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乔治·罗达姆 著

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201111452

商品编码：22466470151

品牌：后浪

包装：精装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：铜版纸

页数：80

字数：80000

正文语种：中文

编辑推荐

本系列图书邀请多位世界知名插画家绘制插画，风格独特、妙趣横生，并和艺术家的作品相互呼应，轻松品读艺术家的传奇人生。？ 文字部分亦由相关领域的专家撰写，简明易读。作者围绕艺术家生平和创作的关键节点，生动解读这些天才人物的艺术魅力。印制精美，采用独特的平切三边的精装方式，易于翻阅，无论是假日休闲还是旅途闲暇均可随手翻读，让艺术与您相伴。

作者简介

作者:(英)约瑞拉·安德鲁斯 译者:吴啸雷 插图作者:(英)帕特里克·韦尔

吴啸雷，杭州人。毕业于浙江大学心理学系、北京大学艺术学系。曾供职于中国美术家协会，现为自由学人，主要研究领域为西方古典艺术和当代艺术。译有《艺术史写作原理》（合译）、《艺术的终结》等。约瑞拉·安德鲁斯(Jorella Andrews)，伦敦大学戈德史密斯视觉文化系的资深客座教授。她学习纯艺术出身，然后变成了一位艺术理论学者，她热衷于研究艺术与哲学、知觉以及艺术实践这几者的关联性。她还是《炫耀!图像的哲学》一书的作者，以及丛书“视觉文化”的编辑，这套丛书的头三本已经于2013年出版。帕特里克·韦尔(Patrick vale)，一位国际知名插画师，他以城市和建筑画作晶闻名。他新的作品是一部延时摄影电影《钢笔帝国》，他目前在伦敦工作和生活。

