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[美] 帕特里克·弗兰克（PatrickFrank） 著

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出版社： 中国人民大学出版社有限公司

ISBN：9787300233789

商品编码：11148459510

出版时间：2016-11-01

作  者:(美)帕特里克·弗兰克(Patrick Frank) 著;俞鹰,张妗娣 译 著作 定  价:168 出 版 社:中国人民大学出版社有限公司 出版日期:2016年11月01日 页  数:675 装  帧:精装 ISBN:9787300233789 ●部分视觉体验的语言
●第1章艺术和创造力的本质
●什么是艺术?
●什么是创造力?
●艺术与现实
●看和看见
●形式与内容
●第2章艺术的目的和功能
●愉悦功能的艺术
●评论功能的艺术
●崇拜与礼节功能的艺术
●纪念功能的艺术
●劝说功能的艺术
●自我表达功能的艺术
●第3章视觉元素
●线条
●形状
●块
●空间
●时间和运动
●部分目录

内容简介

艺术的学习在人的成长中到底扮演着怎样的角色？我们为什么离不开“艺术”？在国外，孩子很小的时候，大人就会给他厚厚的画册翻看，这是一个“养眼睛”的过程。不需要解释，这是一种自觉去培养的“不自觉”的审美。
我们需要艺术，哪怕仅仅是停下来看几页书中的插画，都能从现实中抽离，获得片刻愉悦的体验。艺术作品中饱含着创作者的情感、体验、认识，当我们欣赏艺术时，我们也是在体验，并参与其中。没有一次凝望是没有意义的，每一次与艺术的相遇，都让我们的生命更加丰满。
有艺术相伴和没有艺术相伴的孩子有什么不同？我想，大概就是那份对美的敬畏与感动吧。看见艺术，才能看见艺术背后对生命的欢喜；看见艺术，才能看见艺术背后对生活的热爱。
(美)帕特里克·弗兰克(Patrick Frank) 著;俞鹰,张妗娣 译 著作 帕特里·弗兰（Patrick Frank），于乔治·华盛顿大学获得其硕士和博士学位，执教于小型社区大学与研究性公共大学，有丰富的高校教学经验。近期他被加州大学洛杉矶分校任命为董事会讲师（Regents' Lecturer）。他曾撰写和编辑了五本现代拉美艺术方面的书籍，近期在筹备由得萨斯州大学出版的《20世纪拉美艺术》一书的第二版。很近，他还出版了《源自不规则：阿根廷之新具象绘画（1960—1965）》一书。他编辑了《拉美现代艺术读物》（耶鲁大学出版社），还撰写了两本关于拉美平面设计的书。

