一讲 十九世纪的法国歌剧
一、从梅耶贝尔到柏辽兹
二、从奥芬巴赫到比才

第十二讲 真实主义的高峰——普契尼
一、莱昂卡瓦罗与马斯卡尼
二、普契尼的巅峰之作
三、普契尼在中国

第十三讲 民族乐派歌剧的兴起
一、斯美塔纳和捷克歌剧
二、德沃夏克和雅纳切克
三、波兰和匈牙利的民族歌剧

第十四讲 俄罗斯歌剧
一、格林卡和沙皇
二、柴科夫斯基的巅峰之作
三、强力集团的歌剧
四、苏维埃的歌剧

第十五讲 从德彪西到斯特拉文斯基
一、法国歌剧之高峰
二、《佩利亚斯与梅丽桑德》
三、俄罗斯的夜莺

第十六讲 德奥最后的浪漫——理查·施特芳斯
一、艺术创作的道路
二、艺术和政治的交集
三、理查·施特劳斯和文学
四、《玫瑰骑士》
五、《莎乐美》

第十七讲 谜惘和追寻——从贝尔格到潘德列茨基
一、贝尔格和德奥歌剧的创新
二、英美歌剧在20世纪
三、法国歌剧及拉丁语系的歌剧
四、东欧伟大的作曲家

第十八讲 歌剧在中国——从《白毛女》到《秦始皇》
一、《白毛女》的年代
二、《西施》的道路
三、国际化合作的新歌剧
四、歌剧在中国的未来
歌剧不是“文化产业”（代后记）

精彩书摘

蒙特威尔第之所以被奉为歌剧的鼻祖，在于他承前启后的地位，他既总结了前辈们在“歌唱戏剧”领域的尝试，又丰富了演唱的技法，增强了戏剧性，为后来人开辟了一条康庄大道。早在蒙特威尔第之前的1597年，佛罗伦萨的雅各布·佩里就写了一部《达芙尼》（Dafne）。比佩里更早的埃米利奥·德·卡瓦利耶里（Emilio de' cavalieri）也曾写过所谓田园牧歌剧（Pastoral），但规模更小，音乐也没有后来那么完整。当时佛罗伦萨俨然是世界文艺中心，人文主义者荟萃。佩里就是给这些精英分子们创作的《达芙尼》。不过这些早期作品很多已经遗失，除非有音乐史上的重大考古发现，否则我们将永远也见不到它们的乐谱了。以佩里为代表的歌剧先驱们心中怀有一个神圣而伟大的目标，就是复兴古希腊的传统。
然而如何复兴呢？古希腊毕竟已经是过去几千年前的事情了，没有人亲眼见过它究竟是什么样子。故事和剧本由人文主义者们当中的佼佼者选择和执笔，自然是他们心目中的古希腊神话故事，剩下的就是作曲家的事情了。合唱是必须要有的，因为古希腊戏剧的一个重要特征就是有合唱团作为角色扮演和旁白，包括每一幕结束时“总结陈词”的部分。还有一个重要的因素，就是独唱角色可能难度较高，业余爱好者们难以胜任，那么热爱歌唱的贵族老爷和人文主义者们也可以“过把瘾”玩票一下——如果他们乐意的话。独唱部分相对就比较简单，文艺复兴音乐已经大为世俗化，宫廷恋歌、牧歌为歌剧准备了充足的音乐基础，只需要将这种歌谣式的音乐加以系统化，融入歌剧中便可以了。所以佩里的歌剧就是这样诞生的，内中有大量戏剧性的独唱，用美妙的歌声来表达感情，伴奏也相对简单，通常只有一些简单的和弦。音乐就在这里转了一个弯儿，从最早的单声调音乐进化到无比复杂的复调音乐，现在又回归到朴素。文学和音乐在这里是同步的，当时人们对彼得拉克的模仿正和音乐上的这种复古思潮不谋而合。