追寻光影的足迹：艺术史上的群星闪耀 本册精选的艺术传记集，旨在带领读者深入探索人类艺术史上那些塑造了我们视觉世界的伟大灵魂。我们不聚焦于某一位艺术家的个人生涯，而是铺陈开一幅由多位大师共同绘制的恢弘画卷，展现他们在不同时代、以各自独特的方式，对美、对人性、对世界的理解与表达。 第一部分：文艺复兴的曙光与巨匠的诞生 我们将从欧洲文艺复兴的摇篮——意大利，开始这段旅程。文艺复兴是人类精神觉醒的时代，是对古典精神的回归与超越。 列奥纳多·达·芬奇：全能的百科全书式天才 达·芬奇不仅仅是一位画家，他是一位永不停歇的探索者。本章将侧重剖析他如何将科学观察、解剖学知识、光学原理融入到艺术创作中。他的《蒙娜丽莎》超越了简单的肖像画，成为研究微笑和“空气透视法”的经典案例。我们细致考察他的工程草图，理解他如何试图用机械的逻辑去解构自然的神奇。他的一生是关于“知性之美”的极致追求。我们探讨他那些未竟的事业，以及它们对后世美学思想的深远影响。 米开朗基罗：雕塑与灵魂的搏斗者 米开朗基罗的艺术生涯是一场与材料的永恒对话，更是一场与自我精神困境的抗争。我们聚焦于他如何看待雕塑的本质——即“解放被囚禁在石块中的形体”。从青年时期对古典人体美的精准把握，到晚年在西斯廷教堂穹顶上对人类起源与救赎主题的史诗性描绘，他的作品充满了强烈的“普物性”（terribilità），一种令人敬畏的庄严感和力量。通过分析他未完成的雕塑和早期的诗歌，我们得以窥见他内心深处那份对完美形体的执念与挣扎。 拉斐尔：和谐与理想的化身 与达·芬奇的深邃和米开朗基罗的激情不同，拉斐尔代表着文艺复兴盛期的圆融与优雅。本章将着重分析他在梵蒂冈宫殿壁画中的布局天才，尤其是《雅典学院》。这部作品不仅仅是名人录，更是对哲学、科学、艺术融会贯通的完美宣言。我们将探讨他如何平衡构图的复杂性与画面的宁静感，以及他对女性形象——尤其是圣母形象——所赋予的母性和理想化之美。 第二部分：巴洛克与洛可可的戏剧性张力 进入17世纪和18世纪，艺术风格从古典的宁静转向了对情感、运动和光影的极致渲染。 卡拉瓦乔：黑暗中的真实 卡拉瓦乔是艺术史上最具争议的“坏男孩”之一。本章将聚焦于他的“明暗对照法”（Chiaroscuro）如何颠覆了既有的美学规范。他将神圣的主题带入世俗的场景，用街头艺人做模特来描绘圣徒，这种对“赤裸真实”的追求，使得他的宗教画充满了令人不安的戏剧张力和现代性。我们分析其作品中强烈的空间压缩感和光线聚焦，如何引导观众直接进入事件的核心。 伦勃朗：人性的光辉与阴影 荷兰黄金时代的代表人物伦勃朗，是一位洞察人心的心理大师。他的自画像系列构成了艺术史上最完整、最坦诚的个人编年史。本章将着重探讨他如何运用厚涂的笔触和细腻的光影变化，来捕捉人物转瞬即逝的情感状态，无论是早期的自信，还是晚年的孤寂。他的作品中，光不再仅仅是照明工具，而是人内心世界的隐喻。 维米尔：静谧时光的永恒捕捉者 在同一时代的荷兰，维米尔选择了另一种静谧的方式。本章细致考察他如何利用罕见的蓝色和黄色颜料，以及对自然光的精确模拟，营造出一种近乎水晶般清澈的室内氛围。他的作品，如《倒牛奶的女仆》，将日常的家务劳动提升到近乎神圣的仪式感。我们将探讨可能存在的“暗箱”（Camera Obscura）对他的透视和光斑处理的影响。 第三部分：浪漫主义与现实主义的交锋 19世纪，社会剧变催生了艺术领域更强烈的个体情感表达和对社会现实的批判。 戈雅：从宫廷画师到历史的目击者 西班牙的弗朗西斯科·戈雅经历了西班牙王室的兴衰与拿破仑的入侵。他的创作轨迹是理解艺术如何介入历史的绝佳范例。从早期的华美挂毯，到后期的“黑色绘画”，戈雅展现了艺术的蜕变。本章将重点分析《1808年5月3日夜枪杀起义者》，这部作品开创了现代战争艺术的先河，它不再颂扬英雄主义，而是赤裸裸地揭示了暴力行为的残酷和非人道性。 库尔贝：拒绝美化的“丑陋”真相 古斯塔夫·库尔贝是现实主义运动的旗手，他高喊“让天使去见鬼”。本章将分析他如何通过描绘农民、矿工和普通劳动者的生活，挑战了学院派对“高雅题材”的垄断。他的巨幅作品《奥尔南的葬礼》因其对平民场景的直接呈现而引起轩然大波，这标志着艺术主题的民主化进程。 第四部分：印象派与后印象派的色彩革命 19世纪末的巴黎，艺术界迎来了一场彻底的色彩与光线的革命，为现代艺术的诞生奠定了基础。 莫奈：追逐流逝的光线 克劳德·莫奈不仅仅是一位画家，他是一位时间和光线的记录者。本章将深入探讨他如何系统性地将工作室搬到户外（En Plein Air），专注于捕捉特定时刻光线在物体表面产生的瞬间变化。从《干草垛》系列到《鲁昂大教堂》系列，再到晚年的《睡莲》，我们分析他如何逐渐模糊物体的形体界限，将绘画推向纯粹的视觉感受层面。 塞尚：重塑结构与体积 保罗·塞尚是连接印象派与立体主义的关键人物。他试图在印象派易逝的光影中重新找回“永恒的结构”。本章将关注他对几何形体——圆柱、球体、圆锥——在自然界中的应用，以及他对同一物体进行多视角描绘的尝试。