好的，这是一份不包含《艺术形式（第11版）》内容的图书简介。 --- 书名：视觉叙事的演变：从早期壁画到数字媒体的图像学研究 作者：[此处填写作者姓名] 出版年份：[此处填写出版年份] 页数：约 650 页 定价：[此处填写定价] ISBN：[此处填写 ISBN 号码] --- 图书简介 一、绪论：图像学的视角与研究方法 本书旨在对人类历史上视觉叙事的演变进行一次全面而深入的考察。我们并非简单地罗列艺术作品，而是着重于理解图像如何被创造、被解读，以及它们在特定历史和社会结构中扮演的角色。全书以“图像学”（Iconography）和“图像志学”（Iconology）为核心方法论，探讨图像背后的文化密码、象征意义以及权力结构。 研究的起点设定在史前洞穴壁画的原始冲动，考察早期人类如何通过刻画和描绘来建立对世界的理解和掌控。随后，我们将目光投向古埃及和美索不达米亚文明的纪念性艺术，分析这些图像如何服务于神权政治和永恒的信仰体系。我们关注的重点在于，这些早期视觉语言是如何在地域和时间上进行传播、融合与变异的。 二、古典时代的理想与再现 本书的第二部分聚焦于古希腊和古罗马艺术的黄金时代。我们将深入剖析希腊雕塑中对“理想人体”的追求，探讨柏拉图式的理念世界如何投射到对形式、比例和和谐的极致化表达中。在解读雅典卫城的神庙浮雕时，我们将超越单纯的形体分析，考察其如何反映城邦公民的道德观和宗教信仰。 罗马艺术部分则着重于其实用主义和政治宣传的面向。从庞贝古城的壁画到图拉真纪念柱的叙事浮雕，我们审视图像如何被有效地用作帝国扩张、军事胜利和皇帝权威的见证。此处的研究尤其强调了现实主义（Verism）在肖像艺术中的应用，以及它如何服务于社会阶层和家族谱系的建构。 三、中世纪的精神疆域与符号系统 中世纪的艺术是理解西方乃至拜占庭文化精神内核的关键。本部分将详细阐述在基督教神学主导下的视觉语言的重塑。我们分析了早期基督教墓葬艺术中的隐晦象征，如何逐步演变为宏大、程式化的拜占庭圣像画。 本书投入大量篇幅探讨罗马式和哥特式大教堂的建筑与雕塑装饰。我们考察了这些“石头圣经”如何向文盲大众传达复杂的教义，重点分析了圣徒传记、末日审判场景的叙事结构，以及它们如何引导信徒的目光和心灵。对光线、色彩和空间处理的讨论，将揭示中世纪匠人如何尝试在物质世界中捕捉超越性的神圣经验。 四、文艺复兴的回归与人性的觉醒 文艺复兴是人类对自身潜能的重新发现，也是视觉再现技术发生革命性飞跃的时期。本部分将详尽分析透视法（Perspective）的发明和应用如何彻底改变了艺术与观察者之间的关系。我们不再将图像视为平面的符号，而是视为一个可被理性测量的、可进入的“窗口”。 对达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等巨匠作品的分析，将着重于人文主义思想如何渗透到宗教题材和神话题材的描绘中。研究将探讨“模仿”（Mimesis）的理论如何被新的科学观察方法所武装，从而达到前所未有的真实感。同时，我们也审视了威尼斯画派在色彩和氛围处理上的创新，及其与佛罗伦萨/罗马学院派的张力。 五、巴洛克与洛可可：情感的煽动与感官的盛宴 十七世纪的巴洛克艺术是权力与激情的交响乐。本部分深入剖析了反宗教改革（Counter-Reformation）对艺术内容和形式提出的要求，以及绝对君主制如何利用艺术来巩固其统治的合法性。卡拉瓦乔的光影戏剧、贝尼尼的动态雕塑，以及鲁本斯饱满的生命力，都体现了对观众情感的直接冲击和调动。 进入十八世纪，洛可可风格在法国宫廷的兴起，标志着艺术重心从公共宣讲转向私密享乐。我们分析了其轻盈、精致的装饰语言如何反映了启蒙运动后期贵族阶层的审美趣味，并探讨了这种风格在欧洲大陆范围内的迅速传播及其引发的文化反思。 六、现代性的开端：从学院派到印象派的断裂 十九世纪是艺术界发生剧烈社会和技术性变革的时期。本书将重点探讨摄影技术的出现对传统绘画构图和功能带来的冲击。面对“再现”的权威被削弱，艺术家们开始转向探索主观经验和对光线、色彩本身的纯粹研究。 我们详细分析了沙龙体制的僵化与新兴的独立艺术家之间的冲突。印象派对瞬间性、非传统题材（如城市生活、风景写生）的聚焦，被视为对既有视觉秩序的一次根本性颠覆。这一部分的叙事引导读者理解，艺术不再是历史的记录者，而日益成为个人感知的实验场。 七、二十世纪的语言重构：形式的解放与意识形态的对抗 进入二十世纪，艺术不再寻求描绘可见的世界，而是致力于发明新的视觉语法。本书全面覆盖了从立体主义对多重视角的探索，到未来主义对速度与机械的颂扬；从抽象表现主义对潜意识的挖掘，到超现实主义对梦境逻辑的系统梳理。 重点案例分析包括毕加索对传统再现手法的解构、康定斯基在纯粹非具象语言上的探索，以及蒙德里安对几何纯粹性的追求。我们还探讨了达达主义和后来的波普艺术如何将日常物品和商业符号提升到艺术的范畴，以此挑战精英文化与大众文化的界限。 八、当代语境下的图像流通与观看伦理 本书的收尾部分将视角转向战后及当代艺术的复杂图景。随着全球化和电子媒介的普及，图像的生产、复制和消费速度达到了前所未有的程度。