歌剧作为一个舞台上的表演活动，社会意义上的准备工作也在16世纪下半叶完成，只等待天才的作曲家们将其提升到艺术的高度。当时的意大利权贵们有许多重要场合需要表演助兴，如婚礼、狂欢节、军事庆典，等等。今天我们中国时兴“晚会”，有春节晚会、元宵晚会、中秋晚会等，而四百多年前在意大利也差不多，也有这样的“晚会”。然而今天的艺术史上只有歌剧，而仿佛对歌剧诞生前此类“晚会”记载甚少。此类四百多年前的“晚会”也和今天的晚会有某种相似，借助神话传说的故事和人物，有唱有跳，插科打诨，主旋律突出而且十分热闹。早期歌剧诞生之后，也继承了此类“晚会”的社会功能，同时还残留了部分晚会元素，比如热闹的跳舞场面，但是已经从应景娱乐的性质上升到艺术作品的高度，具有完整的戏剧性。一个最好的例子就是佩里和卡契尼合写的歌剧《奥菲欧和尤丽迪切》，1600年法国国王亨利四世和佛罗伦萨的公主玛丽结婚，新郎迎亲到了佛罗伦萨，佛罗伦萨宫廷为庆祝这一盛大时刻，“堂会”就没有排出一场“晚会”，而是委约佩里和卡契尼创作了这部歌剧。这个事件堪称标志性，代表着歌剧这种新兴的艺术形式取得了某种官方认可。用今天的话来说，就是“试验性话剧”走向主流。
说了这么多，也该蒙特威尔第登场亮相了。蒙特威尔第吸取了前人的所有优点和创新，扩大了演出规模，完善并固定了歌剧这一体裁的基本要素。正是在蒙特威尔第的手中，歌剧才真正成熟了。他笔下的《奥菲欧》也因此成为第一部成熟的歌剧，也是最完美、最广为人知的意大利早期歌剧。首先是题材，蒙特威尔第继承了前人的题材选择，用了神话传说中太阳神阿波罗之子、音乐之神奥菲欧去地狱感动了冥神和冥后，救回妻子尤丽迪切然而却经受不住妻子的呼唤，回头看了一眼导致妻子再度逝去的故事。音乐方面，蒙特威尔第大大发展了宣叙调、咏叹调和合唱等要素，将音乐和文字的关联推向一个新的高度。乐队的规模也大大扩展，将近四十件乐器组成的古乐队所营造的伴奏效果可谓空前。此外舞台技术、布景等方面也有巨大的进步，看上去更“像”是货真价实的歌剧了。蒙特威尔第被后世尊崇，不仅因为他集前人之大成，还因为他启发了许多后辈，进而发扬光大了歌剧这门艺术。他不仅歌剧写得好，还写了大量的牧歌。他的单声部、多声部牧歌共有九卷之多，传遍了全欧洲，影响了德国的许茨等许多人。
……