他的静物画和圣维克多山系列，是关于“构建”而非“再现”的宣言。 梵高：情感的火焰与笔触的呐喊 文森特·梵高短暂而炽热的一生，是关于艺术与精神痛苦的史诗。本章将重点分析他如何将主观情感直接注入到色彩和笔触之中。他的作品中强烈的漩涡状线条和非自然的色彩运用（如他标志性的向日葵和星空），是对外部世界感受的内在投射。我们探讨他与提奥之间的通信，如何揭示他创作背后的哲学思考。 通过对这些截然不同的大师的深入剖析，本传记集力求展现艺术史的丰富性、复杂性与永恒魅力。它不是对单一艺术家的崇拜，而是对人类创造力边界不断拓展的致敬。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，特别是内页的印刷质量，给我留下了极佳的第一印象。清晰度极高，即便是那些较为早期的、分辨率可能受限的文献照片，也得到了最大程度的优化和呈现。我喜欢它在关键章节后附带的那些精心挑选的延伸阅读或文献索引，这极大地丰富了读者的探索路径。每次读到某个观点被提出，我都会下意识地想去查证更多的原始资料，而这本书仿佛预料到了读者的需求，总能提供一个坚实的跳板。它的文字编排有一种古典的韵律感，长句和短句交替使用，犹如音乐中的休止符与强音，让阅读过程充满了节奏感和层次感。读完一个章节，总会有一种“原来如此”的豁然开朗感，这种由浅入深、层层递进的知识构建过程，是很多同类书籍难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我挑选书籍时，通常会非常注重作者的切入点是否新颖。这本书在这方面做得相当出色。它没有落入传统艺术家传记那种流水账式的记录窠臼，反而是巧妙地穿插了大量当时的社会风貌和哲学思潮的侧写。读起来，你会发现这位艺术家的创作并非孤立的存在，而是与他所处的时代、他所接触的圈子、乃至他内心的挣扎紧密交织在一起。作者对细节的捕捉能力令人印象深刻，比如对某一幅作品创作时所用颜料的微妙变化，或是对某次争论中语气语调的精准复述，这些细微之处，构建起了一座立体、可感的艺术世界。我常常会停下来，合上书本，闭上眼睛，想象那个画面：阳光如何斜射进简陋的工作室，空气中弥漫着松节油的味道，以及艺术家面对画布时，那种近乎宗教般的虔诚与狂热。这本书的价值，就在于它能让读者产生这种强烈的“在场感”，远超出了简单的信息传递，上升到了情感共鸣的层面。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的艺术爱好者，我深知要将复杂的艺术史梳理得既准确又引人入胜是多么困难的一件事。然而，这本书的作者显然在这方面下了极深的功夫，他的学术底蕴是毋庸置疑的。我特别留意了其中关于艺术理论分析的部分，那些深入浅出的解读，成功地将那些高深的学院派术语，转化为了普通读者也能理解的直观感受。更值得称道的是，作者在评价艺术家的成就时，保持了一种恰到好处的平衡——既有对天才的赞颂，也有对人性弱点的客观审视，没有过度神化或贬低。这种审视的目光，使得书中人物的形象更加丰满和真实，让人感觉仿佛不是在阅读一个标签化的历史人物，而是在与一个活生生、充满矛盾的个体对话。这种严肃又不失温度的叙事方式，让这本书的阅读体验达到了一个很高的水准，绝对是值得反复研读的。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，我很少对一本书的“耐读性”给予如此高的评价。这本书的价值并非只在于一次性的信息获取，而在于它能引发持久的思考。它不仅仅是关于一个艺术家的生平，它更像是一面镜子，折射出我们自身在面对创造、面对社会压力时的反应。作者在描述艺术家如何挣扎于商业现实与纯粹艺术追求之间的矛盾时，那种深刻的洞察力，让我联想到了当代许多创作者的困境。这本书读完后，我没有立刻将它束之高阁，而是把它放在了床头最显眼的位置。偶尔翻开一页，随便看上几段，总能获得新的体悟，或者重新激活某段被遗忘的思考火花。这便是好书的标志——它不再是静止的文本，而是成为了读者精神世界的一部分，持续地与你对话，持续地提供养分。

评分☆☆☆☆☆

这本新近入手的大部头，光是捧在手里那份厚重感就让人对它寄予厚望。封面设计简洁却又不失品味，那种略带磨砂质感的纸张触感极佳，一看就知道是下了功夫的用心之作。我通常喜欢在周末的午后，泡上一杯浓郁的咖啡，然后沉浸在这种艺术家的世界里。这本书的排版布局深得我心，大量的留白让文字呼吸顺畅，既不显得拥挤，又能让读者的视线自然地跟随作者的叙述而前进。作者的文字功底令人赞叹，他似乎拥有一种魔力，能将那些遥远、晦涩的艺术理念，用一种近乎白描的手法，轻松地勾勒出来，让人在不知不觉中就被带入了那个特定的时代背景之中。我特别欣赏作者在叙事节奏上的把控，总能在关键的转折点设置悬念或留下余味，迫使人忍不住翻过下一页，去探寻那个“为什么”。这种流畅感，使得原本可能枯燥的历史回顾，变成了一场引人入胜的探险。它不只是在讲述一个生平故事，更像是在带领我们进行一次深度的精神漫游。