我们审视装置艺术、行为艺术以及新媒体艺术如何挑战了传统的“媒介”定义，并将观众直接纳入作品的语境之中。 最后的章节关注了后殖民批评、女性主义艺术理论对既有西方视觉史的修正与挑战，以及数字时代下图像的虚拟化和碎片化现象。本书旨在提供一个批判性的框架，帮助读者理解我们身处一个由无休止的视觉信息流构筑的时代，并探寻在这种新环境中，艺术的意义和功能将如何继续演化。 核心价值： 本书通过扎实的图像学分析，辅以深刻的历史哲学背景考察，为读者提供了一个理解跨越数千年的人类视觉表达的深度指南。它不仅是一部艺术史，更是一部关于人类认知、信仰与权力如何通过可见形式被塑造和传达的历史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的精彩之处在于，它彻底打破了我对“什么是艺术”的刻板印象。在阅读过程中，我不断地被那些看似不相干的艺术分支拉到一起进行对话。我以前认为，现代舞和建筑设计之间的关联性微乎其微，但书中关于“流动性”和“结构支撑”的对比分析，让我看到了两者在空间动态上的惊人相似。作者的论证逻辑极其严密，引用了大量的案例佐证，但行文却始终保持着一种轻盈感，阅读起来毫不费力。它没有鼓吹某一种艺术形式的至高无上，而是以一种近乎平等的态度去解构和赞美每一种形式的独特表达力。这本书让我意识到，艺术的边界是人为设定的，而这本书的目的，似乎就是要帮你把这些边界一点点地模糊掉、拓宽掉。它更像是一本“思维工具箱”，而不是一本“知识百科全书”，教你如何去构建自己的审美体系。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的整体感受是，它像一位耐心的、知识渊博的导师，在你似乎要迷失在浩瀚的艺术史和理论中时，及时拉你一把，并指明方向。它在结构上做得非常巧妙，不像某些同类书籍那样按时间线索死板地推进，而是以“形式”为纲领，将不同时代、不同地域的作品进行横向的比较和讨论。这种跳跃性的视角，极大地拓宽了我对艺术共性的理解。举个例子，书中对比了巴洛克时期音乐的复调结构和后期印象派绘画中笔触的交织感，这种跨媒介的类比分析，极大地激发了我的思考，让我意识到，无论媒介如何变化，人类对韵律、张力与平衡的追求是相通的。唯一稍微觉得有点吃力的地方，是某些涉及美学哲学的章节，可能需要反复阅读才能完全消化，但这同时也说明了它内容的扎实程度，它不是那种读完就忘的快餐读物，而是值得反复咀嚼的经典。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是本行家指南，它没有那种高高在上的学院派腔调，而是非常接地气地带你走进了艺术创作的肌理之中。我特别欣赏作者在探讨不同艺术媒介时展现出的那种细致入微的观察力。比如，书中关于光影在绘画中如何被运用以营造情绪的章节，简直是打开了新世界的大门，我以前看画只是停留在“好看”的层面，现在我能隐约捕捉到画家在构图和色彩选择背后的那些小心思了。更别提对雕塑空间感的阐述，作者没有用晦涩的术语堆砌，而是通过一些非常形象的比喻，让我这个非科班出身的人也能大致理解那种“体量感”和“动势”是如何通过材料被固定下来的。这本书的价值在于，它教会了我如何“看”艺术，而不是简单地“欣赏”艺术。它像一把钥匙，帮你解锁了艺术背后的逻辑和语言，让每一次走进博物馆或画廊的体验都变得更加丰富和有深度。这本书的排版和插图也做得非常用心，那些高质量的复制品让抽象的理论变得具象化，阅读体验极佳。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我来说，更像是一次全面的“审美重启”。它不是教你分辨好坏，而是教你理解“为什么是这样”。作者对材料属性的敏感度令人叹服，从黏土的塑性到数字像素的离散性，每一种材料似乎都有其内在的“表达倾向性”，这本书把这种倾向性挖掘得淋漓尽致。我曾对某些极简主义艺术感到困惑不解，觉得那不过是敷衍了事，但通过书中对“减法”和“留白”在不同文化背景下意义的深入分析，我开始理解到，有时候“不作为”本身就是最强烈的艺术宣言。这本书的视角非常国际化，它不局限于西方艺术史的叙事，而是将亚洲的写意精神和非洲的图腾表达也纳入到对“形式”的普适性探讨中，这使得整本书的格局非常宏大，让人在阅读过程中有一种不断攀登高峰的感觉。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的艺术爱好者，我最看重的是那种能够激发我主动探索欲望的读物，而这本厚厚的砖头书绝对做到了这一点。它不像教科书那样给你标准答案，而是提出了一系列精妙的问题，引导你去寻找自己的答案。我特别喜欢它对“媒介局限性”的探讨，比如，当艺术家试图用二维的平面来表达四维的时空感时，他们会采取哪些巧妙的视觉策略？书中对透视法、错觉艺术的剖析，既有历史的纵深感，又有技术层面的细致讲解。读完后，我立刻去重温了一些经典电影的场景设计，忽然间，那些景深镜头、那些布景中的线条引导，都变得有了明确的“意图”和“意义”。这本书的语言风格非常精确，用词考究，即便是描述那些最抽象的观念，也能让人感到扎实可靠，很少有那种空泛的、让人摸不着头脑的描述。