前言/序言

　　以音乐讲座的形式将歌剧这门最复杂的舞台艺术呈现出来，深入浅出而又生动活泼，不是一件容易的事情。歌剧是具有四百余年历史的经典艺术，博大精深，在有限的十八讲里理出最清晰的脉络，追求高格调、高品位，不媚俗、不随意，做到知识性、权威性、普及性、实用性与亲和性并举，是音乐评论家、出版家、本套丛书主编刘雪枫先生对我的要求。
　　近十年来，音乐欣赏类的图书汗牛充栋。然而或直接翻译外文著作而阅读艰涩，或过于学术而阳春白雪，或思维陈旧、充斥过时的结论而不忍卒读，或一味注重唱片赏析而一叶障目，或疏于从现代人的欣赏角度和知识背景出发而与时代格格不入。歌剧作为综合性舞台艺术，其四百余年的历史错综复杂。要在这纷纭繁杂的历史事件、人物关系、派别流传之中找到内在的脉络和逻辑，要将这四百年的历史浓缩到十八讲之中，用深入浅出的语言讲述得清清楚楚、妙趣横生，同时要符合现代人的阅读习惯和欣赏习惯，可以说是前人未有的创举。本书立足歌剧四百余年的历史，关注今天正在发生的事件，同时倾力关注这些伟大的历史文化遗产在今天的价值和意义，尝试发前人之所未发。如果说于丹解读《论语》可谓是在21世纪的今天将孔夫子艰深的学术平民化，那么本书可以试图作为在21世纪的今天，将“高雅”的歌剧艺术平民化的一个小小尝试。
　　本书以时间发展、艺术风格的演进为经，以歌剧艺术作为综合艺术和别的艺术门类的互相影响关系为纬，同时以艺术和政治、经济、社会的关系为纲，立体呈现歌剧艺术四百年的诸多方面，为21世纪的中国的歌剧欣赏者们提供一个独特的切入点和全面的欣赏指南。让我们随着时间上溯至1607年乃至更早的16世纪晚期，探寻意大利文艺复兴之后在宫廷里兴起的这种新型艺术形式，在蒙特威尔第那里追溯歌剧的源头。顺流而下，看这条清澈的小溪如何从潺潺细流逐渐发展成为宽阔的江海，如何博采众长，吸引多种多样的文化共同融入——歌剧艺术的发展史就如同文化的交流史，从这里可以读懂四百年文化的流转和传承。
　　古乐运动的先驱之一、著名羽管键琴演奏大师兰朵夫斯卡曾经说，你们用你们的方法演奏巴赫，而我用巴赫的方法演奏。然而巴赫的方法也需要一代又一代的演奏家重新去复原，不断接近巴赫的精神。这和我们当今欣赏歌剧的方法是一样的。年代久远者如意大利和法国巴洛克时期的歌剧，其复兴也仅仅是最近几十年的事情，长久以来均处在被遗忘的角落。不仅声乐演唱方法需要重新构建，舞台表现、乐队伴奏、演出场所的适应等诸多问题也仍然在逐步修正。而就算格鲁克、莫扎特等作曲家的作品，现今仍然源源不断有各种新的发现，帮助我们进一步理解这些巨作。录音技术出现后的一百多年，借助录音我们可以直观地观察到这百年间的歌剧表演史：剧目的不断扩大，对历史的认识逐步增强，越来越多过去“冷门”的剧目又重新焕发了生机。同时新的歌剧不断涌现，歌剧这门古老的艺术在当今正在进入一个崭新的时代。
　　歌剧并非铁板一块，固定不变。自其四百多年前在意大利诞生起，就不断变化、不断被新的领土和文化吸收、改进，增添新的活力和内容。从最早的意大利歌剧与法国、英国本民族音乐、审美的结合，催生出法国、英国独有的“原创歌剧”形式，到稍晚时候德国本民族用德语创作的融合了德国戏剧特色的“原创歌剧”形式，再到东欧、俄罗斯等民族的天才作曲家们开创自己民族的“原创歌剧”，直到美国人也加入了这个阵营——其过程基本与电视纪录片《大国崛起》同步。而就算在意大利本土，歌剧也一直坚持着原创和进步，从最早略显幼稚的巴洛克歌剧到成熟的贵族娱乐形式，从拿波里歌剧到美声歌剧的兴起再到蒙特威尔第的横空出世和真实主义风行一时，歌剧在意大利始终站在时代前沿。进入20世纪，以布索尼、贝里奥、洛伦佐·费列罗等为代表的意大利作曲家也创作了相当多的新作。
　　有的朋友或许开始疑惑，歌剧欣赏是不是需要懂多门外语、精通音乐，方能窥得其中门径？更有历来不少人对古典音乐、对歌剧的“妖魔化”言论，使得许多朋友望而生畏。希望本书能帮助从来没有接触过歌剧的朋友打开歌剧之门，提供一个欣赏的借鉴。也有的朋友开始聆听歌剧，甚至有一些自己喜欢的作品和咏叹调，那希望这本书能够拓宽他们的视野，发现更多美妙的作品。公元前5世纪，希腊人自称是“理乐之邦”，他们非常重视音乐，认为音乐是理的完美的表现。希腊人的人生哲学，就是美与善的合一。善存在于理中，美表现在音乐里。我们在回顾歌剧四百余年的历史并展望它在21世纪的发展时，不能忘记歌剧的精神源头在古希腊。
　　如果从清乾隆皇帝第一次在紫禁城听到意大利传教士们表演歌剧算起，那么歌剧传入中国，迄今也有两百多年了。即便从新中国成立后参照苏联的艺术体系建立起来的歌剧院团算起，半个多世纪的历史也让中国的歌剧事业步入中年。在国际艺术交流大发展、大繁荣的今天，我们同步经历着歌剧的最新制作、最顶尖歌手和最佳理念；但与此同时我们也经历着中国自己的歌剧艰难探索的过程，而这一过程别的国家早在数百年前就已经完成。我们处在最好的时代，见证着中国的歌剧的兴盛之路。
　　由于本人知识所限，加之写作时间仓促、俗务缠身，本书定有不少不够完善甚至错误的地方，还望读者不吝赐教，共同争鸣。感谢刘雪枫先生，没有他的鼓励和鞭策，这本小书也许将永无面世之日。

音乐的殿堂：跨越时空的旋律之旅 图书简介 本书旨在引领读者深入探索古典音乐的宏伟殿堂，并非聚焦于歌剧这一特定形式的十八讲系统性讲解。相反，它提供了一幅更广阔、更具包容性的古典音乐全景图，从巴洛克时期的严谨结构到浪漫主义的汹涌情感，再到近现代音乐的实验与突破。我们相信，理解音乐的完整脉络，对于真正欣赏任何一种音乐体裁，包括歌剧，都至关重要。 第一部分：古典音乐的源头与根基 (The Foundations of Classical Music) 第一章：中世纪与文艺复兴的曙光 我们将追溯西方音乐的起源，探讨格里高利圣咏如何奠定西方旋律的基础，以及复调音乐在早期宗教和世俗音乐中的萌芽。重点分析奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等大师的作品，理解清晰对位与和声在这一时期的演变。这不是歌剧的开端，而是音乐结构思维的奠基。 第二章：巴洛克时期的辉煌与激情 (1600-1750) 巴洛克时期是音乐史上一个充满活力和创新的时代。本章将深入剖析“巴洛克”风格的核心特征：装饰音的繁复、情感的戏剧化表达以及数字低音的支撑作用。我们将详细考察巴赫（J.S. Bach）的赋格曲、协奏曲以及亨德尔（G.F. Handel）的清唱剧。我们关注的是纯器乐形式的完美构建——如《平均律键盘曲集》和《布兰登堡协奏曲》——这些作品展示了音乐如何通过精密的数学逻辑和充沛的宗教情感得以实现。 第三章：协奏曲的演变：从维瓦尔第到莫扎特 本章聚焦于协奏曲这一重要的器乐体裁，探讨其三乐章结构是如何确立并发展起来的。我们将分析维瓦尔第（Vivaldi）的《四季》中生动的自然描绘，以及协奏曲的“快-慢-快”节奏范式。随后，我们将过渡到古典主义时期，审视协奏曲在形式上的规范化，以及独奏乐器与乐队之间对话的日益成熟。 第二部分：古典主义的清晰与和谐 (The Clarity of Classicism) 第四章：奏鸣曲式的结构美学 奏鸣曲式，作为古典乐派音乐的骨架，是理解海顿、莫扎特和贝多芬创作思维的关键。本章将细致拆解呈示部、发展部和再现部的内在逻辑，探讨主题的呈献、冲突、解决与统一的过程。我们不讨论任何歌剧咏叹调中的曲式运用，而是纯粹研究交响曲和奏鸣曲第一乐章的纯器乐结构。 第五章：交响曲的诞生与发展：从海顿到贝多芬 交响曲如何从早期的序曲演变为宏大的四乐章叙事？我们将沿着海顿（Haydn）的“交响曲之父”地位，探究其幽默感和形式的完善，重点分析其中晚期作品的配器和动机发展。随后，重点转向贝多芬（Beethoven）早期至中期的交响曲，观察他是如何突破既有框架，注入个人意志和英雄主义色彩的。 第六章：室内乐的私密对话：弦乐四重奏的艺术 室内乐代表了古典音乐中最需要听众专注和细致聆听的部分。本章专注于弦乐四重奏，探讨四个独立声部如何达成完美的平衡与互动。我们将研究海顿如何确立了四重奏的标准，以及莫扎特后期作品中那种近乎哲学的、内在的对话。这些音乐形式强调的是四个声音之间的平等交流，而非舞台上的戏剧冲突。 第三部分：浪漫主义的激情与个性解放 (The Freedom of Romanticism) 第七章：李斯特与肖邦：钢琴的黄金时代 浪漫主义将音乐从古典主义的理性约束中解放出来，转向对个人情感、自然、异域风情和超自然力量的探索。本章集中讨论钢琴音乐的革新。我们将分析肖邦（Chopin）如何将波兰民族元素融入夜曲、圆舞曲和叙事曲中，创造出极致的抒情性。同时，审视李斯特（Liszt）的炫技技巧如何拓展钢琴的表达范围，例如其交响诗的开创性。 第八章：交响诗的兴起：叙事性音乐的新篇章 随着歌剧舞台的限制被打破，作曲家们开始在器乐中直接描绘文学、绘画或哲学主题。本章详细分析李斯特开创的“交响诗”体裁，考察柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》如何通过“固定音型”（idée fixe）来构建复杂的音乐叙事。我们将分析这些作品如何通过配器色彩和标题来暗示情节，而不是通过声乐文本。 第九章：民族主义音乐的兴起 19世纪后期，欧洲各地的作曲家开始从本土民间音乐、传说和历史中汲取灵感，形成独特的民族音乐风格。本章将考察俄罗斯“五人组”（如穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫）如何利用民间调式和史诗题材，以及斯美塔那（Smetana）在《我的祖国》中对波希米亚山川的描绘。这是音乐对国家身份认同的表达。 第四部分：近现代音乐的探索与挑战 (The Modern Era) 第十章：德彪西与印象主义的色彩 印象主义音乐标志着对传统和声体系的第一次重大冲击。本章侧重于德彪西（Debussy）如何运用全音阶、五声音阶和模糊的和声解决来营造“氛围”和“瞬间印象”。我们将分析他的管弦乐作品，如《大海》，探讨其如何通过音色和节奏的微妙变化来描绘光影变幻，而非线性的叙事。 第十​​一章：斯特拉文斯基与原始主义的冲击 进入20世纪，音乐的节奏和和声变得愈发大胆。本章聚焦于斯特拉文斯基（Stravinsky）的早期革命性作品，特别是《春之祭》。我们将分析其多重节拍的运用、刺耳的不协和音程以及对原始、野蛮力量的表达，这标志着对欧洲音乐传统的一次彻底反叛。 第十二章：第二维也纳乐派与无调性革命 本章探讨勋伯格（Schoenberg）及其追随者（贝尔格和韦伯恩）如何系统地放弃调性中心，导向无调性和十二音体系。我们将解释十二音作曲法（Dodecaphony）的原则，以及它如何提供了一种新的组织音乐材料的严格逻辑，即便是放弃了传统意义上的“旋律”和“和声”。 结语：音乐语言的无限可能 总结古典音乐跨越数个世纪的演变，从巴赫的理性结构到20世纪的实验探索，展示了音乐作为一种纯粹的听觉艺术，其表达的深度和广度远超任何单一的戏剧形式。本书为听众提供了理解这一切的基础工具和历史背景。

评分☆☆☆☆☆

这本《歌剧欣赏十八讲》简直是打开了新世界的大门！我一直对歌剧有点敬而远之，总觉得那是“高雅艺术”，门槛太高，听着也像在听天书。但这本书的叙述方式极其亲切自然，完全没有那种居高临下的说教感。作者似乎就是你旁边一个非常懂行的朋友，领着你慢慢走进歌剧这个光怪陆离的世界。尤其是对于那些经典剧目，比如《卡门》或者《弄臣》，他不是简单地罗列剧情，而是深入挖掘了作曲家创作时的心境、当时的历史背景，以及那些标志性咏叹调背后的情感张力。读完对歌剧的理解一下子从“听热闹”上升到了“品内涵”的层次。我尤其欣赏它在音乐分析上的处理，既保留了专业性，又用非常生动的比喻和生活化的语言进行解读，让我这个音乐小白也能大致捕捉到和声、对位、配器这些元素是如何为戏剧冲突服务的。以前听歌剧总觉得有些地方拖沓，现在明白了那是铺垫，是情绪的蓄积。强烈推荐给所有想跨入歌剧之门，但又怕被晦涩理论吓退的朋友。它做到了真正的“化繁为简，寓教于乐”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来是冲着对某个特定作曲家（比如瓦格纳或莫扎特）的深入研究来的，但这套“十八讲”的整体结构和广度确实让人惊喜。它不是那种只聚焦于少数几部“必听曲目”的导览手册，而是提供了一个非常宏观的、有脉络的歌剧发展史框架。从早期的蒙特威尔第，到巴洛克时期的精雕细琢，再到浪漫主义的汹涌澎湃，直至20世纪的先锋实验，每一讲似乎都精准地卡在了那个时代的转折点上。我感觉作者在材料的选择和编排上花费了巨大的心思，确保了知识的连续性和逻辑性。特别是关于“宣叙调”和“咏叹调”功能转换的讨论，那个部分的论述非常精辟，清晰地勾勒出了歌剧形式是如何随着戏剧需求而不断演进的。虽然篇幅有限，但信息密度极高，我甚至需要时不时停下来，对照着网上的录音去反复验证书中的描述，才能真正体会到那种“一字一句皆是匠心”的感觉。这是一本可以反复阅读，每次都能发现新亮点的“地图集”。

评分☆☆☆☆☆

对于想要准备进入歌剧院的观众来说，这本书简直是一份完美的“伴侣指南”。它没有用那种生硬的、如同教科书般的术语来“教育”读者，反而更多的是一种“预习”和“赏析指导”。比如说，它会提前指出在某部歌剧中，某个特定的乐器声部（比如单簧管或大提琴）扮演了怎样的“心理旁白”角色，或者某个和弦进行预示着什么样的灾难即将降临。这种“幕后知识”的提前揭示，极大地提升了现场观看的体验。当我真正坐在剧院里，听到那些被书里着重强调的音乐动机时，那种“原来如此！”的豁然开朗感是无与伦比的。它教会了我如何“听得更仔细”，如何不仅仅用耳朵，而是用心去跟随舞台上发生的每一个细节。这种实战指导性的内容，在许多理论性的歌剧书籍中是很难找到的，非常实用且具有即时反馈效果。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我对古典音乐理论的掌握程度有限，但这本书的行文风格却能让复杂的音乐结构变得清晰可见。它没有回避“对位”、“主导动机”这类词汇，但解释得极其到位，而且总是紧密结合具体的音乐片段来进行说明，而不是停留在抽象的定义上。例如，在讨论某一幕高潮时，作者对管弦乐队织体层次的拆解分析，简直像是在给一幅精美的油画做“透视”和“笔触”讲解。你知道每一层颜色（乐器组）是如何叠加、如何互相衬托，最终形成整体的震撼效果。这种结构化的解析，让我对“作曲家如何构建一部作品”有了更深刻的认识。它让我明白了歌剧的伟大，不仅在于动人的旋律，更在于其内部严谨而又充满生命力的结构美学。这本书是少数能将学术深度与大众可读性完美平衡的音乐普及读物之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书最打动我的地方在于它对歌剧“人性”的刻画。我们总谈论歌剧的宏大场面、华丽的舞台布景和炫技的唱功，但这本书回归到了最核心的东西——人。十八个讲座仿佛是十八面透镜，分别聚焦于不同的原型人物：被误解的英雄、命运多舛的女性、渴望爱情的凡人，甚至是神话中的悲剧角色。作者在分析咏叹调时，总能敏锐地捕捉到角色内心最幽微的情绪波动，是嫉妒、是狂喜、是自我怀疑，还是对死亡的坦然接受。通过阅读，我不再仅仅是为歌伶们高亢的嗓音而侧目，而是真正为剧中人物的遭遇而心碎或拍手叫好。它成功地将那些遥远、古典的故事拉回到了我们触手可及的情感范畴。这种深挖人物心理驱动力的写作手法，极大地增强了我的代入感。看完某些章节后，我甚至忍不住去翻阅原著的剧本，想看看文学是如何铺垫出歌剧中的那一刻爆发的。

评分☆☆☆☆☆

东西不错，快递员很负责任！

评分☆☆☆☆☆

很喜欢很喜欢很喜欢很喜欢

评分☆☆☆☆☆

希望有实质性的内容，书的质量、印刷倒是挺满意的！

评分☆☆☆☆☆

近十年来，音乐欣赏类的图书汗牛充栋。然而或直接翻译外E文著作H而J阅读艰M涩O，或过于R学T术而U阳春白雪，或思

评分☆☆☆☆☆

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

评分☆☆☆☆☆

挺好的 非常适合初学者

评分☆☆☆☆☆

好书，值得收藏

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评分☆☆☆☆☆

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。